25 μεγαλύτερες ταινίες μικρού μήκους που δημιουργήθηκαν ποτέ

Υπάρχουν πολλοί που δεν μπορούν να αφιερώσουν 90 έως 120 λεπτά την ημέρα για να παρακολουθήσουν μια ταινία. Είναι απασχολημένοι και έχουν μια ποικιλία εργασιών που πρέπει να ενοχλούν για την ώρα. Λοιπόν, οι ταινίες μικρού μήκους είναι η τέλεια ανάλυση για αυτούς τους ανθρώπους. Υπάρχουν άνθρωποι που εξετάζουν εναλλακτικές λύσεις σε διαφορετικές μορφές τέχνης, αλλά οι σκληροπυρηνικοί λάτρεις της ταινίας πρέπει να έχουν μια εμπειρία οπτικής ταινίας και εγώ είμαι στο τέλος του φάσματος, πιστέψτε με ότι ξέρω τι περνούν. Μια ταινία ή μια ταινία είναι μια σειρά ακίνητων εικόνων όταν εμφανίζονται σε μια οθόνη που δημιουργεί την ψευδαίσθηση των κινούμενων εικόνων και δεν υπάρχει καθόλου χρονικός περιορισμός.

Ως άπληστος μαθητής, πρέπει να καταλάβετε ότι όλα ξεκινούν με μια ταινία μικρού μήκους, ένα πείραμα για να μετρήσετε το ταλέντο σας και να διασκεδάσετε ταυτόχρονα. Ορισμένες καλές ταινίες μικρού μήκους έχουν επηρεάσει και ορίσει τον κινηματογράφο σε βαθμό που πολλοί δεν το γνωρίζουν και συνήθως συλλαμβάνουν την ουσία ενός ανθισμένου σκηνοθέτη. Με τους περιορισμούς από την πλευρά σας και το κινηματογραφικό κενό, έχετε πάντα την επιλογή να εξερευνήσετε ταινίες μικρού μήκους και μερικές από τις μεγαλύτερες ταινίες είχαν σχεδιαστεί μετά τις μικρές. Υπάρχουν χιλιάδες ταινίες μικρού μήκους στο Διαδίκτυο, χωρίς όλες να είναι απαραίτητα ποιότητας και είναι καθήκον να αναζητήσετε με τις ελάχιστες πληροφορίες που παρέχονται σχετικά προφανώς λόγω της ελάχιστης έκθεσης.

Τώρα, ως οπαδός της ταινίας τρόμου, τείνω πάντα να ψάχνω για σορτς που με κουδουνίζουν και δεν εξυπηρετούν μόνο το σκοπό να με τρομάξει, πρέπει να συμφωνήσετε ότι τα άλματα είναι συναρπαστικά μόνο κατά τη διάρκεια τους, αλλά δεν έχουν αξέχαστο αποτέλεσμα. Οι ψυχολογικές ή ατμοσφαιρικές ταινίες τρόμου είναι συνήθως οι καλύτερες και παρόλο που ο συγκριτικά χαμηλός προϋπολογισμός τους είναι δύσκολες επειδή απαιτούν φινέτσα μέσω τεχνικής, ενώ η τεχνική θα μπορούσε να είναι οπτική εικόνα ή ιστορία ή παραστάσεις.

Με αυτά τα λόγια, εδώ είναι η λίστα των κορυφαίων ταινιών μικρού μήκους που θα σας τραβήξουν. Μπορείτε να παρακολουθήσετε μερικές από αυτές τις καλύτερες ταινίες μικρού μήκους στο διαδίκτυο στο Youtube, το Netflix, το Hulu ή το Amazon Prime.

25. Κωδικός 8

Το 'Code 8' δημιουργήθηκε το 2016 από τους Stephen Amell (Arrow) και Robbie Amell, σε σκηνοθεσία του Jeff Chan, ο οποίος έκανε επίσης το 'Operation Kingfish', το prequel σύντομο του Call of Duty: Modern Warfare 2. Οι αδελφοί Amell και ο Chan έκαναν αυτό το σύντομο Ταινία ως teaser για ένα χαρακτηριστικό πλήρους μήκους που είχαν προγραμματίσει και σκόπευαν να χρησιμοποιήσουν αυτό το βίντεο για να κάνουν το έργο τους να χρηματοδοτηθεί. Η απόφαση να ακολουθήσετε την ανεξάρτητη διαδρομή ήταν να ασκήσετε πλήρη δημιουργικό έλεγχο στην ταινία τους, καθώς η παρέμβαση των παραγωγών με ταινίες έχει αυξηθεί απότομα. Ο λόγος για τον οποίο μου άρεσε ήταν επειδή δεν ταιριάζει με τα στοιχεία του cyberpunk, βρίσκεται κάπου μεταξύ του κόσμου μας και εκείνου στο 'Blade Runner', παρόμοιο με το 'Escape from New York' του Carpenter. Η ταινία έχει επίσης μια παρόμοια ιδέα με το «X-Men» με μια μειονότητα μεταλλαγμένων ανθρώπων που αντιμετωπίζουν το βάρος της αποκλειστικά καταπιεστικής κυβέρνησης.

24. Τζίμιν

Όσοι είναι εξοικειωμένοι με τον χαρακτήρα του Πινόκιο πρέπει να γνωρίζουν τον Κρίκετ Τζίμινι και από εκεί προέρχεται η ταινία. Τώρα, η ιστορία του Pinocchio έχει δύο εκδόσεις, την πρωτότυπη που είναι ζοφερή και ενοχλητική και μια από την Disney που τονίζεται για ευρύτερο κοινό. Το «Jiminy» είναι μια φουτουριστική αναπαράσταση ενός κόσμου όπου οι άνθρωποι έχουν μάρκες ελέγχου που μοιάζουν με κρίκετ που τους παρέχουν μια εναλλακτική λύση για την εκτέλεση κάθε εργασίας στην τελειότητα. Οι μάρκες στην επιφάνεια φαίνεται να είναι πολύ χρήσιμες και υποστηρικτικές όπως η έκδοση της Disney, αλλά καθώς προχωράμε, καταλαβαίνουμε την έκταση του ελέγχου που έχουν στη νοοτροπία των ανθρώπων, μετατρέποντάς τα σε μια ψυχικά κοίλη κατάσταση στο έλλειμμα.

