100 καλύτερες ταινίες όλων των εποχών

Ο Alejandro Jodorowsky Prullansky, ο διάσημος σκηνοθέτης, ποιητής, θεατρικός συγγραφέας και μουσικός της Χιλής-Γαλλίας, είπε κάποτε: «Πάντα πίστευα ότι, από όλες τις τέχνες, ο κινηματογράφος είναι η πιο ολοκληρωμένη τέχνη». Συμφωνώ. Με περισσότερους από έναν τρόπους, ο κινηματογράφος είναι στην πραγματικότητα μια συγχώνευση όλων των άλλων σημαντικών μορφών τέχνης: ζωγραφική, γραφή και μουσική. Δεν είναι τυχαίο ότι ο κινηματογράφος είναι επίσης οι πιο σύγχρονες μορφές τέχνης. Εξάλλου, η εξέλιξη άλλων μορφών τέχνης ήταν απαραίτητη για να υπάρξει κινηματογράφος. Το γεγονός ότι παραμένει η πιο δημοφιλής μορφή τέχνης σχεδόν από τη στιγμή που δημιουργήθηκε, σας λέει τόσο τη δύναμή της όσο και την αδυναμία της: είναι εύκολα προσβάσιμη και, ως εκ τούτου, πιο εμπορεύσιμη.

Έχοντας αυτό κατά νου, είμαι ενθουσιασμένος που σας παρουσιάζω τη λίστα των The Cinemaholic's 100 καλύτερες ταινίες όλων των εποχών . Προτού ξεκινήσετε να εξερευνάτε τη λίστα των κορυφαίων 100 ταινιών που κάναμε ποτέ, ας θυμηθούμε ξανά, ότι οι λίστες από τη φύση τους δεν είναι ποτέ τέλειες. Επομένως, δεν ισχυριζόμαστε ότι αυτό είναι το Άγιο Δισκοπότηρο της λίστας των απόλυτων καλύτερων ταινιών στον κόσμο. Αλλά αυτό που μπορώ να σας διαβεβαιώσω είναι ότι πολλή έρευνα έχει μείνει πίσω στη σύνταξη αυτής της λίστας. Εξετάστηκαν χιλιάδες τίτλοι ταινιών και συζητήθηκε κάθε τελική επιλογή. Είμαι βέβαιος ότι θα βρείτε πολλές από τις αγαπημένες σας ταινίες που λείπουν από τη λίστα. Πολλά από τα αγαπημένα μου λείπουν επίσης! Αλλά αντί να απογοητευτείτε, εκμεταλλευτείτε αυτήν την ευκαιρία για να δείτε τις ταινίες που δεν έχετε δει. Ποιος ξέρει, μπορεί να καταλήξετε να ανακαλύψετε τα νέα αγαπημένα σας!

100. Οι ομπρέλες του Τσερβούργου (1964)

Ο Jacques Demy χρωματίζει τη ρομαντική όπερα του με μια μαλακή, απίστευτη πολυπλοκότητα που έρχεται ως λίγο hipster. Αλλά αυτό το χρώμα δεν είναι μόνο το χρώμα στους τοίχους, τα ρούχα και τις ομπρέλες. Είναι επίσης στα μάγουλα ενός νεαρού κοριτσιού απίστευτα ερωτευμένου καθώς διασχίζει το δρόμο για να χαιρετήσει τον εραστή της και την απουσία του όταν βλέπουμε αυτό το πρόσωπο σε ένα πέπλο, η νεαρή κοπέλα τώρα νύφη κάποιου άλλου. Υπάρχει επίσης χρώμα, με τον τρόπο που οι άνθρωποι μιλούν, ή για να είμαστε πιο ακριβείς, τραγουδούν ο ένας στον άλλο. Αλλά οι λυρικές συνομιλίες τους δεν μοιάζουν με τα περισσότερα τραγούδια. Όταν τα πάντα, από τα επαγγέλματα της αγάπης έως τις ανησυχίες σχετικά με τα χρήματα, συνδέονται με αδιάκριτο πάθος, δεν θα ήταν καλό να πάτε για ψάρεμα για ποιήματα ή λόγους. Ενώ η ταινία και όλες οι μελωδικές αποκαλύψεις της, που ενισχύονται από την ακατάπαυστη μουσική του Michel Legrand, είναι εγκάρδια ρομαντικά, όλες οι αποφάσεις που παίρνουν οι χαρακτήρες μας είναι, όπως όλα στη ζωή, σίγουρα όχι.

Για μια πλοκή τόσο κουραστικά γνωστή, αφού την έχει δει τη βάση αμέτρητων ποπ τραγουδιών και σαπουνόπερων, κάθε πλαίσιο του «The Umbrellas of Cherbourg», γεμάτο μελαγχολία, είναι σαγηνευτικά φρέσκο, ακόμη και άγνωστο. Μπορείτε να το αποδώσετε στο πόσο γνήσια είναι τα συναισθήματα και πόσο ειλικρινής είναι η έκφρασή τους. Λειτουργώντας σε τόσο ταπεινή κλίμακα όσο κάνει, η «Ομπρέλα» σας καταστρέφει με τις μικρότερες αντανακλάσεις. Ήμουν εντυπωσιασμένος με το πόσο σημαντικός θα μπορούσε να είναι ο αντίκτυπος δύο άδειων καρεκλών, που γεμίζουν από τους δύο εραστές. Στην υπέροχη λιχουδιά της Demy, βαδίζουμε σε καρναβάλι γεμάτα κορδέλες και κομφετί, διακοσμούμε χριστουγεννιάτικα δέντρα και δίνουμε ο ένας στον άλλο δώρα, κτυπώντας όλα τα συναισθήματά μας κάπου στις γωνιές της καρδιάς μας, γιατί ανεξάρτητα από το πόσο δύσκολη είναι να αντέξει κάποιος ή η απουσία κάποιου το παρελθόν είναι να ξεχνάμε, το μόνο που μπορούμε να κάνουμε είναι να ζήσουμε στη φαντασία του σήμερα.

99. Trainspotting (1996)

Είναι λίγο δύσκολο να εξηγήσουμε τους κινηματογράφους σαν εμάς για τον φανατισμό του «Trainspotting». Ήρθε περίπου μια εποχή, όταν η πραγματικότητα των ναρκωτικών μόλις άρχισε να βυθίζεται. Κάποιος θα έλεγε, ότι γοητεύει την κατάχρηση ναρκωτικών και σε κάποιο βαθμό, είναι αλήθεια. Το γεγονός που βγήκε από αυτό, ήταν η προσπάθεια του Ντάνι Μπόιλ να δείξει το υψηλό και το χαμηλότερο επίπεδο της κατάχρησης ναρκωτικών, χωρίς να πάρει πλευρά. Το «Trainspotting» είναι μια ταινία λατρείας που αφηγείται μια ιστορία τεσσάρων φίλων και του δοκιμαστικού τους με εθισμό. Η εξωφρενική και παράξενη είναι οι μόνες δύο λέξεις που το περιγράφουν. Ένας τοξικομανής που θέλει να πάει καθαρός, μόνο για να χαλάσει σε κάθε βήμα λόγω της βαθύτερης επιθυμίας του να πάρει ψηλά. Με γενναιόδωρη υπερδοσολογία με χιούμορ, η ταινία προσπαθεί να υπογραμμίσει ένα γεγονός με απόλυτη σοβαρότητα: Παρά τις πολυτέλειες που προσφέρει η ζωή, η νεολαία τους αρνείται με μεγάλη έκπληξη. Και οι λόγοι; Δεν υπάρχουν λόγοι. 'Ποιος χρειάζεται λόγους όταν έχετε ηρωίνη;'

98. Ο Πτυχιούχος (1967)

Αχ, οι μέρες της νεολαίας! Ανέμελη και χαρούμενη. Διασκέδαση γεμάτη με τίποτα να ανησυχείτε. Καμία φροντίδα για το παρελθόν, που έχει μείνει πίσω και καμία ανησυχία για το μέλλον, που δεν έχει ακόμη έρθει. Ο Μπέντζαμιν Μπράντκοκ έζησε αυτή την ανέμελη ζωή, αφού αποφοίτησε από το κολέγιο. Και όταν επέστρεψε τελικά στην πατρίδα του, εκεί συνάντησε την κυρία Ρόμπινσον. Η φλόγα μιας υπόθεσης αρχίζει να καίγεται. Η ζωή παίρνει μια παραπλανητική στροφή όταν ο νεαρός Ben κάνει λάθος σεξ για συντροφικότητα. Γίνεται στριμωγμένος, όταν πέφτει για την κόρη της. Μια ταινία που προκαλεί τη σκέψη, στην αγκαλιά μιας κωμωδίας, το 'The Graduate' είναι μια από τις πιο αστείες ταινίες που υπήρξαν ποτέ. Με πρωταγωνιστή τον Dustin Hoffman, έχει την εμβληματική γραμμή - «Κυρία Robinson, προσπαθείτε να με αποπλανήσετε;»

97. Η Διπλή Ζωή της Βερόνικ (1991)

Ίσως κανένας άλλος σκηνοθέτης δεν κατάλαβε τις γυναίκες σε τόσο βαθιά συναισθηματικά βάθη όπως ο Krzysztof Kieslowski. Ο άντρας τους άρεσε πολύ και το έδειξε με τόσο πάθος και οικειότητα που δεν μπορείτε παρά να νιώσετε ερωτευμένος από την ωμή συναισθηματική του δύναμη. Το «The Double Life of Veronique» μπορεί να είναι απλώς το μεγαλύτερο καλλιτεχνικό του επίτευγμα. Η ταινία αφορά μια γυναίκα που αρχίζει να αισθάνεται ότι δεν είναι μόνη και ότι υπάρχει ένα μέρος της που ζει κάπου στον κόσμο με διαφορετική ψυχή. Η Veronique και η Weronika είναι οι δύο πανομοιότυπες γυναίκες που δεν γνωρίζουν η μία την άλλη και όμως μοιράζονται μια μυστηριωδώς οικεία συναισθηματική σχέση μεταξύ τους. Η εξαιρετικά στυλιζαρισμένη κινηματογραφία του Slawomir Idziak ζωγραφίζει την ταινία με μια τρυφερά μελαγχολική αίσθηση που σας τυλίγει και αποτυγχάνει να το αφήσει. Υπάρχουν συναισθήματα και συναισθήματα που δυσκολεύουμε να βάλουμε στα λόγια και η ταινία δίνει ζωή σε αυτά τα ανεξήγητα συναισθήματα της σκεπτικής λύπης και της μοναξιάς. Το «The Double Life of Veronique» είναι ένα εκπληκτικό έργο τέχνης που απεικονίζει την ανθρώπινη ψυχή σε όλες τις όμορφες αδυναμίες και τρυφερότητα της.

96. Κινηματογράφος Paradiso (1988)

Πολλοί άνθρωποι θεωρούν τον κινηματογράφο μια επιείκεια, μια δραστηριότητα αναψυχής, μια διασκέδαση που δεν έχει καμία συνέπεια στη ζωή. Αλλά εγώ, με έναν στρατό ένθερμων κινηματογράφων για να με υποστηρίξει θερμά, μπορώ να δηλώσω με απόλυτη πεποίθηση ότι ο κινηματογράφος είναι τόσο απαραίτητος στη ζωή όσο και η ζωή στον κινηματογράφο. Και το «Cinema Paradiso» είναι ένας όμορφος, αν ειρωνικός, τρόπος να επισημάνω. Ο επιτυχημένος σκηνοθέτης ταινίας Salvatore επιστρέφει στο σπίτι μια μέρα στις ειδήσεις ότι ο Alfredo πέθανε, με τον οποίο επιστρέφει στη γενέτειρά του στη Σικελία της δεκαετίας του 1950. Ο νεαρός και άτακτος Salvatore (με το παρατσούκλι Toto) ανακαλύπτει μια διαρκή αγάπη για ταινίες που τον δελεάζει στον κινηματογράφο του χωριού Cinema Paradiso, όπου ο Alfredo είναι προβολέας. Αφού έπαιξε μια φαντασία στο αγόρι, ο παλιός bub γίνεται πατρική φιγούρα του καθώς διδάσκει επιμελώς στον Toto τις δεξιότητες που θα αποτελούσαν το σκαλοπάτι για την επιτυχία του στη δημιουργία ταινιών.

Το να βλέπεις τον Τότο και τον Άλφρεντο να συζητούν τον κινηματογράφο με σεβασμό και να βλέπεις τον Άλφρεντο να δίνει συμβουλές για τη ζωή μέσω κλασικών αποσπάσεων ταινιών, είναι απόλυτη χαρά. Μέσα από την ιστορία του Toto που έρχεται στην ηλικία, το «Cinema Paradiso» ρίχνει φως στις αλλαγές στον ιταλικό κινηματογράφο και στο θάνατο του παραδοσιακού κινηματογράφου, της επεξεργασίας και της προβολής, ενώ εξερευνά το όνειρο ενός νεαρού αγοριού να αφήσει τη μικρή του πόλη για να διεισδύσει στον έξω κόσμο. Μια από τις καλύτερες «ταινίες για ταινίες» υπήρξε ποτέ.