23. Darth Maul: Μαθητευόμενος

Όταν έκανα διάφορες ταινίες μικρού μήκους, αυτό ήταν ένα όνομα που δεν θα είχα επιλέξει γενικά σε ένα εκατομμύριο χρόνια. Ένας θαυμαστής που έκανε την ταινία 'Star Wars' του 21ου αιώνα, μπορεί κανείς να περιμένει το λιγότερο από αυτήν. Αλλά με εξέπληξε η ποιότητα της ταινίας και για να είμαι ειλικρινής, αυτή είναι μια από τις καλύτερες ζωντανές εμφανίσεις 'Star Wars' που έχω δει. Ως οπαδός του Star Wars, περιφρόνησα τη μεταχείριση του Darth Maul να περιορίζεται σε ένα σκαλοπάτι για την τρομερή ανάπτυξη του Anakin Skywalker. Εδώ, βλέπουμε τον επιδέξιο πολεμιστή να μεγαλώνει σε έναν άρχοντα Sith, σκοτώνοντας αυτό που μοιάζει με μια ασαφή εκδοχή του Obi-wan και των μαθητών του στη διαδικασία. Οι σκηνές μάχης είναι πολύ καλά χορογραφημένες και εκτελούνται με ευκινησία που αναμένεται από ανθρώπους που έχουν αφιερώσει τη ζωή τους στην τέχνη.

22. Κουνγκ Φιούρι

Δεν ξέρω τι με άφησε πιο αναζωογονητικό μετά την παρακολούθηση του 'Kung Fury', το αφιέρωμα που δίνει στη ρετρό ψυχαγωγία της δεκαετίας του 80 με τη συνθετική ατμόσφαιρα ή το γεγονός ότι βρήκα επιτέλους την πηγή των μιμίδων 'Hackerman'. Η ταινία μικρού μήκους του Ντέιβιντ Σάντμπεργκ διεισδύει στο φαντασιωμένο μέλλον και επίσης παριστά παρόμοιες ταινίες από την ρετρό εποχή. Kung Fury, ο ήρωας μας χτυπιέται από κεραυνό που τον μετατρέπει σε έναν ασυναγώνιστο πολεμιστή πολεμικών τεχνών και αυτό που ακολουθεί είναι κάτι που θα πιστέψεις μόνο αν το ελέγξεις. Η ταινία παίζεται καλύτερα σε ανάλυση 240p, έτσι ώστε να αφήσετε τον εαυτό σας να καταπιεί από τη νοσταλγία του VHS και αν αυτό δεν είναι αρκετό, ο Knight Rider David Hasselhoff κάνει επίσης ένα καμεό.

21. Φρανκεννένεϊ

Δυστυχώς, παρακολούθησα αυτό το κλασικό 30 λεπτών από τον Tim Burton πριν από τον 21ο αιώνα, αφού καθόμουν για 90 λεπτά μέσω της έκδοσης 'Corpse Bride'. Αυτή ήταν η εποχή που ο Burton δεν γεμίζει κάθε δυνατή οθόνη με παλέτα εμπνευσμένη από την εποχή των εξπρεσιονιστών. Αυτή η ταινία μικρού μήκους απολύθηκε ο σκηνοθέτης επειδή η Disney το θεωρούσε ακατάλληλο για το στοχευμένο νεαρό κοινό. Λειτουργεί ως μια σύγχρονη παράδοση του Φρανκενστάιν με ένα σκυλί να αναστηθεί από τον σπασμένο νεαρό φίλο του. Ο σκύλος ήταν ο πιο πιστός φίλος του ανθρώπου και μπορεί κανείς να ρωτήσει τους μεγάλους ως προς το πόσο σημαίνουν τα παιδικά τους παιδιά και αν θα κάνουν κάτι για να το σώσουν. Αν και οι ενήλικες μπορεί να συμβιβαστούν με το θάνατο, αλλά τα παιδιά δεν μπορούν και αυτό δίνει μια πολύ σταθερή βάση για τον σκοπό της ταινίας.

20. Ο Νοσταλγιστής

Το «The Nostalgist» μπορεί πράγματι να ρίξει νοσταλγία στους θαυμαστές του «A.I.» του Steven Spielberg. Τεχνητή Νοημοσύνη ». Η ταινία λαμβάνει χώρα σε έναν δυστοπικό κόσμο όπου οι άνθρωποι μπορούν να χρησιμοποιήσουν τροποποιημένα γείσα που παρουσιάζουν μια εικονική πραγματικότητα. Η ταινία παρουσιάζει τον δεσμό μεταξύ πατέρα και γιου και με έκανε να σκεφτώ πώς ο όρος «πατέρας-γιος» είναι πολύ υποκειμενικός. Στην πραγματικότητα, ο ένας μπορεί να αγαπά και να φροντίζει τον άλλο ως πατέρα, και ο άλλος μπορεί να ανταποδώσει τον σεβασμό που σχετίζεται με τους γιους. Παρόλο που έχει διάρκεια 17 λεπτών, μαζί με τις πρόσφατες ταινίες επιστημονικής φαντασίας, αυτό αγνοεί τι θεωρούνται «προϋποθέσεις» για μια σχέση.

19. Είμαι εδώ

Διάβασα το 'The Giving Tree' του Shel Silverstein όταν ήμουν παιδί και παρόλο που έχω συναντήσει διάφορες εκδόσεις αυτού, καμία δεν είναι τόσο ψηλή όσο η ταινία μικρού μήκους του Spike Jonze. «Είμαι εδώ» πρωταγωνιστεί ο Άντριου Γκάρφιλντ ως ρομπότ σε έναν κόσμο όπου αντιμετωπίζονται ως κατώτεροι, δεν «κακοποιούνται» αλλά θεωρούνται ως φρικιαστικοί. Ο Garfield's Sheldon είναι ένας εσωστρεφής που ζει μια μονότονη ζωή, μοιάζει με τον Θεόδωρο από το «Her», το οποίο ήταν μοντελοποιημένο σε αυτό. Ο Sheldon ερωτεύεται το απερίσκεπτο ρομπότ Francesca που είναι το πολικό απέναντί ​​του και η ταινία διερευνά την άνευ όρων αγάπη του γι 'αυτήν. Σε αντίθεση με την ιστορία, η Francesca δεν είναι εγωιστική, καταλήγει να κάνει αθώα λάθη που κοστίζουν πολύ το ζευγάρι.

18. Ηλεκτρονικός λαβύρινθος: THX 1138 4EB

Αν και ο Τζορτζ Λούκας είναι γνωστός για την έναρξη του franchise του Star Wars, το ντεμπούτο του χαρακτηριστικό «THX 1138» παραμένει το καλύτερο έργο του και μία από τις καλύτερες ταινίες επιστημονικής φαντασίας όλων των εποχών. Εκτός από μια καταπληκτική απεικόνιση του κόσμου της Ορβελίας, η ταινία βοήθησε να ξεκινήσει μια κατηγορία ταινιών που συνδυάζουν την επιστημονική φαντασία με την κοινωνική σάτιρα. Ο «Ηλεκτρονικός Λαβύρινθος» είναι η βάση για το χαρακτηριστικό και ο Lucas το έκανε για το πανεπιστημιακό του έργο. Αν και μπορεί να έχει έλλειψη ποιότητας εξαιτίας ενός μικρότερου προϋπολογισμού, ο Λούκας είχε πρόσβαση σε περιορισμένες περιοχές του Ναυτικού και ως εκ τούτου αισθάνεται σαν μια προβολή ενός απομακρυσμένου κόσμου.

17. Ένα ταξίδι στη Σελήνη

Έχουν περάσει 115 χρόνια από τότε που έγινε ένα ταξίδι στο φεγγάρι, αφιερώστε λίγο και αφήστε το να βυθιστεί. Ο Τζωρτζ Μέλις απεικόνισε το διαστημικό ταξίδι το 1902, δεκαετίες πριν κατασκευαστεί ο πρώτος πύραυλος που μπορούσε να καλύψει μεγάλες αποστάσεις και πάνω από μισό αιώνα πριν καν κάποιος έφτιαξε το σχέδιο που θα μπορούσε να στείλει τον άνθρωπο στο διάστημα. Εάν αυτό δεν ήταν αρκετό, απεικόνισε ακόμη και τον Αρειανό που μοιάζει με εξωγήινους στην οθόνη. Ο Melies ήταν ένας αληθινός οραματιστής και το έργο του δείχνει τον πρώιμο σουρεαλισμό και τον μαγικό ρεαλισμό και ο ενθουσιασμός του με τη γεωμετρία είναι σχεδόν υπνωτιστικός. Είναι διαθέσιμο τόσο σε ασπρόμαυρη όσο και σε έγχρωμη έκδοση στο YouTube, και θα συμβούλευα τον πρώτο, καθώς ο τελευταίος αισθάνεται κλεμμένος αυθεντικότητας λόγω της αιώνιας διαδικασίας αποκατάστασης.

16. Ο Jetee

Υποθέτω μια κατάσταση, ας υποθέσουμε ότι ο Chris Marker είδε τη La Jetee σε ένα τοπικό θέατρο μια μέρα ως παιδί, και χρόνια αργότερα, αν είχε σταλεί πίσω στο χρόνο και θα συνειδητοποιούσα ότι ήταν ο δημιουργός, θα άλλαζε τον τρόπο που ήταν η ταινία έκανε? Άκουσα ότι δεν μπόρεσε να αντέξει οικονομικά μια βιντεοκάμερα, και ως εκ τούτου επέλεξε να συντάξει τις φωτογραφίες, που πιστεύω ότι συγχρονίζεται πολύ καλά με την απότομη ροή του χρόνου από την οπτική του πρωταγωνιστή. Είναι ενδιαφέρον ότι, σύμφωνα με τη δική του δημιουργία, δεν μπορούσε, γιατί ανεξάρτητα από το πόσο αόριστα και μεταφυσικά το ταξίδι στο χρόνο είναι στην ταινία, δεν υπάρχει απλώς απόδραση από το παρόν. Το επίπεδο της ύπαρξής σας περιορίζεται στο παρόν, το οποίο είναι ίσως το μόνο πράγμα που έχει σημασία, γιατί είναι το μόνο πράγμα που μπορεί να σας επηρεάσει. Το La Jetee είναι πειραματικό, δεν υπάρχει σχεδόν τίποτα ρεαλιστικό για την ταινία. η προϋπόθεση, η διαδικασία, η αγάπη, όλα είναι απλώς μια άσκηση εξαπάτησης.

15. Αλεξία

Ξεκινώντας με το «Alexia», ένα αργεντινό κοντό με κυρίαρχο σχέδιο τρόμου στα μέσα κοινωνικής δικτύωσης-στον κυβερνοχώρο. Περιλαμβάνει έναν υπερφυσικό απολογισμό των γεγονότων, που δεν έχει επαλήθευση αλλά αντισταθμίζει τα μειονεκτήματά του με μεγάλη προσοχή στη λεπτομέρεια. Η Αλεξία ήταν ένα κορίτσι που αυτοκτόνησε αφού ο φίλος της (το προβάδισμα) διαλύθηκε μαζί της και τον βλέπουμε να περνάει από το προφίλ της, ένα σημάδι ενοχής και αγάπης που πιθανότατα βρίσκεται μέσα. Αφού συνομιλήσει με την τρέχουσα φίλη του στο Διαδίκτυο, αποφασίζει να φιλήσει την Αλεξία, με αποτέλεσμα ο υπολογιστής του να είναι ασταθείς και τα μηνύματα από τη νεκρή Αλεξία, συμπεριλαμβανομένης μιας εικόνας που έχει αποσπαστεί από το «Ringu».

Το camerawork και το μοντάζ είναι εκπληκτικά με τις κοντινές λήψεις να καταγράφουν την απόλυτη σύγχυση στα μάτια του μολύβδου και το αυξανόμενο άγχος του στα δάχτυλά του και την καθυστερημένη κίνηση του δρομέα. Οι γωνίες της κάμερας και η εναλλαγή είναι ελαφρώς υπερβολικές, αλλά ζητούν τη σωστή προσοχή και επιτυγχάνουν να δημιουργήσουν μια μπερδεμένη διάθεση. Από τεχνική άποψη, η ταινία είναι πολύ καλή, με το VFX παρά τον προϋπολογισμό του να μην εξαπατά τη διάνοια του κοινού, το φάντασμα και η λήψη της ίριδας είναι ωραία επιτεύγματα. Η Αλεξία αποδεικνύεται ότι είναι κάτι περισσότερο από ένας ιός που βρωμίζει τον υπολογιστή και η προοπτική στο τέλος είναι τρομακτική και σε κάνει να σκεφτείς τη μοίρα του ηγέτη. Το σενάριο δεν είναι τίποτα σπουδαίο και βασίζεται σε άλματα, αλλά ο πραγματικός αντίκτυπος της ταινίας λαμβάνει χώρα μόνο όταν το συσχετίζεις σε ένα πιο συνηθισμένο επίπεδο, το σκέφτομαι χωρίς να τείνεις στην υπερφυσική πτυχή.

14. Ο χαμογελαστός άνθρωπος

Ο «Χαμογελαστός άνθρωπος» σπρώχνει ένα παιδί ενάντια στον διάβολο και το παιδί δεν διαθέτει υπερδυνάμεις ή ικανότητες χαρακτηριστικές από μια ταινία του Χόλιγουντ. Όχι. Το παιδί είναι έτοιμο να αντιμετωπίσει το καθαρό κακό και τη γέννηση του τρόμου, επειδή η λέξη «φόβος» περιορίζεται σε φαντάσματα και μάγισσες κατά την παιδική ηλικία, και όλα αυτά συμβαίνουν στη μέση του θανάτου. Δεν έχω καμία πρόθεση να συζητήσω την πλοκή γιατί δεν υπάρχει πιθανός τρόπος εστίασης σε σημαντικά σημεία οικόπεδο στο 7λεπτο χρόνο εκτέλεσης, καθώς θα χαλάσει εντελώς την εμπειρία.