95. Ένα Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

Μία από αυτές τις σπάνιες κινηματογραφικές εμπειρίες που σε κάνουν να νιώσεις μια πληθώρα συναισθημάτων ταυτόχρονα. Είναι αστείο σε μέρη, αναζωογονητικό σε μερικά και ευθεία καρδιά που γκρεμίζει σε άλλους. Είναι επίσης ένα από τα άλλα σπάνια κατορθώματα στην απλοϊκή, αποτελεσματική αφήγηση, που λέει τον Randle McMurphy, έναν εγκληματία που ελπίζει να αποφύγει τον χρόνο φυλάκισης, παραποιεί ότι είναι ψυχικά άρρωστος και ισχυρίζεται ότι δεν είναι ένοχος λόγω παραφροσύνης. Αφού έφτασε σε ένα ψυχικό ίδρυμα, επαναστάτησε εναντίον της αυταρχικής Νοσοκόμας Ράχεντ (που παίζεται από μια ατμόσφαιρα Louise Fletcher) σε ένα κλασικό σενάριο εναντίον του σεναρίου. Η ταινία αποδεικνύει ότι στην πραγματικότητα δεν υπάρχει κανένας καλύτερος να παίζει χαρακτήρες με χτύπημα και γοητεία στο ίδιο μέτρο από τον ίδιο τον Τζακ Νίκολσον, κερδίζοντας μια άξια νίκη του Όσκαρ για την ερμηνεία του στην ταινία. Αυτό που ξεκινά ως μια διαρκής και συγκινητική ταινία, κλιμακώνεται σε ένα τραγικό αν και ελπιδοφόρο τέλος, μετά από ενοχλητικές σκηνές που περιλαμβάνουν αυτοκτονία και ηλεκτροσπασμοθεραπεία σε ασθενείς. Η ταινία, ωστόσο, ποτέ δεν αφήνει την προσοχή του θεατή και τους πάθους για τους χαρακτήρες που εμφανίζονται στην οθόνη, προκαλώντας γνήσιο συναίσθημα και ενθουσιασμό για το ανθρώπινο πνεύμα που εκπέμπεται ακόμη και έναντι της ανεπιφύλακτης εξουσίας.

94. Πιάσα (1957)

Πυκνό με ιδέες κοινωνικής αλλαγής και σχολιασμό σχολιασμού για την κατεστημένη κακία και στίγματα της κοινωνίας, το «Pyaasa» όχι μόνο επιτέθηκε στη χρυσή εποχή του ινδικού κινηματογράφου, αλλά ήταν επίσης μια αντανάκλαση της ίδιας της ινδικής αστικής τάξης. Είναι μια ταινία που έχει μια λεπτή ποιότητα για τον εαυτό της, όπου όλες οι αθόρυβες αλήθειες και οι σκληρές πραγματικότητες της κοινωνίας σιγοβράζουν κάτω από την επιφάνεια που περιμένουν να εξερευνηθούν και να παρεκταθούν από το προσεγμένο κοινό. Το «Pyaasa» είναι ένα διαχρονικό κλασικό όχι χωρίς λόγους. Ακόμα και μετά από 60 χρόνια από την απελευθέρωσή του, παραμένει σχετικό στη σύγχρονη εποχή, επειδή η Ινδία εξακολουθεί να μαστίζεται από τις ίδιες κοινωνικές κατάρες - διαφθορά, μισογυνία, υλισμός - που αντιμετωπίζει η «Pyaasa» άμεσα ή έμμεσα.

93. Σύγχρονοι καιροί (1936)

Το «Modern Times» είναι μια χιουμοριστική ταινία με ισχυρό μήνυμα. Φέρνοντας τα θέματα εμπορικής επωνυμίας της ελπίδας και της φτώχειας του Chaplin, αυτή η εικόνα επικεντρώνεται στις δυσμενείς επιπτώσεις που έχουν οι μηχανές και άλλες μορφές τεχνολογικών εξελίξεων στο κοινό, τραβώντας στο προσκήνιο έναν εργάτη του οποίου η ζωή περνάει πολλές στροφές καθώς προσπαθεί να αντιμετωπίστε τον νέο κόσμο. Αν και το χαστούκι είναι δακρυγόνα αστείο, όλα περιέχονται μέσα σε ένα δοχείο θλίψης. Οι «Modern Times» χρησιμοποιούν έξυπνα, διακριτικά στοιχεία για να υποβάλλουν σημαντικές φιλοσοφικές ερωτήσεις κάθε τόσο. Το αποκορύφωμα είναι ένα από τα πιο συγκινητικά ποτέ, που περιλαμβάνει μια θλιβερή μορφή ευτυχίας και καμία πραγματική απάντηση ή επίλυση. Αυτή η ταινία μπορεί κάλλιστα να είναι το καλύτερο γραπτό έργο του Τσάπλιν και είναι εκπληκτικό το πόσο σημαντικές είναι οι ιδέες που παρουσιάζονται εδώ ακόμα και σήμερα. Έχοντας αναμφίβολα αντέξει στη δοκιμασία του χρόνου, η πορεία που ακολουθούν οι Modern Times για να μοιραστεί τις σκέψεις της είναι πιθανώς η καλύτερη πτυχή αυτού του κινηματογραφικού θριάμβου.

92. Η λεπτή κόκκινη γραμμή (1998)

Τέρρενς Μάλικ Η επιστροφή στη σκηνοθεσία από 20 χρόνια παύσης σηματοδοτήθηκε από αυτό το υπέροχα εκπληκτικό πολεμικό δράμα που εξερευνά, όχι τον πόλεμο, αλλά το συναίσθημα της μάχης του πολέμου. Η ταινία είναι πραγματικά Malick-ian στη φύση με μεγαλύτερη έμφαση στα οπτικά από την ιστορία, επιτρέποντάς σας να απολαύσετε την εμπειρία της. Η ιδιοφυΐα της ταινίας έγκειται στο όραμα του Malick να βλέπει την ομορφιά σε κάτι τόσο σκοτεινό και δολοφόνο όσο ο πόλεμος. Χρειάζεται μια απόλυτη ιδιοφυΐα για να μετατρέψουμε κάτι τόσο βάναυσο και αιματηρό όπως ο πόλεμος σε μια τέτοια υπνωτική εμπειρία που υπερβαίνει τις πραγματικότητες του πολέμου και αντ 'αυτού σας επιτρέπει να απολαύσετε τα συναισθήματα των χαρακτήρων του. Είναι μια τόσο συναρπαστική εμπειρία που σας ζητά να νιώσετε τα ανθρώπινα όντα πίσω από όπλα και βόμβες. Πρόκειται για καταστροφικές ψυχές όπως εμάς, λαχτάρα για μια λεπτή πινελιά, που χάνουν τη ζεστασιά της αναπνοής των εραστών και των συζύγων τους, ενώ πρέπει να αντιμετωπίσουν τις άσχημες πραγματικότητες που απέχουν πολύ από αυτούς. Η «λεπτή κόκκινη γραμμή» είναι απλά μια εμπειρία όπως καμία άλλη. ένα που πρέπει να το δούμε, να το νιώσουμε και να το σκεφτούμε.

91. Blade Runner (1982)

Το 'Blade Runner' του Final Cut of Ridley Scott, πιστεύω ότι είναι η μεγαλύτερη ταινία δυστοπίας που έγινε ποτέ. Αν και η Metropolis είναι μια αμφισβητήσιμη επιλογή, πρέπει κανείς να παρατηρήσει τα μη αυθεντικά γραφικά που σχετίζονται με τον Γερμανικό Εξπρεσιονιστικό Κινηματογράφο. Το «Blade Runner», από την άλλη πλευρά, είναι κάτι παραπάνω από τέλειο στη δημιουργία ενός κόσμου που πάσχει από οικονομική ανισότητα, έκρηξη πληθυσμού, ανεπάρκεια σε κάτι φυσικό, γιατί ακόμη και η σάρκα δεν μπορεί να εμπιστευτεί εδώ. Ο σπινθηριστικός φωτισμός είναι φυσικός με βάση τα συμφραζόμενα, επειδή είναι ένας ηλεκτρονικός κόσμος και ο Jordan Cronenweth τον χρησιμοποιεί παρόμοια με τα καθημερινά φωτιστικά αντικείμενα στην ταινία noir. Αν και δεν μπορεί να θέσει ερωτήσεις τόσο εκτεταμένες όσο το 'A Space Odyssey', αλλά μας κάνει να αναρωτιόμαστε αν 'τα Androids ονειρεύονται ηλεκτρικά πρόβατα'.

90. Fargo (1996)

Βίαιο, αστείο, ζεστό και βίαια έντονο, το «Fargo» είναι μια από τις καλύτερες αμερικανικές ταινίες της δεκαετίας του '90 και ένα από τα μεγαλύτερα δράματα εγκληματικότητας που έχουν γίνει ποτέ. Η ταινία αφορά έναν άντρα που προσλαμβάνει δύο άντρες για να απαγάγει τη γυναίκα του και να εκβιάσει χρήματα από τον πλούσιο πεθερό του. Η λαμπρή χρήση του σκούρου χιούμορ της Coen Brothers διαπερνά την ταινία με έναν αέρα ζεστασιάς που δίνει έναν πολύ ξεχωριστό τόνο στην ταινία. Αυτός ο αριστοκρατικός συνδυασμός κωμωδίας, δράματος και βίας κάνει το 'Fargo' μια τόσο αξέχαστη κινηματογραφική εμπειρία. Αυτό το πανέμορφο εναρκτήριο πλάνο μιας χιονισμένης Μινεσότα, που συμπληρώνεται όμορφα από ένα στοιχειωμένο σκορ θέτει τον τόνο για την ταινία και δημιουργεί μια αίσθηση βαθιάς θλίψης που βρίσκεται κάτω από τη βία και το χιούμορ της ταινίας. Ο Frances McDormand είναι σαφώς το αστέρι της ταινίας και κλέβει την παράσταση, απεικονίζοντας έναν έγκυο αρχηγό της αστυνομίας που παγιδεύεται σε έναν κόσμο κακών και βιαιοτήτων, αλλά καταφέρνει να βρει φως και ελπίδα. Το «Fargo» είναι ένα συναισθηματικά ωμό, βάναυσο έντονο, ατρόμητα αστείο και οδυνηρά ρεαλιστικό κομμάτι καθαρού σινεμά.

89. Eraserhead (1977)

Το «Eraserhead» είναι ένα κομμάτι εγχειριδίου με ατμοσφαιρικό τρόμο. Λέγοντας την ιστορία ενός άνδρα με παράξενα μαλλιά που προσπαθεί να μεγαλώσει μια οικογένεια από μόνη του, αυτή η ταινία μετατρέπεται περισσότερο σε έναν σουρεαλιστικό εφιάλτη κάθε λεπτό που περνά. Χρησιμοποιώντας ήχο και κοντινές λήψεις για να προσφέρουμε μια αίσθηση κλειστοφοβικού φόβου και να το ευθυγραμμίσουμε με μια πλοκή που δεν έχει νόημα σε ένα πρώτο ρολόι, το ντεμπούτο του David Lynch αποδεικνύεται ότι είναι ένα από τα καλύτερα του κύριου σκηνοθέτη, το οποίο από μόνη της επαινεί. Αυτό που κάνει το «Eraserhead» είναι να δημιουργήσει έναν δυστοπικό κόσμο - διάσπαρτο με άσχημα κτίρια και μηχανικές κατασκευές που βυθίζονται σε φαύλο ασπρόμαυρο - και ρίχνει σε αυτόν χαρακτήρες που είναι λίγο πολύ μπερδεμένοι από το περιβάλλον τους. Ενώ καταλαβαίνω το «νόημα» αυτής της εικόνας είναι σχεδόν αδύνατο, πρέπει να συνειδητοποιήσουμε ότι ποτέ δεν είναι αυτή η πρόθεση. Το «Eraserhead» τοποθετεί στο μυαλό του κοινού του ένα αίσθημα απόλυτης δυσφορίας, χρησιμοποιώντας τα οπτικά και το σουρεαλιστικό στυλ του, και βρίσκει έναν τρόπο να χειραγωγεί τις σκέψεις του. Μόνο λίγες φωτογραφίες είναι τόσο όμορφα δομημένες αλλά αναμφισβήτητα απειλητικές όπως αυτή, και αυτό είναι κάτι που μόνο κάποιος όπως ο Lynch θα μπορούσε να τραβήξει.

88. Αγόρι (2014)

Το «Boyhood» είναι μια αγαπητή υπενθύμιση των περασμένων χρόνων της ανεμπόδιστης χαράς, της ακλόνητης αισιοδοξίας και της αφθονίας. Βασίζεται στο να αντλήσει ομορφιά, χαρά και συναίσθημα από τις συνηθισμένες ζωές των ανθρώπων και όχι από οποιαδήποτε αυξημένη δράση του δράματος (ψωμί και βούτυρο για τις περισσότερες ταινίες). Είναι συναρπαστικό να βλέπουμε πώς από σκηνή σε σκηνή, όχι μόνο υπάρχουν αλλαγές στη φυσικότητα των χαρακτήρων, αλλά και θα παρατηρήσετε τη μεταμόρφωση στη μόδα, το χτένισμα, τη γεύση στη μουσική και γενικά τις προοπτικές για τη ζωή. Το «Boyhood», με τρόπο που κάνουν πολύ λίγες οι ταινίες, ξεπερνά τα όρια του κινηματογράφου και γίνεται ένα μικρό μέρος της δικής μας ύπαρξης και εμπειρίας. Ο Linklater μας υπενθυμίζει και πάλι γιατί είναι ο καλύτερος στην επιχείρηση όταν μιλάμε για απλές ιστορίες για απλούς ανθρώπους.

87. Ημέρες του Ουρανού (1978)

Η εξέλιξη του Terrence Malick σε ένα πλήρως ελεγχόμενο, αυθεντικό κινηματογραφικό όραμα είναι ένα από τα μεγαλύτερα πράγματα που συνέβησαν ποτέ στον αμερικανικό κινηματογράφο. Είναι ξεκάθαρο από τα πρώτα του έργα ότι ήταν απελπισμένος να ξεφύγει από τα συμβατικά όρια του κινηματογράφου. Ταινίες όπως «Badlands» και «Days of Heaven» είχαν φαινομενικά απλές αφηγήσεις, αλλά αυτές ήταν ταινίες που προσπάθησαν να είναι κάτι περισσότερο. Κάτι περισσότερο από μια ιστορία. Μια εμπειρία. Το «Days of Heaven» το επιτυγχάνει πιο λαμπρά από το «Badlands». Πολλοί άνθρωποι έχουν συχνά επικρίνει την ταινία για την αδύναμη ιστορία της. Δεν θα μπορούσα να πω ότι είναι εντελώς λάθος, αλλά η ιστορία, ούτως ή άλλως, δεν είναι η πιο σημαντική πτυχή μιας ταινίας. Αυτό που κάνει ο Malick εδώ είναι να χρησιμοποιεί την οπτικοποίηση του κινηματογράφου που δίνει έμφαση στη διάθεση της ιστορίας παρά στην ίδια την ιστορία. Οι προθέσεις του δεν είναι να σας κάνουν συναισθηματικούς χρησιμοποιώντας την κατάσταση των χαρακτήρων, αλλά να σας αφήσουμε να τους παρατηρήσετε, να νιώσετε την ομορφιά των τοπίων και το άρωμα του τόπου του. Και η δημιουργία τέτοιου είδους εμπειρίας που κινείται από το βλέμμα δεν είναι τίποτα άλλο από ένα θαύμα.