Η εισβολή είναι ένα θέμα ρουτίνας για ταινίες τρόμου και αυτό που κάνει κάποιες από αυτές να ξεχωρίζουν είναι ο τρόπος που γυρίστηκαν. Από την αρχή σας δίνεται μια εντύπωση για την παρουσία μιας υπερφυσικής δύναμης, αλλά αυτό που ανακαλύπτετε είναι μια φυσική ενσωμάτωση αυτής και όχι ένα αέριο πλάσμα ή μια αόρατη παρουσία. Χρησιμοποιεί κάθε κόλπο στο Βιβλίο για Κλόουν για να δελεάσει το παιδί σε ένα πιο ατυχές γεγονός και αυτή η θεραπεία μπορεί να μην προκαλεί τρομακτικά, αλλά σας ενοχλεί και μια ταινία τρόμου λειτουργεί μόνο όταν παραμένει στο μυαλό σας αφού τελειώσετε με το. Αυτή η ταινία δεν προορίζεται για κανένα άτομο που τείνει να είναι αναστατωμένο στην παρέα των κλόουν.

13. Έβγαλε το δέρμα του για μένα

Το να το τοποθετήσετε κάτω από μόνο τρόμο θα ήταν κρίμα. Αυτό είναι το μέρος της λίστας όπου θα αφήσουμε στην άκρη τον φθαρμένο συμβατικό τρόμο και θα επικεντρωθούμε στον τρόμο που προκαλείται από την ύλη και τις ρεαλιστικές του ιδιότητες. Η ταινία μικρού μήκους 12 λεπτών ακολουθεί τον τίτλο της και επικεντρώνεται σε έναν άντρα που βγάζει το δέρμα του για να αποδείξει την αγάπη του για τη φίλη του. Ενισχυμένο από κάποια φανταστική σύνθεση και μηδενική χρήση του CGI, ο πρωταγωνιστής χωρίς δέρμα είναι ένα αξιοθέατο που βλέπει (όσον αφορά την τεχνική για το κοινό και συναισθηματικά για τη φίλη του, η οποία δεν μπορεί να εκφράσει την αντίδρασή της στην συντριπτική ομορφιά του). Ο άντρας χωρίς δέρμα περνά κάτω από το δέρμα σας (προορίζεται για παν), αλλά αυτό εξαντλείται αργά από την αποδοχή του ζευγαριού στην κατάσταση που λειτουργεί πολύ καλά ως μια σκοτεινή κωμωδία. Περαιτέρω μέσα στην ταινία, υπάρχει μια αυξανόμενη ένταση και η μόδα αρχίζει να φθείρεται αφήνοντας πίσω της ίχνη παντού, ίχνη που δεν θέλουν να νιώσουν αφού δεν είναι πλέον άνετα με αυτήν.

Η ταινία είναι υπέροχη με άψογη γραφή, υποκριτική και κάμερα (η κινηματογράφηση σε πρώτο πλάνο του τηγανισμένου κρέατος και η μεγάλη αποτύπωση των αποτυπωμάτων σε όλο το σπίτι είναι πολύ έξυπνη) και μπορεί να ερμηνευθεί ως μεταφορά για διαφάνεια. Αφαιρώντας το δέρμα του, ο μόλυβδος απλώνει τα πάντα και παραμένει ειλικρινής στη σχέση τους ανοίγοντας ακόμα κι αν ο σύντροφός του δεν ανταποκρίνεται. Στην αρχή, γίνονται πιο οικεία με την αλήθεια να ανεβάζει τον δεσμό τους, αλλά καθώς ο χρόνος εξελίσσεται, παρατηρούμε εφησυχασμό μέσα του καθώς ο σύντροφός του βοηθά μόνο στην επίλυση των ζητημάτων του, αλλά δεν τον ακολουθεί ποτέ, στο σημείο όπου υπάρχει μια προφανής ένταση μεταξύ τους, με αποτέλεσμα συγκλονιστική τελευταία σκηνή.

12. Canis

Το Canis είναι μια ταινία μικρού μήκους τρόμου που περιστρέφεται γύρω από ένα αγόρι που παγιδεύεται σε ένα σπίτι περιτριγυρισμένο από σκύλους που θα ήταν τα τέλεια κατοικίδια ζώα για τα φάντασμα στο «Night of the Living Dead». Είναι ζοφερή, καρδιακή και είναι μεγάλο ΟΧΙ για άτομα που δεν μπορούν να αντέξουν τη βία λόγω της αδιανόητης εξερεύνησης του φαραγγιού, αλλά αυτό δεν πρέπει να σας αφήσει να σας αποσπάσει από το αριστούργημα που είναι. Το σκηνικό αισθάνεται μετα-αποκαλυπτικό λόγω των σημείων επιβίωσης όπως η διατήρηση των τροφίμων, τα ερείπια του πολιτισμού, η γέννηση ενός ανθρώπου, τα εξαντλητικά ζώα και το ξεθωριασμένο μονόχρωμο.

Οι χαρακτήρες δημιουργήθηκαν από σύρμα, ύφασμα και ξύλο και ζωντανεύουν (μια πολύ σκληρή δήλωση) μέσω τεχνικών στάσης κίνησης από την Άννα Σολανά και τον Μαρκ Ρίμπα. Παρά τον μηδενικό του τόνο, έχει ένα τέλος που το κατατάσσει σωστά ως παραμύθι, με το τμήμα «νεράιδα» να κυριαρχεί ως πρέζα αίματος στον ωκεανό. Μια ιστορία ενηλικίωσης που θα έπαιρνε «R!» Η βαθμολογία που αφορά τον βιασμό, τη δυσφορία ειδών, τη δολοφονία ενός αγαπημένου προσώπου, τους ανθρωποφάγους και τα κομμένα μέρη του σώματος δεν είναι τίποτα άλλο παρά μια ταινία για παιδιά. Τεχνικά μπορεί να βελτιωθεί μόνο με την # 1 επιλογή αυτής της λίστας με άψογες λεπτομέρειες σχετικά με την παραγωγή και τον σχεδιασμό ήχου, κάθε ουλή έχει σχισμές με το τέλειο ποσό τρέλας και μια μόνο εμφάνιση μπορεί να μεταφέρει την ιστορία πίσω από αυτήν.

Προχωρώντας στο οικόπεδο, ο Teo επιβιώνει με τον σκύλο του και έναν γέρο (που θα μπορούσε ενδεχομένως να είναι ο παππούς του) και δυσκολεύεται να συμβιβαστεί με τις βαρύτητες της κατάστασης στην οποία έχουν κολλήσει. Όλα αλλάζουν όταν ένα λάθος οδηγεί στο δικό του ο θάνατος του κηδεμόνα στα σαγόνια των άγριων σκύλων, και πρέπει να ανεβάσει για να προστατεύσει τον ίδιο και τον σκύλο του σκοτώνοντας τους εισβολείς. Βιάζεται από μια γυναίκα που ντύνεται ως σκύλος για να επιβιώσει και πρέπει να καταφύγει να τρώει κρέας σκύλου, ενώ βλέπουμε ότι ο σκύλος του γίνεται όλο και πιο ανήσυχος και άγριος λόγω των αντιξοών και το μόνο πράγμα που το χωρίζει και τους άλλους άντρες μια απλή εμφάνιση. Η ιστορία ξεδιπλώνεται σε μια ακόμη τρομακτική και ενοχλητική φάση που δείχνει τελικά την ολοκλήρωση της μεταμόρφωσης του Teo σε έναν άνθρωπο, έτοιμο να αναλάβει τον κόσμο.