86. Τάφος των Πεταλούδων (1988)

Μια οδυνηρή, συγκινητική ταινία που είναι ισοδύναμη σε κάθε πτυχή που μπορείτε να σκεφτείτε, με τις άλλες ταινίες ζωντανής δράσης να επισημαίνουν τα λάφυρα του πολέμου. Αυτή η ιαπωνική ταινία κινουμένων σχεδίων επικεντρώθηκε στις φρικαλεότητες του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου εστιάζοντας στις ζωές ενός ζευγαριού αδερφών, έσπασε την καρδιά μου με τρόπο που καμία άλλη ταινία δεν κατάφερε, και εξακολουθούσε να πατάω στα κομμάτια μέχρι το τέλος. Όντας μια πολεμική ταινία, λειτουργεί επίσης θαύματα στο ανθρώπινο μέτωπο, συνειδητοποιώντας και αναπτύσσοντας όμορφα την τρυφερή σχέση μεταξύ της Seita και του Setsuko ενόψει της αντιξοότητας που ήταν ο Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος. Το μήνυμα είναι δυνατό και καθαρό. Κανένας πόλεμος δεν κερδίζεται πραγματικά και όλη η δόξα που συνεπάγεται νίκες συνοδεύεται επίσης από θρήνους αθώων ζωών που καταστράφηκαν στον πόλεμο. Θα ήθελα να επικροτήσω την ταινία για το ότι δεν είμαι υπερβολικά συναισθηματικά χειραγωγητικός που μας έκανε να ριζώσουμε τους χαρακτήρες της. αλλά μην κάνετε κανένα λάθος, η ισχυρή και ασυμβίβαστη οπτική του για τον πόλεμο και οι τροχιές που έχουν υποστεί από το αδελφό ζευγάρι θα σας οδηγήσουν σε ένα αναστατωμένο χάος. Είναι λυπηρό. Τούτου λεχθέντος, δεν υπάρχει άλλος τρόπος να το έχω. Είναι η τελειότητα, στην πιο σπασμένη μορφή του.

85. Μανχάταν (1979)

Ο ρομαντισμός στις ταινίες του Γούντι Άλεν ένιωθε πάντα οδυνηρά αληθινός και καταθλιπτικός ρεαλιστικός παρά την υπέροχη οδυνηρή αίσθηση του χιούμορ που τις τυλίγει. Ενώ το «Annie Hall» παραμένει η πιο τολμηρή του ταινία, το «Manhattan» ξεκινά ως μια πιο ώριμη δουλειά, καλλιτεχνικά. Η ταινία έχει τον Άλεν να παίζει έναν βαριεστημένο, μπερδεμένο New Yorker, πρόσφατα διαζευγμένο, γνωριμία με ένα κορίτσι γυμνασίου, αλλά καταλήγει να ερωτεύεται την ερωμένη του καλύτερου φίλου του. Ο Άλεν τόνισε ελαφρώς το χιούμορ αυτής της ταινίας για να μας αφήσει να νιώσουμε πραγματικά τη θλίψη που κατακλύζει τους χαρακτήρες του, γεγονός που την καθιστά μια συναισθηματικά αποξηραμένη εμπειρία. Είναι απλώς ένα βαθύτατο πορτρέτο πορτραίτων σχέσεων και ελαττωμάτων ανθρώπων που αγωνίζονται με τον εαυτό τους και την ύπαρξή τους, αναζητώντας απεγνωσμένα την ευτυχία που δεν θα μπορούσαν ποτέ να αναγνωρίσουν και να επιτύχουν. Και αυτή η γλυκά λεπτή, οδυνηρή συνειδητοποίηση της ανθρώπινης κατάστασης που κάνει το «Μανχάταν» μια τόσο ισχυρή ταινία.

84. Μαρκέτα Λάζαροβα (1967)

Το τσεχικό εικονίδιο του Franti & scaron; ekporeal dreamcape, Marketa Lazarová, είναι απλώς ένα από τα πιο απίστευτα έργα τέχνης που βγαίνουν από τα 20^ουΑιώνας. Η πρωτοποριακή του προσέγγιση στην κινηματογραφική γλώσσα μόλις ταιριάζει στα όρια αυτής της συχνά καταστροφικής στροφής της φράσης - γιατί είναι κάτι περισσότερο. Μια εκπληκτική συγχώνευση όρασης και ήχου, που δεν εμπλέκεται από τη σύμβαση, τη δομή ή οποιονδήποτε γραπτό κανόνα, οι ταραχές μελετητές του κινηματογράφου έχουν χτυπήσει στη μορφή της ταινίας όλα αυτά τα χρόνια. Συγκριτικά, όλα τα άλλα φαίνονται τόσο αυστηρά ελεγχόμενα - τόσο αφύσικα και επινοημένα στην εκτέλεση. Η Marketa Lazarová είναι ωμή, σπλαχνική και εντυπωσιακή δυναμική. Εν ολίγοις: είναι Ελεύθερος - μια πραγματική κορυφή των δυνατοτήτων εξερεύνησης κινηματογραφικού μέσου κάθε ίντσας. Για αυτό, συγκαταλέγεται μεταξύ των μεγαλύτερων ταινιών που έχουν γίνει ποτέ.

83. Singin ’In The Rain (1952)

Το Singin ’In The Rain είναι το πιο καθοριστικό μιούζικαλ της Χρυσής Εποχής του Χόλιγουντ. Είναι αδύνατο να ξεχάσουμε την εικόνα του Gene Kelly που χορεύει από το λαμπτήρα του δρόμου, όταν μιλάμε για τις λαμπερές στιγμές στον κινηματογράφο. Η ταινία όχι μόνο γιορτάζει τη δική της επάρκεια ευχάριστα, αλλά και το πέρασμα του κινηματογράφου από το να είναι ένα οπτικό μέσο σε ένα αντηχητικό και ενθαρρυντικό. Ένα μνημειώδες επίτευγμα στον κινηματογράφο Technicolor, η σκηνοθετική προσπάθεια της Kelly απορρίφθηκε διασκεδαστικά από τους κριτικούς και το κοινό, αρχικά. Πιστεύω ότι η συνάφεια αυτού του κλασικού μεγαλώνει μέρα με τη μέρα, καθώς το χάσμα μεταξύ των χρονικών περιόδων που καλύπτονται από την ταινία (πραγματική και πραγματική ζωή) και το παρόν μεγαλώνει όλο και περισσότερο. Χάνουμε την επαφή με μια σημαντική εποχή, και αυτή η ταινία σε σέρνει με τη νοσταλγία της.

82. Μην κοιτάς τώρα (1973)

Είναι πολύ δύσκολο να βρεις ένα εικαστικό έργο που είναι τόσο υπνωτικό όσο το 'Dont Look Now' του Nicolas Roeg. Με πολλούς τρόπους αυτό το αριστούργημα μοιάζει με τον φρικτό νάνο στο τέλος. Είναι όμορφα ντυμένο με εκστατικά χρώματα, αλλά φιλοξενεί το χειρότερο μέρος της ζωής: το θάνατο. Ανεξάρτητα από το πόσο αποτελεσματικός είναι ο χαρακτήρας του Σάδερλαντ, πιστεύω ότι πρόκειται για μια ταινία που βασίζεται σε συναισθήματα, καθώς ο Roeg θέτει την αναζήτηση της χαμένης αγάπης σε μια αποφασιστική ιστορία. Το γοτθικό ίδρυμα είναι μια πολύ ισχυρή συσκευή για να διεκδικήσει τη σημασία των δεσμών στους οποίους βασίζεται, εκείνης της πατρικής και οικογενειακής αγάπης, καθώς και για να δώσει μια ασαφή μορφή στα φαντάσματα που στοιχειώνουν τον πρωταγωνιστή. 'Μερικά μέρη είναι σαν άτομα, κάποια λάμψη και άλλα όχι'.

81. Fight Club (1999)

Κάθε τόσο, έρχεται ένα κομμάτι τέχνης που καθορίζει την ψυχή μιας γενιάς. Όσον αφορά τον κινηματογράφο, η δεκαετία του '50 είχε το 'Rebel Without A Cause', η δεκαετία του '60 είχε το 'The Graduate' και η δεκαετία του '70 είχε 'American Graffiti'. Και ακόμη και δύο δεκαετίες μετά, το «Fight Club» ταιριάζει με το γόνατο, το δυσαρεστημένο, αντιαποστατικό ήθος της γενιάς μας. Όπως τόσες πολλές υπέροχες ταινίες, το «Fight Club» είναι πολύ διχαστικό και μπορεί να ερμηνευθεί φιλοσοφικά με πολλούς διαφορετικούς τρόπους - μερικές θεωρούν ότι ορίζει τη σύγχρονη ανδρική ηλικία, ενώ άλλες πιστεύουν ότι δοξάζει τη βία και τον μηδενισμό.

Ουσιαστικά ένα θρίλερ, η ταινία λέγεται από το POV ενός ανώνυμου πρωταγωνιστή που πάσχει από αϋπνία και δυσαρεστημένος με τη μονότονη δουλειά του που διασχίζει μονοπάτια με μια ορμητική σαπωνοποιό που ονομάζεται Tyler Durden. Ο Ντέρντεν και ο πρωταγωνιστής σύντομα ξεκινούν ένα υπόγειο «Fight Club» ως τρόπο για τα δυσαρεστημένα μέλη της κοινωνίας να εκτοξεύσουν τον θυμό τους. Αλλά σύντομα τα σχέδια του Tyler και οι σχέσεις του αφηγητή ξεφεύγουν από τον έλεγχό του, οδηγώντας σε εκρηκτική κορύφωση (κυριολεκτικά!)

Μαζί με τη στάση διάβολος-με-φροντίδα που διαδίδει, το «Fight Club» είναι επίσης σήμα κατατεθέν κάποιας άσκησης από τον σύγχρονο θρύλο David Fincher. Η σκοτεινή παλέτα χρωμάτων, η ευκρινής επεξεργασία και η κομψή φωτογραφική μηχανή εμπνεύστηκαν από μια ορμή σκοτεινών θρίλερ μετά την ταινία. Μια ταινία λεκάνης απορροής της δεκαετίας του 1990.

80. Πριν από το ηλιοβασίλεμα (2004)

Εδώ είναι η αλήθεια για την ανθρώπινη εξέλιξη που κανείς δεν θα σας πει: Η ανθρωπότητα σύντομα θα χάσει την τέχνη της συνομιλίας. Οι τεχνολογικές εξελίξεις έχουν μια μεγάλη παρενέργεια: Οι άνθρωποι ενδιαφέρονται όλο και λιγότερο να κάνουν πραγματική συνομιλία - επειδή έχουν τεχνολογία να κρύψουν πίσω. Και αυτός είναι ακριβώς ο λόγος για τον οποίο η σειρά Before θα παραμείνει για τις επόμενες δεκαετίες. Μια σειρά ταινιών που αφορούν δύο άτομα που ασχολούνται με πραγματική συζήτηση είναι σπάνια ακόμη και για αυτήν τη γενιά. Στο μέλλον, τέτοιες ταινίες δεν θα γίνουν καθόλου. Αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο οι μελλοντικές γενιές θα ξανακοιτάξουν την τριλογία πριν και με θαυμασμό. Και δεν θα εκπλαγώ αν η τριλογία βρίσκει την κατάλληλη θέση όχι μόνο στην ιστορία του κινηματογράφου, αλλά και στη βιβλιοθήκη κάθε σχολής ταινιών.

Μεταξύ των τριών ταινιών Before, το 'Before Sunset' ξεχωρίζει γιατί είναι το πιο θλιβερό όμορφο. Μια ταινία που είναι εγγενώς για την ισχυρότερη ανθρώπινη επιθυμία: την επιθυμία να είσαι με κάποιον με τον οποίο θα μπορούσες να περάσεις το υπόλοιπο της ζωής σου. Αν κοιτάξετε προσεκτικά, το 'Before Sunset', τελικά, γίνεται καθρέφτης, εξετάζοντας ποιος, μπορείτε να κρίνετε τις σχέσεις σας: Πού πήγε στραβά; Ποιος ήταν πραγματικά 'αυτός' για εσάς; Τι ευκαιρίες χάσατε; Τι θα μπορούσε να είναι; Είναι μια από τις πιο σπάνιες σπάνιες ταινίες όπου η εμπειρία σας στη ζωή θα εμπλουτίσει και θα θρέψει την εμπειρία σας με την ταινία.

79. Το Matrix (1999)

Μια έξυπνη, έξυπνη ιδέα που αποδίδεται στην οθόνη από τον Wachowskis, με αποτέλεσμα μια ταινία που έκανε πολλούς θεατές να επιφυλαχτούν από την πραγματικότητα που βρέθηκαν. Είναι αλήθεια, όταν έγινε το 'The Matrix', δεν υπήρχε καμία επιστροφή, άλλαξε πράγματα. Όχι μόνο η ταινία έσπασε κάπως νέο έδαφος στην ιστορία της, αλλά έφερε επανάσταση στον τρόπο με τον οποίο η επιστημονική φαντασία και οι ταινίες δράσης δημιουργήθηκαν στη συνέχεια. Η επιτυχία του 'The Matrix' ως ταινίας έγκειται επίσης στον τρόπο με τον οποίο κυριαρχούν αριστοτεχνικά θέματα όπως η φιλοσοφία, ο υπαρξισμός και ακόμη και η θρησκεία, ενώ ταυτόχρονα φοράει το πρόσχημα μιας δράσης και μιας ταινίας επιστημονικής φαντασίας. Η ικανότητα του Neo να χειρίζεται την προσομοιωμένη πραγματικότητα για να εκτελεί φαινομενικά αδύνατα κατορθώματα και τη χρήση του 'bullet time', μιας τεχνικής δράσης που δεν είναι τίποτα λιγότερο από εικονική τώρα, προσθέτει στην ευφυΐα της ταινίας. Το είδος μπορεί να είναι υπερβολικό τώρα, αλλά όταν βγήκε πρώτο, είναι ασφαλές να πούμε ότι το κοινό δεν είχε δει κάτι τέτοιο.