11. ΦΟΥΚΚΚΟΥΟΥ

Το «FUCKKKYOUU» είναι μια ανησυχητική σουρεαλιστική ταινία και μαρτυρία για την επίδραση του τρόμου του Lynchian. Γυρίστηκε σε κοκκώδες μονόχρωμο με θολά οράματα και το σκορ από τον Flying Lotus παίζοντας τις συμφωνίες του «Eraserhead», για την οποία θα ήταν υπερήφανη η Lynch. Η ταινία ξεκινά με έναν προσανατολισμό που θυμίζει ταινίες τρόμου της δεκαετίας του 30 και 40 και ένα παραμορφωμένο πλάσμα που μοιάζει με το «The Elephant Man». Βρήκα δύσκολο να κατασκευάσω μια θεωρία που εξηγεί τα γεγονότα και τα εγκεφαλικά μου κύτταρα προσελκύθηκαν εντελώς από το Στοιχείο της Έκπληξης και έπρεπε να αναφερθώ σε εικονικές πηγές. Η ταινία βασικά περιστρέφεται γύρω από ένα ανθρωποειδές πλάσμα που αγωνίζεται με την ταυτότητα και το φύλο του όταν αντιμετωπίζει απόρριψη που λαμβάνει χώρα μέσα σε εναλλασσόμενες χρονικές περιόδους, με το παρελθόν να είναι απώλειες της πραγματικότητας, αφού γυρίστηκε από την ένεση που μας δείχνουν στην αρχή.

Η ταινία είναι γεμάτη από φρικιαστικό πόνο και ουρλιαχτό απελπισία, με την άψυχη μουσική που είναι πραγματικά ικανή να ενοχλήσει την αίσθηση κάθε λογικού ατόμου. Ο τίτλος της ταινίας είναι ένα αστείο στο εσωτερικό, και εμφανίστηκε κατά τη διάρκεια μιας συνεδρίας όπου το Flying Lotus έβγαινε τυχαία μελωδίες και ένας από αυτούς ακούγεται σαν 'F * ck you'. Μπορεί επίσης να ερμηνευθεί ως η τελευταία κραυγή του μεταλλαγμένου όντος, μια κατάλληλη απάντηση σε εκείνα τα φυτά που σχίζουν μέσα του. Έχοντας χάσει τα λόγια, μπορώ μόνο να σας ζητήσω να το ελέγξετε μόνοι σας, επειδή η εμπειρία είναι καρφωτική και παρόλο που μπορεί να καταλήξετε να μην κάνετε τίποτα από αυτό, θα εκραγεί το μυαλό σας. Πάρτε το λόγο μου!

10. Στιγμές κοπής

Θα έβαλα το 'Cutting Moments' λίγο ψηλότερα στη λίστα λόγω των εξαιρετικά ενοχλητικών εικόνων και του αντικειμένου του, αλλά το 'The Big Shave' που ήταν μια σημαντική έμπνευση για αυτό είχε μεγαλύτερο αντίκτυπο σε μια εποχή που μόνο η Peckinpah τόλμησε να χρησιμοποιήσει το χρώμα κόκκινο περισσότερο από αυτό που θεωρήθηκε φυσιολογικό. Το Cutting Moments περιστρέφεται γύρω από μια αμερικανική οικογένεια που φαίνεται φυσιολογική από έξω. ένας άντρας, η σύζυγός του και ο γιος τους, αλλά πάσχουν από προβλήματα που μαστίζουν μεγάλο αριθμό οικογενειών στη δυτική κοινωνία, τα οποία οδηγούν σε πρωτοσέλιδα που σε κάνουν να τρέμεις.

Η Σάρα και ο Πάτρικ ζουν με καταπιεσμένα συναισθήματα και προτιμούν την απομόνωση, με τον Πάτρικ να αρνείται εντελώς την ύπαρξη της Σάρα. Η ψυχρότητα μεταξύ τους είναι τόσο σε σωματικό όσο και σε συναισθηματικό επίπεδο, με τον Πάτρικ να αποκλίνει τις σεξουαλικές του παρορμήσεις προς τον γιο του κατά τη διάρκεια ενός γεγονότος που παρουσιάζεται αόριστα. Η Σάρα προσπαθεί να ντύσει με ερωτικό τρόπο για να ευχαριστήσει τον Πάτρικ, αλλά όταν αυτή η απόπειρα αποτύχει το ίδιο κάνει και η ψυχική της σταθερότητα. Σε μια τελείως κατανεμημένη κατάσταση, επιδίδεται σε σοβαρό αυτοακρωτηριασμό ως έσχατη λύση, που ακολουθείται από γεγονότα που είναι απλώς αδιανόητα και θα επηρέαζαν σε κάποιο βαθμό τον «Αντριχικό» του Lars von Trier.

9. Το μεγάλο ξύρισμα

Η πρώτη ταινία μικρού μήκους του Martin Scorsese είναι ο τέλειος πρόλογος για την καριέρα του. Γεμάτο με το εμπορικό σήμα του καθολικό εξτρεμιστικό υποκείμενο αμαρτίας, φυσική θανάτωση και την εσωτερική μάχη μεταξύ πίστης και πραγματικότητας που επικαλύπτεται από θέματα βίας, έντασης και έντασης. Ολόκληρη η ταινία είναι τοποθετημένη σε ένα μπάνιο και στο 5 λεπτό του χρόνου εκτέλεσης, το 'The Big Shave' περιλαμβάνει έναν άντρα που ξαφνιάζει το πρόσωπό του δύο φορές, μία φορά με την πρόθεση να ξεφορτωθεί τα μαλλιά του προσώπου και την επόμενη φορά με την πρόθεση να ξεφορτωθεί τον εαυτό του. Είναι πειραματικό και υπάρχουν πάρα πολλές λήψεις από την κανονική που θα χρησιμοποιούσε ο Σκορσέζε, αλλά το κάνει να ισορροπεί σωστά μεταξύ της άμεσης (του καθρέφτη) και της έμμεσης (λεπίδας ξυρίσματος) της πράξης, δίνοντάς της μια ταυτότητα διαφορετική από μια φανταχτερή ταινία hippie .