78. Η έβδομη ήπειρος (1989)

Το να αποκαλούμε «Η έβδομη ήπειρος» του Michael Haneke μια ταινία τρόμου μου φαίνεται πολύ λάθος, αλλά έτσι αναφέρονται από τους περισσότερους ανθρώπους που το έχουν δει. Είναι δύσκολο να συζητήσουμε μαζί τους, επειδή η προβολή αυτής της ταινίας αφήνει κάποιον να αισθάνεται απελπισμένος, καταθλιπτικός και φοβισμένος. Έχοντας να κάνει με μια οικογένεια που μισεί τον κόσμο και τη ζωή γενικότερα, αυτό το κλασικό 1989 παίρνει μια κρύα και μακρινή στάση για να απομονώσει περαιτέρω τους τρεις παίκτες από την υπόλοιπη κοινωνία, κάτι που αργά αλλά σίγουρα αναγκάζει το κοινό να αισθάνεται βαθιά για αυτούς ως τους η ύπαρξη παίρνει μια σκοτεινή στροφή. Όντας μια από τις πιο ενοχλητικές ταινίες που αρέσουν ποτέ στην ασημένια οθόνη, το ντεμπούτο της Haneke χλευάζει τον θεατή και δεν αφήνει ποτέ να φύγει. Εάν το κοινό το ονομάζει ταινία τρόμου, τότε το κάνει αναφερόμενο σε μια τρομακτική ταινία που δεν μοιάζει με άλλη. Καλυμμένο σε αμφισημία και ρεαλισμό, Η έβδομη ήπειρος είναι μια προσωπική, οικεία και τρομακτική επανάληψη μιας αληθινής ιστορίας που σας αφήνει σιωπηλός, γιατί για τουλάχιστον δύο λεπτά μετά τη λήξη του, δεν μπορείτε να εκφωνήσετε ούτε μία λέξη.

77. Zodiac (2007)

Το «Zodiac» δεν είναι το συμβατικό θρίλερ σας. Είναι αργό ρυθμό και εστιάζει περισσότερο στη διάθεση και στους χαρακτήρες παρά στην πλοκή. Υπάρχει μια αύρα που ο David Fincher χτίζει τόσο πολύ ώστε να νιώσετε τη διάθεση της ταινίας στα οστά σας. Δεν είναι μια ταινία που θα σας αφήσει χαρούμενους όταν τελειώσει. Είναι επίσης μια ταινία όπου κερδίζει ο κακός, χάνουν καλοί. Και γι 'αυτό είναι τόσο καλό. Όχι μόνο καλό, αλλά ένα μοντέρνο αριστούργημα. Όταν μια ταινία καταφέρνει να σας στριφογυρίσει για δυόμισι ώρες και να σας αφήσει να σκέφτεστε για μέρες, πρέπει να έχει πολλά πράγματα σωστά που τα θρίλερ δεν έκαναν συνήθως. Κατά τη γνώμη μου, το «Zodiac» είναι η καλύτερη ταινία του Fincher, όπου, με την πειθαρχία και το φάσμα των δεξιοτήτων του, δείχνει γιατί μερικές φορές «το λιγότερο είναι περισσότερο».

76. Magnolia (1999)

Το 'Magnolia' είναι αναμφίβολα το πιο προσωπικό έργο του Paul Thomas Anderson. Η υστερική ατμόσφαιρα Άντερσον εγχέει την ταινία φέρνοντας μια συγκεκριμένη συναισθηματική ρευστότητα στο μελόδραμα που είναι τόσο απίστευτα εθιστικό και καθαρτικό στην ενέργειά του. Η ταινία πραγματοποιείται εξ ολοκλήρου στην κοιλάδα του Σαν Φερνάντο με διάφορους αλληλένδετους χαρακτήρες που περνούν διαφορετικές φάσεις στη ζωή τους, αγωνίζονται να αντιμετωπίσουν τους δικούς τους εσωτερικούς δαίμονες και συναισθηματικές συγκρούσεις. Ο Άντερσον αγαπά αυτούς τους ανθρώπους, τους γνωρίζει και τους κατανοεί, αλλά τους παρουσιάζει ως απογοητευτικά ποιοι είναι. έντονα γυμνά όντα, ωμά και καθαρά, αντιμετωπίζοντας και ξεπερνώντας τους βαθύτερους φόβους και αδυναμίες τους. Αυτό που κάνει το 'Magnolia' τόσο ξεχωριστό είναι ότι είναι μια ταινία που λέει πολλά για τον σκηνοθέτη της. Μας δίνουν μια ματιά στη ζωή του Άντερσον, τον τόπο στον οποίο ανήκει και τους ανθρώπους στη ζωή του. Υπάρχει τόσα πολλά από τον Άντερσον σε όλη την ταινία. Μια ταινία όπως το 'Magnolia', αν είχε σκηνοθετηθεί από οποιονδήποτε άλλο σκηνοθέτη, θα ένιωθε χρονολογημένη και έμοιαζε σαν προϊόν της εποχής της, αλλά με τον Άντερσον, προσθέτει μόνο την ελκυστικότητα της ταινίας.

75. Το μωρό της Rosemary (1968)

«Το μωρό της Rosemary» είναι ένα σκοτεινό, στριμμένο έργο τέχνης που παίζει με αθωότητα για να χτίσει μια αίσθηση τρόμου. Έχοντας να κάνει με μια γυναίκα που βιώνει επιπλοκές κατά τη διάρκεια της εγκυμοσύνης, η ταινία ακολουθεί μια εντελώς νέα διαδρομή με την πλοκή της επιτρέποντας στα τελετουργικά στοιχεία να διαδραματίσουν σημαντικό ρόλο. Υπάρχουν τόσα πολλά για αυτήν την ταινία που αγαπά, ξεκινώντας από τους καλογραμμένους χαρακτήρες μέχρι το μακρινό περιβάλλον που γεννά κάθε περιστατικό που συμβαίνει. Υπάρχει πάντα μια αίσθηση έντασης σε όλη την εικόνα, και αυτό εν μέρει χάρη στην σιωπηλή, παρατεταμένη κινηματογραφία που εκτελείται με το σφιχτό σκηνοθετικό στυλ του Polanski. Η Mia Farrow δίνει μια καλύτερη απόδοση καριέρας εδώ ως Rosemary Woodhouse, μια γυναίκα που γίνεται πιο αδύναμη καθώς παλεύει με τους πόνους που έρχονται μαζί με τη μεταφορά ενός παιδιού. Συνολικά, η ατμόσφαιρα που αποτυπώνεται από αυτήν την ταινία ταιριάζει από λίγες άλλες και ο τρόπος με τον οποίο διαπερνά το δέρμα σας είναι πραγματικά κάτι άλλο.

74. Οι καλοί, οι κακοί και οι άσχημοι (1966)

Συναρπαστικοί χαρακτήρες που παίζονται από θρυλικούς ηθοποιούς, αχαλίνωτη, βίαιη δράση όπλων, αγκιστρωτική μουσική και έντονη κινηματογραφία - το τρίτο μέρος της τριλογίας «Δολάρια», που λέγεται ότι είναι η γέννηση των σπαγγέτι δυτικών, είναι απολαυστικός, γοητευτικός, διασκεδαστικός κινηματογράφος στα καλύτερά του. Ο Blondie or No Name (The Good), ένας επαγγελματίας gunslinger και ο Tuco (The Ugly), ένας καταζητούμενος παράνομος, σχηματίζουν μια απρόθυμη πίστη όταν ο καθένας ανακαλύπτει μια σημαντική λεπτομέρεια για μια κρυφή χρυσή που κρύβεται από έναν φυγόδικο συνομοσπονδιακό. ποιος είναι ο Angel Eyes (The Bad), ένας Hitman, για να σκοτώσει. Το ταξίδι του τρίο σχηματίζει το επίκεντρο μιας πριτσίνικας πλοκής που καταλήγει σε ένα κλασικό δυτικό στιλ. Ο Clint Eastwood ως Blondie είναι η εικόνα του machismo, ο Lee Van Cleef ως Angel Eyes είναι κακό πρόσωπο και ο Eli Wallach καθώς ο Tuco προσθέτει μια πολυπλοκότητα χαρακτήρα της ώθησης και της οργής στις απλούστερες αλλά πιο επιδεικτικές πράξεις Good Vs Evil των δύο μεγαλύτερων αστέρων. Αλλά τα ηνία είναι για πάντα σκηνοθέτης στα χέρια του Sergio Leone - χρησιμοποιεί εκτεταμένες μεγάλες λήψεις και έντονη κινηματογράφηση σε κοντινό πλάνο, όπως απαιτείται για να δημιουργήσει μια ένταση στις διαδικασίες. Μια ταινία που καθορίζει το είδος Quentin Tarantino, ένας από τους μεγαλύτερους εκφραστές της σύγχρονης Δύσης, κάποτε ονομάστηκε «Η ταινία με την καλύτερη σκηνή στον κόσμο».

73. Οι Ταξιδιωτικοί Παίκτες (1975)

Για πολύ μεγάλο χρονικό διάστημα, το οικείο, ευαίσθητα έπος του Theo Angelopoulos ήταν γνωστό σε λίγους λάτρεις της ταινίας και ίσως εκτιμήθηκε από ακόμη λιγότερους. Η εντυπωσιακή, σταδιακή ανέγερση ενός κινηματογραφικού μνημείου για την εσωτερική, κρυφή σχέση μας με το χρόνο είναι κατανοητή, όχι για όλους. Αλλά για τους περίεργους ανάμεσά μας, είναι γνωστό ότι παρέχει παρηγοριά, δίνει σοφία και χαρίζει μια αντίληψη που βοηθά στην εξεύρεση σταθερών για να παραμείνει σε αυτόν τον παγκόσμιο και σκληρά δυναμικό κόσμο. Μεταξύ των πολλών πραγμάτων που παίρνει σωστά αυτή η ταινία είναι η καθαρή κατανόηση των αποκαλύψεων στην ιστορία του «Ορέστη». Η μυθολογία που σχετίζεται με την τραγική φιγούρα αποτυπώνεται με μια ταπεινωτική ταπεινότητα και όμως, η ταινία καταφέρνει να μας μεταφέρει μέσω του ελαστικού οράματός της σε μια μελαγχολική, παρατεταμένη θέα της Ελλάδας στα μέσα του 20ού αιώνα. Η διαχρονική του κομψότητα δικαιολογεί την προβολή της ιστορίας στέκοντάς το δίπλα στον θρόνο: από έξω προς τα μέσα. Τείνετε τόσο να αισθανθείτε τη σκληρότητα του όσο και να σκεφτείτε τη δημιουργία του. Είναι ένα σπάνιο μάθημα κατά της φασιστικής ιστορίας, γιατί ποτέ δεν μας λέει τι να σκεφτόμαστε. Μας δείχνει μόνο τι να νιώσουμε. Ο Αγγελόπουλος και ο κινηματογράφος Γιώργος Αρβανίτης μας τοποθετούν σε καταπληκτικές περιοχές και τις ξεπλένουμε με την καταστροφική κακία της περιόδου. Το «The Traveling Players» είναι ένα ταπεινό, σπάνιο κόσμημα που αισθάνεται σαν να σώθηκε από δρόμους με ταραχές και επέζησε από την πείνα. Με πιο απλούς όρους, δεν το αξίζουμε.

72. Cache (2005)

Ο Μάικλ Χανέκε κατηγορείται συχνά ότι ασχολείται πάντα με ασαφείς αφηγήσεις. Αυτός ο χαρακτηρισμός είναι εντελώς άδικος επειδή αυτό που ουσιαστικά κάνει είναι να παρέχει ανθρώπινες γνώσεις για το σκοτάδι που μας περιβάλλει όλους, πώς οι λανθασμένες αντιλήψεις μας οδηγούν σε αγωνιστική απομόνωση και πώς οι αυταπάτες μας μειώνουν τις πιθανότητές μας να ξεπεράσουμε την εν λόγω απομόνωση. Το «Caché» δεν είναι μόνο ένα τεράστιο, ελκυστικό έγγραφο που δείχνει την κακία της σφαγής του Σηκουάνα του 1961, και την απάνθρωπό μας ως κοινωνία, αλλά και μια ποιητικά παγκόσμια μελέτη χαρακτήρα. Ο Georges, ο πρωταγωνιστής μας, αντιλαμβάνεται τη ζωή και την παρουσία του ως κοινωνικό ον με μια παραμορφωμένη αίσθηση χαράς. Φεύγει από την άνεση της εμπιστοσύνης και της επικοινωνίας με άλλους. Απολαμβάνει την αποξένωσή του, όπως αποξενώνει τόσους που τον κρατούν τόσο αγαπητό. Με αυτό, ο Haneke χλευάζει τη γενιά που θέλει να μείνει μόνη της. Η κάμερα του είναι μερικές φορές ασυνήθιστα απομακρυσμένη, όπως και πολλοί από εμάς σε σχέση με το περιβάλλον μας. Όμως, υπό τον έλεγχό του, πρέπει να αντιμετωπίσουμε την ανοησία μας, την αδιαθεσία μας, την πραγματικότητά μας. Ένα από τα πιο δύσκολα κομμάτια του κινηματογράφου που θα δείτε ποτέ.