Τώρα θα συζητήσω την πλοκή αφού λειτουργεί ως μεταφορά που κρύβεται στον εναλλακτικό τίτλο «Viet 67» που εμφανίζεται κατά τη διάρκεια των τελικών πιστώσεων. Το Viet 67 είναι μια αναφορά στον πόλεμο του Βιετνάμ, ένα θέμα με έντονη κριτική κατά τη διάρκεια του χρόνου που πυροβολήθηκε με μια σαφή εικόνα του πολέμου και ο πρόεδρος Τζόνσον αποκαλύφθηκε στη χώρα. Ο αυτο-ακρωτηριασμός αντικατοπτρίζει την αυτοκαταστροφική συμμετοχή των ΗΠΑ στον πόλεμο που είχε ως αποτέλεσμα την απώλεια 1 εκατομμυρίου Αμερικανών ζωών, άνδρες που ήταν φυσιολογικοί άνθρωποι όπως το κοινό και είχαν ελάχιστη γνώση για τα γεγονότα που έπρεπε να αντιμετωπίσουν.

8. Μυστηριακό μελόδραμα

Απολύτως αηδιαστικό και απαίσιο κομμάτι του κινηματογράφου. Το Melodrama Sacramental είναι μια ηχογράφηση 17 λεπτών για το έργο του Alejandro Jodorowsky με το ίδιο όνομα με τη θεατρική του ομάδα The Panic Movement. Η ομάδα μπορεί να θεωρηθεί λατρεία και το κίνητρό τους ήταν να επιτύχουν αυτό που έκαναν οι Bunuel και Dali στη δεκαετία του '20 συγκλονίζοντας το κοινό και αναζωογονώντας τον σουρεαλισμό που είχε γίνει μικροαστική αστική τάξη. Πρωταγωνίστησε κυρίως ο Jodorowsky ντυμένος ως μοτοσικλετιστής και τον χαρακτήρισε να κόβει τους λαιμούς δύο χήνων, να χτυπάει δύο φίδια στο στήθος του και να τον απογυμνώνει και να μαστιέται. Άλλες σκηνές περιελάμβαναν γυμνές γυναίκες καλυμμένες με μέλι, ένα σταυρωμένο κοτόπουλο, τη σταδιακή δολοφονία ενός ραβίτη, έναν τεράστιο κόλπο, τη ρίψη ζωντανών χελωνών στο κοινό και τα κονσερβοποιημένα βερίκοκα.

Με τη μεταμφίεση της πρωτοτυπίας, αυτό το σύντομο περιλαμβάνει τη σκληρότητα των ζώων και τη σεξουαλική αφαίρεση, αλλά σε αντίθεση με τα έργα του Bunuel, καταλήγει να είναι τόσο ωμό, ούτε σοκάρει ούτε προσδίδει τα σουρεαλιστικά πατώματά του στην τέχνη. Λειτουργεί όπως «Human Centipede» ή «A Serbian Film», για να χρησιμοποιήσει άσκοπο φυσικό τρόμο για να μην επιτύχει τίποτα και αυτό είναι μια πολύ συντριπτική απόδειξη του ασυνήθιστα υπέροχου οράματος του Jodorowsky, το οποίο μεταδόθηκε μέσω των «El Topo» και «The Holy Mountain». Δεν μου αρέσει, παραθέτω τον Rick Blaine «Αν το έχω σκεφτεί πιθανώς θα το έκανα».

7. Έξι άντρες αρρωσταίνουν, έξι φορές

Ντέιβιντ Λιντς Η πρώτη ταινία, φτιαγμένη με προϋπολογισμό 200 $ ήταν μια σύντομη κινούμενη ταινία μικρού μήκους που του κέρδισε ένα βραβείο μνήμης στο διαγωνισμό πειραματικής ζωγραφικής και γλυπτικής της σχολής ταινιών του. Η ταινία αποτελείται από μια ζωγραφική με κινούμενα σχέδια, που απεικονίζει έξι δυσμορφικές μορφές που αναδύονται διαδοχικά με τον ήχο ενός βρόχου σειρήνας στο παρασκήνιο. Οι κριτικοί το περιέγραψαν ως ένα χρήσιμο παράδειγμα για την αφηγηματική αίσθηση του Lynch, με πολλούς να δείχνουν τις ομοιότητες που μοιράζεται με το «Eraserhead».

Η πραγματική πλοκή (για λόγους ευκολίας) τρέχει για ένα λεπτό με την κατάσταση των μορφών που υποβάλλονται σε μετασχηματισμούς, τα εσωτερικά τους όργανα γίνονται ορατά και τα στομάχια τους γεμίζουν με μια έντονα χρωματισμένη ουσία, η οποία ταξιδεύει μέχρι το κεφάλι τους, προκαλώντας τους να κάνουν εμετό. και παίζεται 4 φορές για να ληφθεί υπόψη ο χρόνος εκτέλεσης των 4 λεπτών. Παρατηρήστε τις μη φυσιολογικές εμφανίσεις, την πρόθεση αηδίας (εμετό), τη χρήση φυσικού τρόμου (απεικόνιση εσωτερικών οργάνων), τον ραγδαίο σχεδιασμό ήχου που υπήρχε στις προηγούμενες ταινίες του και το αστείο μέρος είναι ότι ορισμένοι θεατές μπορεί να αισθάνονται άρρωστοι ή αποπροσανατολισμένοι μετά την παρακολούθηση αυτό και οι άνθρωποι που είναι απόλυτα εντάξει με αυτό, έτσι κι αλλιώς το αστείο σας αφορά και εσείς αντιπροσωπεύετε τους έξι άρρωστους ανθρώπους.

6. Η αγάπη υπάρχει

Αν και ο ίδιος ο πλοίαρχος του κινηματογράφου, ο Maurice Pialat έχει ξεφύγει από τη φήμη του, όπως και για τους προηγούμενους κινηματογραφικούς κανόνες. Ωστόσο, όσοι είναι εξοικειωμένοι με το έργο του θα εκτιμήσουν πόσο καθοριστική είναι η επιρροή του στις αμέτρητες σύγχρονες ταινίες. Είναι δύσκολο να ενταχθεί ο Pialat σε οποιαδήποτε συγκεκριμένη κατηγορία, καθώς οι ταινίες του είχαν τις ρίζες τους σε έναν ρεαλισμό τόσο ανυπόστατο και συναισθηματικά πυκνό που φαινόταν φορμαλιστικό. Ένα από τα πρώτα του έργα είναι το σύντομο ντοκιμαντέρ των 20 λεπτών, το L'Amour Existe, το οποίο είναι το σχόλιό του για την αστική επέκταση στη μεταπολεμική Γαλλία και την υποκείμενη ταξική σύγκρουση. Κατασκευάζει μια αφηγηματική αφήγηση για τη βλαβερή πραγματικότητα της παρισινής ανάπτυξης με τα προάστια να παρακμάζουν σε παραμέληση, με μια φωνή από τον Jean-Loup Reynold. Η Pialat υπογραμμίζει με πολύπλοκη υπομονή πώς η ζοφερή ζωή στα προάστια ήταν στην μεταπολεμική εποχή καθώς η διαφήμιση ανέλαβε την πραγματικότητα και οι άνθρωποι αγκάλιασαν μια υλιστική και θαμπή ζωή.

Ο L'amour Existe επισημαίνει επίσης πώς η παριζιάνικη μεσαία και ανώτερη τάξη απολαμβάνει καλύτερη εκπαίδευση όχι μόνο ακαδημαϊκά αλλά και πολιτιστικά, ενώ τα προαστιακά παιδιά δεν έχουν πρόσβαση σε θέατρα ή αίθουσες συναυλιών. Η Pialat περιγράφει τα νέα κτίρια κατοικιών που ξεσηκώθηκαν γρήγορα ως «στρατόπεδα συγκέντρωσης» με μικροσκοπικά, οριζόντια παράθυρα από όπου δεν υπάρχει τίποτα να κοιτάξει κανείς. Αυτή η ταινία μικρού μήκους κέρδισε βραβεία στο Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Βενετίας και στο Prix Lumieres. Ο Maurice Pialat συνέχισε να κάνει πολλές λαμπρές ταινίες, όπως οι A Nos Amours και Sous le Soleil de Satan, οι οποίοι κέρδισαν το Palme d'Or στις Κάννες.

5. Τσιγάρα και καφές

Αν και το Cigarettes & Coffee ήταν μόνο Τ.Τ. Άντερσον Είναι δεύτερη φορά πίσω από την κάμερα, δεν μοιάζει καθόλου με τη δουλειά ενός ερασιτέχνη. Η ταινία πραγματοποιείται σχεδόν εξ ολοκλήρου σε ένα δείπνο, και παρουσιάζουμε διαδικαστικά πέντε χαρακτήρες, τις ιστορίες τους και μια νότα 20 $ που τους συνδέει. Υπάρχει ένας αγχωμένος και νευρικός άντρας που αφηγείται την ιστορία του, ζητώντας βοήθεια από έναν πιο σύνθετο παλιό φίλο που έχει ιδιαίτερη σημασία να περιμένει μέχρι να χυθεί ο καφές και να ανάψουν τα τσιγάρα, αλλιώς η συνομιλία δεν θα έχει πραγματικό νόημα. Στο άλλο περίπτερο, υπάρχει ένα ζευγάρι στο μήνα του μέλιτος τους που έχουν χάσει όλα τα χρήματά τους αφού η σύζυγος τα χτυπήσει όλα στα τυχερά παιχνίδια. Λίγο αργότερα, ένας σκιερός άντρας που φαινόταν άσχετος με τους άλλους μπαίνει στο δείπνο. Ωστόσο, καθώς ένας λογαριασμός 20 $ ξεκινά από τον ένα χαρακτήρα στον άλλο, γνωρίζουμε ότι μπορεί να είναι συνδεδεμένοι μεταξύ τους.

Αυτό το σύντομο χρονικό διάστημα 23 λεπτών έχει αρκετή ιστορία για μια ταινία πριν και άλλη μετά από αυτήν. Ο διάλογος, η διαμόρφωση και η κάμερα στην ταινία δείχνουν ότι γίνεται από κάποιον που ξέρει ακριβώς τι θέλει. Το πιο ξεχωριστό χαρακτηριστικό αυτής της ταινίας είναι η χρήση του στιγμιότυπου παρακολούθησης για διαλείμματα σκηνής. Η δράση σε αυτήν την ταινία είναι επίσης ιδιαίτερα καλή. Ο Άντερσον αργότερα προσάρμοσε και επέκτεινε αυτό το κοντό σε μια μεγάλου μήκους ταινία μεγάλου μήκους, «Hard Eight» - το επόμενο έργο του.

4. Έξι σκοπευτές

Ο Martin McDonagh, ο οποίος σκηνοθέτησε τους In Bruges and Seven Psychopaths, ξεκίνησε για πρώτη φορά φτιάχνοντας μια ταινία μαύρης κωμωδίας 27 λεπτών στην Ιρλανδία, με την ονομασία Six Shooter - η οποία κέρδισε ένα Όσκαρ και είναι μια από τις πιο γνωστές ταινίες μικρού μήκους χρόνος. Είναι σχεδόν εκπληκτικό το πώς μια ταινία τόσο βαριά φορτωμένη με θάνατο και προσωπικές απώλειες καταφέρνει να είναι τόσο αστεία και εκφραστική ταυτόχρονα. Το σύντομο είναι εξαιρετικά καλοφτιαγμένο και έξυπνο, έτσι ώστε το χιούμορ να είναι διαφορετικό από τις αμερικανικές και τις βρετανικές μάρκες μαύρης κωμωδίας. Ακολουθεί έναν ηλικιωμένο άντρα, τον Ντόνελι, ο οποίος μόλις έχασε τη σύζυγό του και με το τρένο πίσω από το νοσοκομείο, βρίσκει τον εαυτό του να κάθεται με ένα κακόβουλο έφηβο του οποίου η μητέρα μόλις πέθανε. Κάθονται δίπλα τους είναι ένα ζοφερό ζευγάρι που μόλις έχασαν το νεογέννητο παιδί τους.

Ωστόσο, αυτό το φαινομενικά απαίσιο σκηνικό σύντομα παίρνει μια πιο σκοτεινή στροφή και τα πράγματα γίνονται πιο ακατάστατα και πιο αστεία ταυτόχρονα, με αποκαλύψεις δολοφονιών, αυτοκτονιών, μάχες με την αστυνομία, εκρήξεις αγελάδων και θανάτους κατοικίδιων ζώων. Όποιος είναι εξοικειωμένος με τις άλλες ταινίες της McDonagh δεν θα χρειαστεί περαιτέρω λόγους για να παρακολουθήσει αυτό το αριστούργημα. Ωστόσο, αυτή η ταινία αποτελεί επίσης απαραίτητη προβολή για όποιον απολαμβάνει μια έξυπνη μαύρη κωμωδία, που σημαίνει απλά όλους.

3. Μια Κοκέτα Γυναίκα

Ίσως ο πιο παραγωγικός από όλους τους σκηνοθέτες του New Wave, ο Jean-Luc Godard κάνει ταινίες από τη δεκαετία του 1950 με την ίδια εφευρετικότητα όπως πάντα. Μέχρι στιγμής, έχει σκηνοθετήσει πάνω από εκατό ταινίες, συμπεριλαμβανομένων των Contempt, Breathless και Band of Outsiders. Αλλά ο Godard ξεκίνησε το σκηνοθετικό του ταξίδι με μια λιγότερο γνωστή ταινία μικρού μήκους, Une Femme Coquette, το 1955. Βάσει μιας ιστορίας του Maupassant, το ασπρόμαυρο 9-λεπτό σύντομο ακολουθεί μια παντρεμένη γυναίκα καθώς ξαφνικά μπαίνει στον πειρασμό να φλερτάρει ένας ξένος αφού είδε μια πόρνη προσελκύει χαριτωμένους άντρες από ένα παράθυρο πάνω από το δρόμο. Είναι εξαιρετικά εντυπωσιασμένη από τον χαριτωμένο τρόπο με τον οποίο η γυναίκα προσελκύει ξένους - με ένα απλό αλλά φιλόξενο χαμόγελο που θα μπορούσε εύκολα να σήμαινε «Τι όμορφη μέρα!».