71. Πνεύμα της κυψέλης (1973)

Ο Ισπανός κύριος Βίκτωρ Έρις έκανε μόλις τρεις ταινίες μεγάλου μήκους πριν αποσυρθεί. Ακόμα ζωντανοί σήμερα, οι ταινίες του, όπως το El Sur, το Quince «Tree of the Sun» και ειδικά το Spirit of the Beehive, το αόριστο ντεμπούτο του, που μας κάνουν όλους να επιθυμούν να έκανε ακόμα ταινίες. Μια παραβολική ιστορία δύο παιδιών, το ένα εξερευνά την ύπαρξή του με αθώα, συχνά εκπληκτική γοητεία και το άλλο εμμονή με την ταινία «Frankenstein» που έπαιξε στο τοπικό τους θέατρο. Το μυστηριώδες πορτραίτο της ισπανικής καρδιάς αφήνεται σε σαγηνευτική αμφισημία από τη χαρακτηριστική ουδέτερη κατεύθυνση του Έρις - σπάνια μπαίνει σε κινηματογραφική μέθοδο υπέρ της σιωπηλής παρατήρησης. Η επακόλουθη δουλειά είναι αμηχανία, συναρπαστική και θα σας αφήσει να αναρωτιέστε για το εγγενές αίνιγμα της ίδιας της ζωής: τα αναπάντητα ερωτήματά του, τα μεγάλα μυστήρια και την ασυναρτησία τους. Για να σας αφήσουμε εντελώς κατεστραμμένους ή ασύγκριτα συγκινισμένους, δεν υπάρχει αμφιβολία ότι είτε σε ένα ακραίο «Πνεύμα της Κυψέλης» θα είναι μια σημαντική εμπειρία.

70. All the Men's Men (1976)

Γουότερ Γκέιτ. Μια λέξη που έριξε τις κουρτίνες στην προεδρία του Ρίτσαρντ Νίξον και έκανε τους ανθρώπους να συνειδητοποιήσουν ότι ακόμη και ένα άτομο με το ύψος του προέδρου μπορεί να σταματήσει στο χαμηλότερο δυνατό βαθμό για να κάνει τα πράγματα του. Ενώ οι κορώνες του Προέδρου ήταν απασχολημένοι με τον καθαρισμό της βρωμιάς που δημιούργησε, υπήρχαν δύο δημοσιογράφοι που το έβλεπαν. Παρά τις επικείμενες απειλές, δούλεψαν ακούραστα, επιδιώκουν ακόμη και τα πιο μικροσκοπικά προβάδισμα και μερικές φορές έθεσαν σε κίνδυνο τον εαυτό τους στη διαδικασία για να πάρουν τα γεγονότα στους ανθρώπους. Με βάση το ίδιο όνομα, που γράφτηκε από δημοσιογράφους, ο Bob Woodward και ο Carl Bernstein, το 'All the President's Men' είναι μια έξυπνη παρατήρηση για το τι πρέπει να είναι η πραγματική δημοσιογραφία. Σε σκηνοθεσία του Alan J Pakula, προτάθηκε για οκτώ βραβεία ακαδημίας, κερδίζοντας τελικά τρία και κατά λάθος χάνοντας την καλύτερη εικόνα του «Rocky».

69. Στρατός των Σκιών (1969)

Νομίζω ότι ένα εξαιρετικό σημείο σύγκρισης που πρέπει να γίνει για τους νεοεισερχόμενους στο έργο του Jean-Pierre Melville είναι αυτό του Stanley Kubrick. Και οι δύο ασκούν ακραία τεχνική ακρίβεια και αποδίδουν απόλυτη εμπιστοσύνη σε κάθε κύλινδρο της δουλειάς που επιδεικνύουν σε μια μακρά και δημιουργικά προσοδοφόρα καριέρα. Τούτου λεχθέντος, ένα φτηνό αλλά δύσκολο παράπονο που μπορεί να υποβάλει ο Αμερικανός σκηνοθέτης είναι η «ψυχή» του. Μια κενή ανθρώπινη έκφραση. Αυτό δεν συμβαίνει με τον Melville. Στο 'Army of Shadows', οι χαρακτήρες του Melville καίγονται με μια πικρή σπινθήρα που προκαλεί απόγνωση, που κάνει κάθε δράση να ξεχειλίζει από την ανθρωπότητα. Στον θανατηφόρο κόσμο του κινήματος της Αντίστασης του Πολέμου, μια ψεύτικη κίνηση μπορεί να οδηγήσει σε απόλυτη καταστροφή και με τον προαναφερθέντα χάρη και τον βιρτουόζικο έλεγχο στον κινηματογράφο του, ο Μέλβιλ ράβει τους σπόρους ενός εντελώς πιστευτού, πειστικά νεκρού κόσμου. Ο «Στρατός των Σκιών» είναι ένα από τα πιο ήσυχα, ενδιαφέροντα και μνημειώδη έργα που βγαίνουν από τον γαλλικό κινηματογράφο και το να χάσετε ένα τέτοιο κλασικό που παραβλέπεται εγκληματικά θα ήταν να κάνετε τον εαυτό σας σοβαρό κακό.

68. Η λάμψη (1980)

Με την προσαρμογή του κλασικού Stephen King, ο Stanley Kubrick δημιούργησε το 1980 μια ταινία που συνέχισε να επαναπροσδιορίζει το είδος τρόμου. Εδώ, δεν είναι μόνο η ιστορία ή οι χαρακτήρες που φοβούνται τη γέννηση. Το περιβάλλον και ο τρόπος με τον οποίο έχει γυριστεί βοηθούν θαυμάσια επιτρέποντας στην ένταση του μυαλού να διεισδύσει στο μυαλό του κοινού. Η ταινία ακολουθεί τον Τζακ Τόρενς, έναν νεοδιορισμένο επιστάτη στο The Overlook Hotel, και την οικογένειά του καθώς περνούν μια περίοδο απόλυτης απομόνωσης στο μυστηριώδες κτίριο. Μέσα από εκπληκτικές παραστάσεις και εξαιρετική φωτογραφική μηχανή, ο Kubrick διασφαλίζει ότι το περιεχόμενο της ταινίας βυθίζεται βαθιά στο υποσυνείδητό μας. Ο τρόπος με τον οποίο χειρίζεται τον ήχο και την ατμόσφαιρα είναι απολύτως απίστευτος και δημιουργεί για μια αξέχαστη καθώς και δροσερή σπονδυλική στήλη δυόμισι ώρες. Ο κόσμος του «The Shining» είναι υπέροχα σκοτεινό, σε πιάσει σφιχτά από το κολάρο καθ 'όλη τη διάρκεια της εκπληκτικής τρίτης πράξης.

67. Chinatown (1974)

Υπάρχει ταινία noir και neo-noir και ακριβώς ανάμεσα σε αυτά τα δύο, κάθεται ο Jake Gittes, ντυμένος τακτοποιημένος με μια τραγανή τροφοδοσία για να συγχαρώ αυτό το χαμόγελο στο πρόσωπό του. Αν και είναι μεγάλος θαυμαστής του Polanki, υπάρχει πάντα κάτι που δεν ταιριάζει με το τελικό προϊόν των ταινιών του. Εκτός από την Chinatown. Αυτό το σπέρμα αριστούργημα όχι μόνο δημιούργησε μια ταυτότητα για τον εαυτό του, αλλά πάντα το βλέπουν οι σκηνοθέτες που δανείζονται το στυλ του για να δημιουργήσουν μια ταυτότητα για την ταινία τους. Ο Polanski είναι μάγος στη δουλειά, μας ξεγελάει με διακεκριμένους οδηγούς, καθώς και κλασικό ρυθμό και ρυθμό. Αλλά έπειτα έρχεται η τελευταία πράξη της Chinatown, η οποία διαλύει τόσο γρήγορα κάθε σύμβαση που ήταν αρχικά συνδεδεμένη με παρόμοιες ταινίες μυστηρίου, σας έμεινε με μια συντριπτική αίσθηση σοκ και απελπισίας. Η αποτυχία του να νικήσω τον Νονό Β 'με ενοχλεί ακόμα, αλλά μετά από μισό αιώνα, οι άνθρωποι έχουν ξεχάσει τη Σικελία, αλλά ποτέ την Chinatown.

66. Satan Tango (1994)

Εξομολόγηση νούμερο ένα: σχεδόν ποτέ δεν είδα το τεράστιο αριστοκρατικό αριστούργημα της Béla Tarr. Θα μπορούσε κανείς να αναλάβει την αγαπημένη του κατάσταση όλων των εποχών του κινηματογράφου και την εξαιρετική φήμη που έχει συσσωρεύσει μεταξύ των αμερικανικών καλλιτεχνικών κύκλων και μεταξύ μερικών από τους πιο ενημερωμένους κριτικούς κινηματογράφου σε όλο τον κόσμο θα με ενδιέφερε. Όμως, η τεράστια διάρκεια της (περίπου 432 λεπτά) και ο ρυθμός που έχω απολαύσει τόσο πολύ στο 'Werckmeister Harmonies' του Tarr φάνηκε τρομακτικό. Εξομολόγηση νούμερο δύο: Είδα το 'Sátántangó', για πρώτη φορά, με μία κίνηση. Υπνωτίστηκα από την πραγματιστική αίσθηση του πραγματικού κόσμου και την υπομονετική, συνετή αίσθηση του κινηματογράφου. Παρατήρησε περισσότερα από ό, τι αντανακλούσε και μελετούσε περισσότερα από ό, τι έδωσε τακτοποιημένες δηλώσεις. Ο μυθικός, ζοφερός ρεαλισμός του ήταν πολύ καλός για να είναι αληθινός και πολύ βάναυσος για να πραγματοποιηθεί με τέτοιο μάτι για την ομορφιά.

Το μόνο που ήθελα να κάνω ήταν να κλείσω όλα τα παράθυρά μου και να τυλιχτώ στο σκοτάδι, γιατί η ταινία για μένα ήταν σαν αυτή η τρελή στην εκκλησία και ο θρήνος της είχε πολύ νόημα. Εξομολόγηση νούμερο τρία: Είμαι ενθουσιασμένος για να αναφέρω ότι οι σοφιστικές κοινωνικές και πολιτικές σκέψεις του «Sátántangó» έχουν αρχίσει να γίνονται ξεκάθαρες για μένα καθώς επέστρεψα σε αυτό επανειλημμένα. Ένα καλοκαίρι που πέρασε καταβροχθίζοντας το μυθιστόρημα του László Krasznahorkai, το οποίο ενεργεί ως βασικό υλικό για την ταινία, ήταν ιδιαίτερα αξέχαστο. Το μόνο που μπορώ να κάνω τώρα είναι η ελπίδα να συνεχίσω να αποκομίζω τα μερίσματα αυτού του ευτυχούς ατυχήματος.

65. Ο εξορκιστής (1973)

Το 'The Exorcist' του William Friedkin είναι τέλεια σκηνοθετικό. Ο άντρας είναι διαβόητος για μια ακανόνιστη πορεία σταδιοδρομίας που βλέπει τους κλασικούς να πέφτουν με ακινητοποίηση (και συχνά οι δύο ομάδες περνούν για μερικές συναρπαστικές εξερευνήσεις της κινηματογραφικής ντροπής). Με την καλύτερη του ταινία, ο Φρίντκιν αποφάσισε να πυροβολήσει ένα δράμα που τυχαία ήταν για δαιμονική κατοχή: Ράψιμο πατού για τους περίπλοκους χαρακτήρες του και μεταφραστική οπτική του κειμένου του πρωτότυπου συγγραφέα William Peter Blatty που παγιδεύτηκε μεταξύ πεποιθήσεων και αναταραχής αμφιβολίας. Το τελικό αποτέλεσμα δύο υπέροχων καλλιτεχνών που εργάζονται στην κορυφή του παιχνιδιού τους για να παραδώσουν ένα λαμπερό κλασικό αμερικανικό σινεμά: Ένα που επισκιάζει σχεδόν κάθε ταινία στο είδος του (ίσως το τρομερό τρομακτικό «Wake in Fright» ή το αδύνατο tour-de του Tobe Hooper) -δύναμη Η Τεξανή σφαγή με αλυσοπρίονο ). Απλά εκθαμβωτικό.

64. Suspiria (1977)

'Γιατί στα όνειρά μας, μπαίνουμε σε έναν κόσμο που είναι αποκλειστικά δικός μας' - J.K. Rowling. Και τι θα συνέβαινε αν ένα από τα πιο στριμμένα μυαλά του κινηματογράφου αποφάσισε να ψεκάσει το υποσυνείδητό του σε ένα κομμάτι ταινίας. Η Suspiria του Dario Argento θεωρείται ότι αψηφά την κινηματογραφική λογική με την παράξενα δομημένη ιστορία της. Πιστεύω όμως ότι είναι ένα αριστοκρατικό αριστούργημα που αποτυπώνει την πραγματική ουσία του κινηματογράφου, που μας κάνει να νιώθουμε πραγματικά, πραγματικά ζωντανοί. Ο Argento κατανοεί την αξία του χώρου, και ως εκ τούτου δείχνει μεγαλύτερη εστίαση στην κινηματογραφία και το σκηνικό, που είναι οι κυρίαρχοι κάτοικοι της ταινίας του. Το «Suspiria» δεν αντιπροσωπεύει μόνο το στιλ του Argento αλλά και ολόκληρο τον ιταλικό τρόμο, ένα είδος που διακρίνεται από την αισθητική της τέχνης.

63. Ένας άντρας που δραπέτευσε (1956)

Απίστευτα ακριβές και εμπνευσμένο οικονομικό, το τόσο σπάνιο bullseye του Robert Bresson χτυπήθηκε με το 'A Man Escaped' του 1956. Το αποκορύφωμα των υδραργυρικών δυνάμεων του ανθρώπου ως δημιουργός ταινιών, ακολουθεί τις προσπάθειες του Γάλλου αντιπροσώπου αντίστασης Fontaine να ξεφύγει από μια ολοένα και πιο επικίνδυνη φυλακή των Ναζί και βρίσκει νόημα σε κάθε πλαίσιο. Από την εκπληκτικά ανθρώπινη απεικόνιση του ηθοποιού από τον μη ηθοποιό François Letterrier, του οποίου τα βυθισμένα μάγουλα και τα μάτια που έκλεισαν τόσο πειστικά εξέφρασαν το συντριπτικό βάρος της ζωής στον πόλεμο, μέχρι τον μινιμαλισμό του Bresson που κατάφερε να καλλιεργήσει μια έντονη οικειότητα μεταξύ του κοινού και είπε ο απελπισμένος άνθρωπος : Από συχνές POV και κομψές συνθέσεις που δεν υπερέβαιναν τις τεχνικές, το έργο του Bresson έχει μερικές φορές πνιγεί. Δεν θα έκοψα ούτε ένα πλαίσιο- και έτσι η ταινία χρησιμεύει ως ένας απολύτως ζωτικός τρόπος εκπαίδευσης για τους νέους δημιουργούς ταινιών: ζωγραφίστε κάτι τόσο ζωντανό και πυκνό χωρίς να αισθάνεστε ποτέ υπερβολική.