Έχοντας δει αυτό, αποφασίζει παρορμητικά να χαμογελάσει ερωτικά στον επόμενο άντρα που βλέπει. Το Une Femme Coquette θυμίζει άλλα πρώτα έργα του Godard - με ένα αισιόδοξο soundtrack, καθοδηγούμενο από αρθρωτό διάλογο, ευρυγώνιες λήψεις και κάπως γρήγορη επεξεργασία. Η ταινία θεωρήθηκε ότι χάθηκε για μεγάλο χρονικό διάστημα μέχρι πρόσφατα όταν εμφανίστηκε στο YouTube. Το κοντό περιλαμβάνει επίσης ένα καμέο από έναν 24χρονο Godard, το οποίο θα έπρεπε να είναι αρκετά λογικό για να το ελέγξει το cinephiles. (Δες το εδώ )

2. Τραμ

Krzysztof Kieslowski έκανε τον Tramwaj, μία από τις καλύτερες ταινίες μικρού μήκους, ενώ ήταν ακόμα μαθητής στη σχολή κινηματογράφου. Σε αυτήν την ταινία διάρκειας 5 λεπτών, παρακολουθούμε έναν νεαρό άνδρα μια χειμερινή νύχτα καθώς επιβιβάζεται σε ένα τραμ στο οποίο παρατηρεί μια όμορφη νεαρή κοπέλα που κάθεται μόνη της. Τα μάτια τους συναντιούνται, το κορίτσι φαίνεται αρχικά ανήσυχο αλλά σιγά σιγά ζεσταίνει την παρουσία του καθώς κλείνει την πόρτα του τραμ βλέποντας πώς τον έκανε ο κρύος αέρας και στη συνέχεια αρχίζει να μασάει έναν κύβο ζάχαρης παιδικά. Αλλά προτού να συμβεί κάτι, το τραμ φτάνει στη στάση του ανθρώπου και το αποβάλλει. Λυπάται αμέσως που έχασε μια τέτοια κατάλληλη στιγμή και συγκλονίζεται από την επιθυμία να πλησιάσει το κορίτσι, οπότε τρέχει πίσω από το τραμ ελπίζοντας να την πιάσει. Στην αρχή είδαμε τον άντρα να στέκεται μόνος του σε ένα κλαμπ όπου όλοι χορεύουν και δεν φαίνεται να περνά καλά. Πιθανότατα δεν είναι πολύ τυχερός με τις κυρίες και γι 'αυτό πρέπει να αισθάνθηκε μια βαριά αίσθηση θρήνου και ως εκ τούτου το παρορμητικό του τρέξιμο.

Σχεδόν κάθε χρήστης έχει τουλάχιστον μια φορά αισθανθεί μια παρόμοια ζεστασιά όταν βλέπει έναν τυχαίο ξένο, κάποιον διαφορετικό από τους υπόλοιπους, κάποιον τόσο ελκυστικό που θέλουμε να τους γνωρίσουμε. Η ίδια δυσκολία εκφράστηκε επίσης από τον κ. Bernstein στο Citizen Kane όταν λέει πώς θυμάται ακόμα ένα κορίτσι που είδε για ένα δευτερόλεπτο όταν ήταν νέος, φορώντας ένα λευκό φόρεμα με πλοίο. Εκτός από την πλοκή, αυτό που κάνει το μικρό ενδιαφέρον είναι η αριστοτεχνική ικανότητα του Kieslowski πίσω από την κάμερα και το μεγάλο ταλέντο του για αφήγηση. Το Kieslowski έχει έκτοτε γίνει ένα από τα μεγαλύτερα ονόματα στον κινηματογράφο arthouse και έχει κάνει σπουδαία έργα, όπως η τριλογία The Dekalog και η Trois Couleurs.

1. Ένας Ανδαλουσιακός σκύλος

Ο σκύλος της Ανδαλουσίας είναι μια φυλή με την προέλευσή του στην Ισπανία, τη γενέτειρα του Luis Bunuel και του Salvador Dali, των δύο δημιουργών αυτής της μνημειακής ταινίας μικρού μήκους. Στην Ιβηρική Χερσόνησο υπάρχουν πίνακες ζωγραφικής σπηλαίου που αντιπροσωπεύουν σκύλους με έντονη ομοιότητα με αυτή τη φυλή και ειλικρινά, το στοιχείο της θολής πραγματικότητας από τους πίνακες σπηλιών είναι το μόνο πράγμα που δανείζεται η ταινία από την ύπαρξη του ανδαλουσιακού σκύλου. Αν και το σουρεαλιστικό κίνημα είχε ήδη ξεκινήσει από τη δεκαετία του '20, δεν κατάφερε να προσελκύσει την παγκόσμια προσοχή και ο Bunuel-Dali το πέτυχε συγκλονίζοντας το κοινό με εικόνες που δεν συμβόλιζαν παρά την καταστολή της δημιουργικότητας.

Ακριβώς από την αρχική κινηματογράφηση σε πρώτο πλάνο που περιλαμβάνει τον ίδιο τον Bunuel, κόβοντας το μάτι μιας γυναίκας με το χυμένο υαλώδες ύφασμα που αναδεύει το μυαλό σας στην τελευταία εικόνα ενός νεκρού ζευγαριού που θαμμένο στην άμμο της παραλίας, η ταινία δεν μειώνει ποτέ την έντασή της μια φορά και θα μπορούσαν να διαφωνήσουν για το παράλογο μοτίβο των σκηνών που βοηθούν αυτή την αιτία, είναι σημαντικό να παρατηρήσουμε πώς είναι διατεταγμένες με τρόπο που τους δίνει μια ευνοϊκή συνέχεια. Οι τεχνικές και οι εικόνες του τρόμου σώματος στις περισσότερες σκηνές έχουν μελετηθεί και εφαρμοστεί σε αμέτρητες άλλες ταινίες που βασίζονται σε όνειρα ή θέματα τρόμου. Τα πιο αξιοσημείωτα παραδείγματα είναι «Oldboy», «Spellbound», «Quills» και «The Blood of a Poet». Αν και ένας μυριάδος αριθμός κριτικών έχουν υιοθετήσει διάφορες θεωρίες για να εξηγήσουν τα γεγονότα της ταινίας, περιορίζονται στη λέξη «θεωρία» με τον Bunuel να γελάει με οποιαδήποτε εύλογη εξήγηση προς αυτήν.