62. To Kill A Mockingbird (1962).

Σε τέτοιες στιγμές, δεν υπάρχει καλύτερη ταινία από το 'To Kill A Mockingbird' για να εξηγήσει τους νεοναζί σχετικά με την πραγματική έννοια της κάστας, της θρησκείας και της φυλής. Καθορισμένο στα χρονοδιαγράμματα μιας φυλετικά διαιρεμένης Αμερικής, ένας αφρικανικός-αμερικανός άνδρας κατηγορείται για παραβίαση της σεμνότητας μιας λευκής γυναίκας. Στο αποκορύφωμα των φυλετικών αδικιών, όταν ένα δικαστήριο γεμάτο λευκούς ανθρώπους υπονομεύει το αίμα του, έρχεται σε έναν άντρα να πολεμήσει την υπόθεσή του. Ένας λευκός, που ονομάζεται Atticus Finch. Πάλεψε με γενναία τρόπο για να προτείνει το γεγονός ότι όλοι οι άντρες δημιουργούνται είναι ίσοι στο δικαστήριο, είτε είναι έγχρωμοι είτε όχι. Οι προσπάθειές του είναι μάταιες, καθώς το δικαστήριο καταδικάζει τον άντρα ένοχο. Αλλά αυτό που μένει πίσω στον θεατή είναι το μάθημα που ο Atticus Finch ενσταλάζει στα παιδιά του. Δηλαδή, «ποτέ δεν καταλαβαίνετε πραγματικά ένα άτομο έως ότου λάβετε υπόψη τα πράγματα από την άποψή του». Με βάση το μπεστ σέλερ του Harper Lee με το ίδιο όνομα, το 'To Kill A Mockingbird' είναι μια από τις μεγαλύτερες ταινίες όλων των εποχών.

61. Πίσω παράθυρο (1957)

Αυτό που διακρίνει μια ταινία θρίλερ αριστουργημάτων από τα λύματα που συσσωρεύονται τακτικά πάνω μας, είναι ότι στο τελευταίο, οι ανατροπές φτάνουν σε ένα φλας, στηρίζοντας περισσότερο το σοκ μας από την αλήθεια της συστροφής για να επηρεάσουμε. Αλλά σε ταινίες όπως το 'Rear Window', τα πράγματα είναι εμφανή από τον επαγγελματία φωτογράφο L.B. «Ο Τζεφ» Ο Τζέφρις κοιτάζει έξω από το πίσω παράθυρο του που συσσωρεύεται σταδιακά μέχρι να πλημμυρίσουν, κάνοντας τον αθώο Τζεφ να υποψιάζεται ότι ένας άντρας που ζούσε στην αυλή έχει διαπράξει φόνο. Ο Χίτσκοκ χρησιμοποιεί τη φωτογραφική του μηχανή σαν τα εργαλεία ενός ψευδαιστή για να κρατήσει τους θεατές του τεταμένους, να ξεγελαστούν και να μαντέψουν μέχρι να αποκαλυφθεί. Μέσα από τον ιδεολογικό καταδίωξη του Τζεφ για το θέμα του ενδιαφέροντός του, ο Χίτσκοκ σχολιάζει τις πλάνες του ταξιδιού, το πόσο δελεαστικό μπορεί να είναι και τη ζοφερή ζωή του μοναχικού αστικού τρόπου ζωής που τον οδηγεί. Ακόμα πιο απίστευτα, είναι τόσο ένα σχόλιο για την ηδονοβλεψία του θεατή όσο και ο Jeff. καθώς γοητευόμαστε από τη γοητεία του Τζεφ. Το να βλέπεις όταν δεν το παρακολουθείς είναι μια κακή χαρά. Ο Χίτσκοκ το ξέρει, το θαυμάζει και μας προσελκύει.

60. 4 Μήνες 3 Εβδομάδες και 2 Ημέρες (2007)

Μερικές ταινίες σε συγκλονίζουν. μερικοί σε κάνουν να γελάς. μερικοί σπάζουν την καρδιά σας. Οι «4 Μήνες, 3 Εβδομάδες και 2 Ημέρες» ανήκουν σε ειδική κατηγορία ταινιών: αυτές που σας κάνουν να ανησυχείτε και να ανησυχείτε Όπως θα μαντέψατε, τέτοιες ταινίες είναι πιθανώς οι πιο σπάνιες σπάνιες φυλές. Η ταινία ακολουθεί δύο φίλους που προσπαθούν να κανονίσουν μια άμβλωση στο βίαιο κομμουνιστικό καθεστώς της Ρουμανίας Τσαουσέσκου. Σπλαγχνική και ασυμβίβαστη, η ταινία σε αρπάζει από το χείλος του λαιμού σου και ποτέ δεν σε αφήνει να φύγεις. Η παρακολούθηση αυτής της ταινίας είναι σαν να βιώνεις το συναίσθημα που προκαλεί το έντερο όταν περιμένεις νευρικά ένα από τα αγαπημένα σου πρόσωπα να βγει από ένα χειρουργείο μετά από μια χειρουργική επέμβαση. Δεν είναι απλώς ρεαλιστικός κινηματογράφος στα καλύτερά του. είναι επίσης μια από τις ταινίες που αλλάζουν τη ζωή που θα δείτε ποτέ.

59. Πέρυσι στο Marienbad (1961)

Η ταινία του Alan Resnais του 1961 «Last Year At Marienbad» είναι το πιο κοντινό που έχουμε καταφέρει να απεικονίσουμε ένα όνειρο και γίνεται με όσο πιο περίεργο τρόπο γίνεται. Η μουσική που παίρνει το υπόβαθρο για το μεγαλύτερο μέρος του χρόνου εκτέλεσης λειτουργεί ως ηρεμιστικό που θέτει το κοινό σε μια υπνηλία κατάσταση. Παρ 'όλα αυτά, είναι σχεδόν αδύνατο να κρατήσουμε τα μάτια μας μακριά από την οθόνη, επειδή υπάρχουν πολλά πράγματα σε όλη την εικόνα, αν και εμφανίζονται μόνο λίγα. Μου αρέσει να σκέφτομαι το «Last Year At Marienbad» ως μια ταινία που φαντάζεται έξω από το υποσυνείδητο, λόγω της επαναλαμβανόμενης και μπερδεμένης φύσης του. Οι χαρακτήρες μπερδεύονται για τον περίεργο κόσμο στον οποίο έχουν τεθεί επίσης. Είναι ένα ώριμο και εκλεπτυσμένο κομμάτι, και βρίσκω τη βασική πλοκή - που περιλαμβάνει έναν άνδρα και τη σχέση του με μια παράξενη γυναίκα που θυμάται σαφώς τη συνάντηση του πριν από ένα χρόνο, αν και δεν θυμάται το ίδιο γι 'αυτόν - πολύ συναρπαστικό, πρωτότυπο, παθιασμένος, ρομαντικός, ονειρεμένος και φυσικά λαμπρός.

58. Άγριες φράουλες (1957)

Πήγατε ποτέ σε οδικό ταξίδι όπου δεν έχετε τίποτα καλύτερο από το να κοιτάξετε έξω από το παράθυρο; Για ένα ορισμένο χρονικό διάστημα, κοιτάζετε την εξωτερική θέα, προτού αρχίσουν να σπεύδουν οι σκέψεις σας και αυτό που είναι έξω τώρα είναι απλώς ένα πρότυπο - δεν σας κρατά πια την προσοχή σας. Το ίδιο συμβαίνει και με τον Isak Borg, τον πρωταγωνιστή του κλασικού κομμάτι διάθεσης του Μπέργκμαν που βρήκε τη θέση του σε αμέτρητες λίστες με τις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών, συμπεριλαμβανομένης μιας που συνέταξε ο Stanley Kubrick το 1963. Ταξιδεύει με την κόρη του για να λάβει το πτυχίο του γιατρού Jubilaris από το alma mater του. Δεν του αρέσει και σκοπεύει να αφήσει τον γιο του. Αλλά ο καθηγητής μας, όπως έπαιξε ο λαμπρός Victor Sjöström, δεν ενδιαφέρεται πολύ για το μέλλον. Οι σκέψεις του και, κατά συνέπεια, η ταινία, που εκτοξεύεται από τους πολλούς ανθρώπους που συναντά το ταξίδι του, ρίχνει φως μόνο στο παρελθόν του. Βλέποντας τον συγχωρητικό, σίγουρο φακό του Bergman, οι αναμνήσεις του είναι απλές, οικείες και ανθρώπινες. Δεν δοξάζουν τη ζωή του ούτε απορρίπτουν τα επιτεύγματά του. Είναι ακατάστατα, όπως τα περισσότερα από εμάς και εσκεμμένα παραμορφωμένα. Όταν τελικά φτάσει στο μέρος για να του δοθεί η τιμή, συνειδητοποιούμε ότι δεν χρειαζόταν ποτέ ανταμοιβή. Το πήρε ήδη σε αυτές τις φράουλες που συνέλεξε με την αγαπημένη του παιδική ηλικία, τον έμπορο που τον θυμόταν, την ταραγμένη σχέση με τη σύζυγό του, το καλό και το κακό, το λυτρωτικό και το ασυγχώρητο. Όπως και εμείς, με τη μορφή αυτής της μυστηριώδους, ανεξήγητα συγκινητικής ταινίας.

57. Οι κανόνες του παιχνιδιού (1939)

Η έξυπνη, δαγκωτική κωμωδία του Jean Renoir καταφέρνει να αντέξει εκπληκτικά μετά από όλα αυτά τα χρόνια, ενώ παραμένει τόσο παιχνιδιάρικο και στοιχειωμένο όσο ποτέ. Αποφεύχθηκε κατά τη στιγμή της κυκλοφορίας του τόσο από κριτικούς όσο και από το κοινό, με αποτέλεσμα ο Ρενουάρ να κόψει ένα σημαντικό μέρος της ταινίας μετά την καταστροφική πρεμιέρα - ένα τμήμα που χαρακτήριζε ως επί το πλείστον τον χαρακτήρα της Οκτάβας, τον οποίο έπαιξε ο ίδιος ο Ρενουάρ. Από τότε δεν προκαλεί έκπληξη η έκδοσή της στο ανάστημα. Η ταινία, στο πονηρό, αυθεντικό ζογκλέρ των χαρακτήρων, των θεμάτων, των τόνων και του σκηνικού της, είναι πάντα διασκεδαστικά διασκεδαστική, αλλά ποτέ λιγότερο επιμελής ή λιγότερο φτιαγμένη από τον καλύτερο παγκόσμιο κινηματογράφο της περιόδου. Τα σχολαστικά σφυρηλατημένα εικονογραφημένα παλλόμενα με εκλεπτυσμό, αλλά η προσπάθεια δεν φαίνεται ποτέ και η ταινία σε αφήνει να αναρωτιέσαι πόσο βαθιά μπλέξατε ότι βρισκόσασταν στην επιδέξια χτισμένη ατμόσφαιρα. Ο κινηματογράφος Jean Bachelet και ο Renoir παίζουν με την κάμερα με τρόπο που προσδίδει ευελιξία στην ταινία, αλλά ο ασταμάτητος έλεγχός τους είναι αυτό που την καθιστά μια συνεχώς ενδιαφέρουσα επιχείρηση. Εάν όλα αυτά δεν αρκούν, θα πρέπει να γνωρίζετε ότι ο Alain Resnais είπε κάποτε ότι η ταινία ήταν η μοναδική πιο συντριπτική εμπειρία που είχε ποτέ στον κινηματογράφο. Θα ήταν δύσκολο να βρεις μια πιο λαμπερή σύσταση.

56. Ο τρίτος άνθρωπος (1949)

Το Film-noir είναι ένα είδος που σχετίζεται με ταινίες που αφθονούν σκοτεινά σοκάκια, μυστικούς, σαγηνευτικούς χαρακτήρες, μια αίσθηση μυστηρίου και κρεμώδες ασπρόμαυρο για να τα καλύψουν όλα. Αν και πολλές από αυτές τις εικόνες είναι ενδιαφέρουσες και προσφέρουν μια καλή στιγμή, λίγοι δοκιμάζουν κάτι καινοτόμο και διαφορετικό. Το Third Man είναι μια από τις μεγαλύτερες ταινίες-noir που έχουν κατασκευαστεί ποτέ, γιατί αφηγείται την εκπληκτική ιστορία της εξαιρετικά καλά, χρησιμοποιώντας εντυπωσιακές ολλανδικές κλίσεις, εντυπωσιακό φως και όμορφη μουσική. Η ταινία έχει να κάνει με έναν άνδρα και την αυτο-διεξαγόμενη έρευνα για τη δολοφονία ενός οικονομικά εύπορου φίλου του. Η πλοκή του Ο τρίτος άνθρωπος είναι γεμάτο ρομαντισμό, σκοτεινό χιούμορ, ανατροπές και αγωνία. Στην καρδιά της η ταινία μπορεί να ονομαστεί μια γλυκιά ιστορία αγάπης, αλλά με όλα όσα ρίχνονται, αυτή η τρέλα αφήνεται σε αμφιβολία. Παίζοντας ένα αριστοκρατικό σενάριο, το magnum opus της Carol Reed είναι αυτό που σας κρατά στην άκρη του καθίσματος σας από την ταπεινή, ελαφριά πρώτη του δράση έως το τέλος που μπορεί να είναι το πιο έξυπνο φινάλε σε οποιαδήποτε εικόνα που έχετε ». Θα δω ποτέ.

55. Κραυγές και ψίθυροι (1972)

Το τραγικό οικογενειακό δράμα του Ίνγκμαρ Μπέργκμαν ασχολείται με μια θλίψη που είναι τόσο απελπιστική και επείγουσα. Δεν έχει κατασκευαστεί υπομονετικά σκηνή από σκηνή και παραδίδεται σε μια πιατέλα μέχρι το τέλος. Είστε έτοιμοι να την εισπνεύσετε από το άνοιγμα της ταινίας που παρουσιάζει τους κύριους παίκτες και τη σκληρή, εύφλεκτη θλίψη τους με πανέμορφες κινηματογραφήσεις που κάνουν την εντυπωσιακή δυσφορία τους έντονα εμφανή. Όλα αυτά είναι καλυμμένα με μια ασυναγώνιστη πληθώρα κόκκινου χρώματος, με τη μορφή του πορφυρού χρώματος με το οποίο οι τοίχοι του σπιτιού λαμβάνει χώρα η ιστορία. Ο Μπέργκμαν μας κάνει να συνειδητοποιούμε τη μυρωδιά του θανάτου που περιβάλλει τις γυναίκες με τόσο επιβλητική κατεύθυνση που ο πραγματικός θάνατος δεν προκαλεί ανησυχία. Η εγγενώς βίαιη λαχτάρα των γυναικών έκανε τα πάντα στη ταινία μια στοιχειωμένη, αιματηρή μνήμη στο μυαλό μου. Τα συναρπαστικά γραφικά του Sven Nykvist μετριάζονται από τη λεπτή γραφή του Μπέργκμαν και από τις αριστοκρατικές παραστάσεις των ηθοποιών. Το φωτεινό Liv Ullman φαίνεται να μπερδεύει και να συναρπάζει κάθε φορά που η κάμερα είναι πάνω της, ενώ οι απίστευτοι Ingrid Thulin και Harriet Andersson είναι τόσο ακατέργαστοι στη δουλειά τους που αισθάνεται επεμβατικό να έρθει σε επαφή με τα συναισθήματά τους. Ο Μπέργκμαν δεν μας δίνει σαφείς ιδέες για να πάμε σπίτι, αλλά μας αρνείται όλες τις άλλες αισθήσεις από αυτές που βιώνουν οι χαρακτήρες του. Αναρωτιόμαστε πόσο μακριά φτάνει η πρόσβασή του στα συναισθήματά μας και το επεκτείνει σε κάθε στροφή. Τελικά, το 'Cries and Whispers' δεν πρέπει να πιστεύεται, πρέπει να ζήσει.

54. Μια φορά κι έναν καιρό στη Δύση (1968)

Ίσως είναι το στοιχειωτικό σκορ του Morricone ή ίσως το όραμα του Delli Colli που είναι τόσο απέραντο από τη Δύση ή ίσως το απέραντο τρίξιμο στα μάτια των Bronson και Fonda και ίσως είναι το αποκορύφωμα όλων αυτών των πτυχών σε σχεδόν κάθε πλαίσιο του μαέστρου, Sergio Leone . Εάν χρειάζεστε έναν Δυτικό που έχει τόσο την ομορφιά του Τζον Φορντ όσο και την άγρια ​​άγρια ​​φύση του Σαμ Πετσίνπα, τότε δεν υπάρχει κανένας κοντά στο Λεόνε. Στο μεγαλοπρεπές του έργο, επιτυγχάνει αυτό που του πήρε 3 ταινίες στο παρελθόν, για να δημιουργήσει έναν μυστικό κόσμο στη μέση του πουθενά. Αν και μπορεί να μην υπάρχει τίποτα πνευματικό στην επιφάνεια, η ταινία έχει θεούς. Θεοί αθλητικές κορώνες γεμάτες με 10 γαλόνια πυρίτιδας και τρίψιμο που καταπιούν με νερό. Επίσης, το ρόλο του Χένρι Φόντα ως ανταγωνιστής ήταν πιθανότατα η απόφαση αυτής της δεκαετίας, καθώς τα παγωμένα μπλε μάτια του ήταν αντίθετα με οτιδήποτε είχε δει η Δύση.

53. Annie Hall (1977)

Κανείς δεν μπορεί να ισχυριστεί ότι κατανοεί το μπερδεμένο, παντοδύναμο αίνιγμα που είναι αγάπη όπως ο Γούντι Άλεν. Και καμία ταινία του Woody Allen δεν πλησιάζει στην πραγματική, περίεργη δόξα της από αυτήν την ιστορία του Alvy Singer, ενός νευρωτικού, μηδενικού κωμικού στη Νέα Υόρκη που πέφτει στο «περισσότερο από την αγάπη» με τη ζοφερή, αεροπορική, χαρούμενη Annie Hall και τότε πέφτει από αυτό. Η ταινία διερευνά επίσης τις διαφορές μεταξύ των φύλων στη σεξουαλικότητα μέσω της σχέσης των Alvy και Annie «Yin and Yang». Μέχρι το τέλος, ακόμη και η Alvy δέχεται την αγάπη ως «παράλογη και τρελή και παράλογη» αλλά απαραίτητη στη ζωή. Η χρήση πολλαπλών καινοτόμων αφηγηματικών τεχνικών, όπως το αυτοσχέδιο σπάσιμο του τέταρτου τείχους, η γρήγορη εναλλαγή του παρελθόντος και του παρόντος με ομαλές περικοπές, δείχνοντας στους υπότιτλους πώς αισθάνονται η Alvy ή η Annie ενώ στην πραγματικότητα μιλούν κάτι εντελώς διαφορετικό και την προσθήκη ενός ' ιστορία μέσα σε μια ιστορία «ως το αποκορύφωμα, ανυψώστε την ήδη ενδιαφέρουσα ιστορία. Το «Annie Hall» είναι πιθανώς το πρώτο πραγματικά μοντερνιστικό ρομαντισμό στο celluloid και έχει εμπνεύσει μια γενιά ρομαντικών κωμωδιών στη θέση του. Κανένα δεν είναι τόσο γοητευτικό όσο αυτό που προσπαθούν να μιμηθούν.

52. Μ (1931)

Η έναρξη της τεχνολογίας εγγραφής φωνής, ένα φαινόμενο για το οποίο το masthead στάθηκε ως το 'The Jazz Singer' του 1927, οδήγησε σε έναν παράλογο κορεσμό του διαλόγου στις ταινίες. Η τεχνολογία θεωρήθηκε δεδομένη ως άμεση αναβάθμιση, και όχι ως εργαλείο που θα χρησιμοποιηθεί σε συνδυασμό με την καθιερωμένη κινηματογραφική γλώσσα. Ο Fritz Lang, ένας άντρας που ξεκίνησε την καριέρα του στον σιωπηλό κινηματογράφο με μια σειρά από αριστουργηματικά έργα, όπως ο Destiny, ο Δρ Mabuse the Gambler, Die Nibelugen και η εξαιρετική Μητρόπολη. Η μετανάστευσή του στον ήχο έφτασε στο αποκορύφωμά της το «M» του 1931 - μια ταινία που σε αντίθεση με όλες τις γύρω πηγές είχε απομακρύνει σχεδόν όλους τους θορύβους του περιβάλλοντος. Το αποτέλεσμα είναι μια σιωπηλή ομιλούσα ταινία με μια συντριπτικά άψυχη ατμόσφαιρα: Αυτό που στηρίζει αποτελεσματικά την αφήγησή του. Η εν λόγω ιστορία ξετυλίγει έναν παιδικό δολοφόνο και την ανικανότητα της γερμανικής διακυβέρνησης να τον πιάσει - σχηματίζοντας το δικό τους δικαστήριο καγκουρό για να τιμωρήσει τον δολοφόνο. Αυτό που επικοινωνεί ο Lang εδώ είναι απίστευτης ωριμότητας στο μήνυμα: Η δικαιοσύνη που αξίζει να εξυπηρετηθεί εντελώς υπονομεύεται από το πολιτικό πλαίσιο της εποχής - με την καταγεγραμμένη πολιτική ευθανασίας του Εθνικού Σοσιαλιστικού Κόμματος και τα ολοένα και πιο βίαια ιδεώδη που εκδηλώνονται ως φαύλος όγκος στις κατηγορίες των ανθρώπων . Η παράσταση του Peter Lorre, πλούσια με πάθος και βασανισμένους ανθρωπισμούς, βοηθά το σφυρηλατημένο σπίτι της βαθιάς εξαπάτησης του «M’- που παραμένει αμετάβλητα ακόμη και μέχρι σήμερα.

51. 12 Angry Men (1957)

Η απάντηση για το αν το αγόρι ήταν ένοχο ή όχι, δεν θα ξέρουμε ποτέ. Αλλά ένα πράγμα που το 12 Angry Men επιβεβαιώνει είναι ότι η λογική θα κυριαρχεί πάντα στη διαίσθηση, αν υπάρχει ένας λογικός άνθρωπος μέσα σε έναν κόσμο ανόητων. Και είναι η ανοησία ασθένεια ή απλώς υποπροϊόν της άγνοιας; Το δράμα του Sidney Lumet δεν σας ζητά να χρησιμοποιήσετε τον εγκέφαλό σας πάνω από την καρδιά, αλλά προσπαθείτε να φτάσετε σε ένα σημείο όπου μπορείτε να λάβετε μια απόφαση, και οι δύο συνεργάζονται. Μαζί με το συναρπαστικό σενάριό του, που βρίσκεται με υπερηφάνεια στο πρόγραμμα σπουδών κάθε σχολής κινηματογράφου σε όλο τον κόσμο, το camerawork και η σκηνική είναι ακριβώς έξω από ένα κλασικό ιαπωνικό New Wave. Το 12 Angry Men είναι ένα μνημείο του American Cinema με μια αξέχαστη παράσταση από το cast.

50. City Lights (1931)

Δεν έχουν πολλοί πρώτοι σκηνοθέτες την αναγνώριση και τη δημοτικότητα στη σημερινή κουλτούρα που απολαμβάνει ο Τσάπλιν. Αυτό θα μπορούσε να οφείλεται σε πολλούς λόγους. Οι ταινίες του μιλούν στον κάθε άνθρωπο και είναι ξεκαρδιστικά ξεκαρδιστικές, αλλά περισσότερο από αυτό, οι ιστορίες του βλέπουν μελαγχολικές καταστάσεις σε ένα χιουμοριστικό φως. Αυτή είναι η περίπτωση με την οποία είναι ίσως η πιο προσωπική του εικόνα, «City Lights», η οποία λέει την ιστορία ενός τραμ και τις προσπάθειές του να εντυπωσιάσει καθώς και να βοηθήσει μια φτωχή τυφλή παρθένα. Το κάνει κάτω από μια πρόσοψη, προσποιείται ότι είναι πλούσιος για να τραβήξει την προσοχή της, αλλά αντιμετωπίζει προβλήματα ενώ το κάνει. Όταν μια ταινία συνεχίζει να είναι εξίσου αστεία και συγκινητική στη σημερινή εποχή, όπως ήταν πριν από 75 χρόνια, αυτό συνήθως σημαίνει ότι υπάρχει κάτι που κάνει σωστά. Το «City Lights» άφησε το σημάδι του στον κόσμο με την απεικόνιση της φτώχειας και της ζωής κατά τη διάρκεια των δύσκολων χρόνων της κατάθλιψης, η οποία είναι τόσο καλά εκτελεστή και ένιωσε ότι ποτέ δεν αποτυγχάνει να μετακινήσει το κοινό, ενώ ταυτόχρονα τους δίνει ελπίδα για ένα καλύτερο αύριο.

49. Ελάτε και δείτε (1985)

Το δεύτερο μισό μιας απίστευτα εξειδικευμένης ομάδας δημιουργίας ταινιών, ο σκηνοθέτης Elem Kilmov παντρεύτηκε τη Larisa Shepitko - το φωτεινό βιρτουόζο πίσω από το 'Wings' και το 'The Ascent'. Όταν πέθανε τόσο δυστυχώς σε αυτοκινητιστικό δυστύχημα, η Kilmov ολοκλήρωσε τη δουλειά της στο εξαιρετικό ημιτελές έργο της «Αντίο» (το οποίο θα μπορούσε εύκολα να πάρει αυτό το μέρος) - και νομίζω ότι αυτό που κάνει όλο αυτό το πλαίσιο τόσο ισχυρό είναι ο τρόπος με τον οποίο εξαφανίζεται η θλίψη του άνδρα κάθε πλαίσιο της δουλειάς του. Ο κινηματογράφος του Kilmov βλέπει με ανεξέλεγκτη οργή και απελπισία: Hulking στο δικό του συντριπτικό βάρος συναισθημάτων - και λίγες ταινίες που έχουν φτιαχτεί ποτέ έχουν παλμήσει με τόσο ισχυρό συναίσθημα όσο Ελα να δεις . Αναμφισβήτητα, το η καλύτερη πολεμική ταινία που έγινε ποτέ, η απερίγραπτη απεικόνισή της για την εισβολή του Wehrmacht στη Λευκορωσία με τις εκκωφαντικές εκρήξεις, τα εφιαλτικά γραφικά και έναν κόσμο που σιγά σιγά στραγγίζεται από τη ζωή - οι σκηνές της γυρίστηκαν σε ένα πανέμορφο, κοίλο φως. Ωστόσο, σε όλη αυτή την αγωνία, ο Kilmov βρίσκει το δρόμο του για κατανόηση στο υπερβατικά ώριμο συμπέρασμα. Ίσως, στη δέσμευσή του να μελετήσει την προσωρινή ζωή, επιτέλους βρίσκει τη δύναμη να θάψει τα οστά της αείμνηστου συζύγου του. Κάποιος μπορεί να ελπίζει.

48. Η έβδομη σφραγίδα (1957)

Από τις πρώτες εικόνες του εμβληματικού εγγράφου του Bergman για την πίστη, τον φόβο και την ικανοποίηση, υπάρχει ένα ξόρκι. Η έντονη, κοκκώδης ματιά στη θάλασσα, την ακτή και πάνω του ένας θαρραλέος ιππότης και η μοιραία του συνάντηση με την προσωποποίηση του θανάτου, καθορίζει τη σαφήνεια του αντικειμένου της ταινίας, ακόμα κι αν αφήνει περιθώρια για μια σαγηνευτική, σχεδόν τρομακτική αμφισημία που θα εμφανίζεται συνεχώς. Επωφελούμενη από μια μαγνητική παράσταση από τον ασύγκριτο Max von Sydow και μια ομάδα ηθοποιών που ανεβάζουν το εκπληκτικό υλικό του Bergman, με βάση το έργο του, 'Wood Painting', σε απροσδόκητα επίπεδα, το 'The Seventh Seal' στα ελάχιστα 90 λεπτά του έχει την επίδραση του ένας παλιός μύθος που πέρασε από γενιά σε γενιά που προωθεί τη φαντασία πολύ πιο εκτεταμένη από ό, τι η ίδια ελπίζει να συγκρατήσει. Το αστραφτερό, τραγανό ασπρόμαυρο Gunnar Fischer διασφαλίζει ότι η έντονη ένταση σέρνεται κάτω από το δέρμα μας. Η ρευστότητα που μοιάζει με ροή είναι αποτέλεσμα μιας αφήγησης που ξετυλίγεται με υπέροχη εμπιστοσύνη και μια απτή ισορροπία. Μπορεί να είναι μια πολύ απλή ιστορία, που ωστόσο φιλοξενεί πολύτιμες ιδέες στο στήθος της, αλλά είναι ραμμένη με ένα ύφασμα τόσο περίπλοκο και τολμηρό, δεν μπορείτε παρά να το κοιτάξετε ξανά και ξανά για να μεταφραστεί σε μια διαρκή μνήμη.

47. La Dolce Vita (1960)

Ο βιρτουόζος του Fellini είναι προσεκτικός, υπομονετικός και μαλακός ποιητής, σε πλήρη προβολή στον νικητή του Palme d'Or, ο οποίος με την ψυχρή και σκιερή του αίγλη αποτυπώνει έναν τρόπο ζωής που φαίνεται πολύ αόριστος και με κάποιους τρόπους, πολύ πραγματικός. Ο ρυθμός του υπογραμμίζει την αίσθηση του στόχου του πρωταγωνιστή και μας υποχρεώνει να κολυμπήσουμε στη συμφωνική διάταξη της ζωντάνιας της ζωής και του πόσο φευγαλέα είναι όλα. Αυτός ο πρωταγωνιστής παίζεται από τον καλύτερο καριέρα Marcello Mastroianni, ο οποίος χρησιμοποιεί αυτό το δώρο χρόνου για να γεμίσει τα μάτια του με μια ακαταμάχητη παγκόσμια αδυναμία. Η αμφισβήτηση της σημασίας ορισμένων τμημάτων της «La Dolce Vita» που μπορεί να φαίνεται στερημένη από φιλοσοφική σημασία ή αφηγηματική σημασία είναι να απορρίψουμε τη δυνατότητα να αφήσετε τις πικάντικες λεπτομέρειες να σας ξεπλύνουν και στη συνέχεια να σκεφτείτε τις συνέπειες. Καθώς το ουράνιο σκορ του Νίνο Ρότα μας φέρνει στον ζαλισμένο κόσμο της Ρώμης, όπως φαίνεται από το απατηλό μάτι του Φελίνι, βλέπετε μόνο αυτό που θέλει να δείτε και γίνεται γρήγορα αυτό που θέλετε να δείτε επίσης.

46. ​​Ψυχο (1960)

Τα ανθρώπινα όντα, στην καλύτερη περίπτωση μπορούν να περιγραφούν ως παράξενα. Το ανθρώπινο μυαλό που είναι ικανό για πολλά εκπληκτικά πράγματα, είναι επίσης ικανό να εκφυλιστεί σε πέρα ​​από την κατανόηση. Το «Ψυχο» του Άλφρεντ Χίτσκοκ δεν χρειάζεται γνωριμίες καθώς κρατά ψηλά το κεφάλι του, στη μέση των διαχρονικών κινηματογράφων. Εκτός από το ότι είναι κλασικό, είναι επίσης ένα θλιβερό σχόλιο για την αποτυχημένη ηθική των ανθρώπων. Και δεν σας ενδιαφέρει ο Norman Bates! Η καυστική λαβή της κυρίας Μπέιτς που έβαλε τη ζωή του Νορμανδού σε αδιέξοδο μέχρι την παιδική του ηλικία και τελικά την ενηλικίωση είναι μια υπενθύμιση του πώς η αγάπη μπορεί να είναι ασφυκτική. Είναι γνωστό ότι ο κ. Χίτσκοκ υιοθέτησε παράξενες πολιτικές για το «Psycho», οι οποίες περιελάμβαναν να μην επιτρέπεται στους νεοεισερχόμενους στην ταινία. Υιοθετήθηκε για να εξασφαλίσει πλήρη δικαιοσύνη στην παλλόμενη σκηνή της κορύφωσης της ταινίας. Ένα θρίλερ στην πιο αληθινή του μορφή, το «Psycho» είναι μια ιστορία ενός γιου, της μητέρας του και του ανθυγιεινού δεσμού της κατοχής τους. Ο Χίτσκοκ φρουρούσε τόσο έντονα για το φινάλε, που προώθησε την ταινία αυτή τη γραμμή ετικέτας - 'Μην δώσετε το τέλος - Είναι το μόνο που έχουμε!'

45. Solaris (1972)

Το «Solaris» του Tarkovsky μοιάζει πολύ με τα φαινόμενα που απεικονίζονται στην ταινία. Από το να με προβληματίζει με τη βαθιά ριζωμένη ιδέα του, να εξελιχθεί σε μια οντότητα με την οποία δεν μπορώ να χωρίσω, είναι μια εμπειρία που με κάνει να αναρωτιέμαι για την αδιανόητη φύση κάθε μορίου που αποτελεί το σύμπαν. Ίσως γνωρίζουμε τις επιστημονικές διαστάσεις, αλλά μπορεί κάποιο όργανο να υπολογίσει την ποσότητα της αγάπης ή της θλίψης που κρατάει κανείς σε ένα νανογραμμάριο της καρδιάς; Μπορεί να βρει κάτι το εγκεφαλικό κύτταρο όπου βρίσκεται μια αξέχαστη μνήμη; Από τη μαγευτική μουσική του Bach στην αρχική σειρά έως την πολυετή σκηνή του αυτοκινητόδρομου, η χρήση του χρόνου από τον Tarkovsky για να αποσπάσει τον θεατή από τη λειτουργία ενός κανονικού κόσμου είναι αριστοτεχνική. Το Solaris είναι μια σφαίρα όπου τα συναισθήματα σάς στέλνουν για μια περιστροφή με τρέλα, αλλά ποιος δεν θα ξεγελάσει όταν η παραφροσύνη είναι όμορφη στην αφή και αρκετά σπλαχνική για να σας απαλλάξει από τον εαυτό σας.

44. Λίστα Schindler (1993)

Μια σημαντική ταινία που επωφελείται πολύ από την αίσθηση του Spielberg για τη δραματική, είναι εξίσου ενοχλητική και ευαίσθητη εμπειρία για τον εαυτό της. Η ταινία είναι, όπως και πολλοί άλλοι σε αυτήν τη λίστα, ένα masterclass σε κάτι που μου αρέσει να ονομάζω απλοϊκή, εντυπωσιακή αφήγηση. Η αφήγηση ακολουθεί τον Oskar Schindler, έναν Γερμανό επιχειρηματία που έσωσε τις ζωές περισσότερων από χίλιων Εβραίων με την απασχόλησή τους στα εργοστάσιά του κατά το Ολοκαύτωμα. Και οι τρεις πρωταγωνιστές, ο Liam Neeson ως Oskar Schindler, ο Ralph Fiennes ως ο Amon Goth και ο Ben Kingsley ως Itzhak Stern είναι σε καταπληκτική φόρμα, μετατρέποντας τις πιο ειλικρινείς παραστάσεις. Μια σκηνή ιδιαίτερα προς το τέλος της ταινίας, όπου ο Σίντλερ καταρρέει, λαμβάνοντας υπόψη πόσες περισσότερες ζωές θα μπορούσε να έχει σώσει, κινείται βαθιά και παραμένει χαραγμένη στο μυαλό μου ως μία από τις πιο ισχυρές σκηνές της καρδιάς. Το γεγονός ότι η ταινία γυρίστηκε σε ασπρόμαυρο, με σπάνια, περιστασιακή χρήση χρώματος για να συμβολίσει ή να επισημάνει ένα σημαντικό στοιχείο, αυξάνει την εμπειρία. Εύκολα, η καλύτερη ταινία του Spielberg, παραμένει μια ουσιαστική εμπειρία προβολής ταινιών.

43. Λόρενς Αραβίας (1962)

Ο κινηματογράφος ως μέσο συνεχίζει να μεγαλώνει. Με την τεχνολογία αιχμής που έχουν στη διάθεσή τους, οι σημερινοί κινηματογραφιστές μας προσφέρουν μερικές σπλαχνικές κινηματογραφικές εμπειρίες. Αλλά υπάρχουν κάποιες ταινίες που έγιναν πριν το CGI βρισκόταν στη μόδα, του οποίου η καθαρή και μνημειακή κλίμακα δεν βρήκε ομότιμο. Το επικό ιστορικό δράμα του David Lean βασισμένο στη ζωή του Τ. Ε. Λόρενς , μια από τις πιο γνωστές προσωπικότητες της Βρετανίας, είναι μια τέτοια ταινία. Πρωταγωνιστεί ο Pater O'Toole ως Lawrence και χρονολογεί τις περιπέτειες του στην Αραβική Χερσόνησο κατά τη διάρκεια του Α 'Παγκοσμίου Πολέμου. Ακριβώς από το ξεκίνημα, ο David Lean ζωγραφίζει μια λαμπρή κινούμενη εικόνα της άπειρης ερήμου σε όλη της τη δόξα, με τη βοήθεια του κινηματογραφιστή Freddie Young και ένα εντυπωσιακό σκορ από τον Maurice Jarre. Αλλά σε καμία περίπτωση δεν θυσιάζει το συναίσθημα για υπερβολές. Στην καρδιά του, το «Lawrence of Arabia» είναι μια εκπληκτική μελέτη χαρακτήρων του Lawrence - οι συναισθηματικοί του αγώνες με την προσωπική βία που ενυπάρχει στον πόλεμο, τη δική του ταυτότητα και τη διαιρεμένη πίστη του μεταξύ της πατρίδας του στη Βρετανία και του στρατού του και των νεοσύστατων συντρόφων του εντός οι αραβικές φυλές της ερήμου. Αυτή η καλή ποιότητα καθιστά το «Lawrence Of Arabia» μία από τις πιο σημαντικές ταινίες που υπήρξαν ποτέ.

42. Οι ερευνητές (1956)

Αναμφισβήτητα η μεγαλύτερη δυτική που έγινε ποτέ, η καλύτερη ταινία της μεγάλης καριέρας του Τζον Φορντ, «The Searchers» είναι ένα αμερικανικό κλασικό, μεταξύ των καλύτερων ταινιών που αναδύθηκαν από τη δεκαετία του '50. Αν και θαυμάζονταν και σεβόταν εκείνη την εποχή, η σπασμωδική, τεράστια δύναμή της δεν αναγνωρίστηκε για μερικά χρόνια, αλλά στις αρχές της δεκαετίας του '70 χαιρέτισε ως κλασικό του είδους και ίσως το καλύτερο δυτικό που έγινε ποτέ. Σίγουρα ο χρόνος έχει διαβρώσει κάποια από τις δυνάμεις των ταινιών, αλλά όχι αυτή την εκπληκτική, μαζική παράσταση από τον Γουέιν, ούτε τον ρατσισμό μέσα στην ταινία που τροφοδοτεί τον θυμό και την οργή. Η αφηγηματική αφήγηση της ταινίας, ο Ethan και η αναζήτησή του είναι διαχρονική, τόσο ισχυρή σήμερα όσο ήταν τότε, ίσως μάλλον επειδή τόσα πολλά από τα λεπτά σημεία της ιστορίας είναι τώρα ξεκάθαρα.

41. Pather Panchali (1955)

Η ταινία που έφερε τον ινδικό κινηματογράφο στον κόσμο και έδωσε στον κινηματογράφο έναν από τους καλύτερους ηθοποιούς, τον Satyajit Ray. Βασισμένο στο μυθιστόρημα του Bibhutibhusan Bandopadhay, το «Pather Panchali» αφηγείται την ιστορία μιας φτωχής οικογένειας, προσπαθώντας να ευδοκιμήσει μέσα από πολλές αντιξοότητες της ζωής. Μπορεί κανείς να υποστηρίξει ότι ρομαντικοποιεί τη φτώχεια, καθώς ο θεατής βλέπει τις πολλές δοκιμασίες που αντιμετωπίζει η οικογένεια, κερδίζοντας τα προς το ζην. Παρ 'όλα αυτά, είναι οι στιγμές, διάσπαρτες με τη μουσική του μαέστρου Ravi Shankar που παραμένει με τον θεατή. Η στοργική σχέση μεταξύ της Appu και της αδερφής της Durga, η ακολουθία του τρένου που είναι ένα από τα κυριότερα σημεία της ταινίας, μεταφέρει την ταινία σε διαφορετικό επίπεδο. Το «Pather Panchali» με την πάροδο των ετών έχει γίνει μια από τις ταινίες λατρείας και εμφανίζεται τακτικά στους καταλόγους των μεγαλύτερων ταινιών όλων των εποχών, και αξίζει.

40. Καζαμπλάνκα (1942)

Η πεμπτουσία της αμερικανικής κλασικής ταινίας. Υπάρχει ίσως κάτι τόσο μολυσματικό για τη γοητεία του που ακόμα σας ερωτεύεται, ακόμη και όλα αυτά τα χρόνια. Εκτός από τον τεράστιο παράγοντα παρακολούθησης, το αξιομνημόνευτο σκορ του (As Time Goes By!) Και ο εξαιρετικά αξιόλογος διάλογος αποτελούν μια ισχυρή υπόθεση. Με απλά λόγια, είναι μια απόλαυση όταν όλα τα στοιχεία μιας εξαιρετικής κινηματογραφικής εμπειρίας υπάρχουν στα σωστά ποσά!

Το ιστορικό είναι απλό να το πούμε το λιγότερο, σχεδόν συνορεύει με το banal μερικές φορές. Ένας κυνικός, σπασμένος άνδρας που διαχειρίζεται το πιο διάσημο νυχτερινό κέντρο διασκέδασης στην Καζαμπλάνκα βρίσκεται σε σταυροδρόμι όταν η κυρία που αγαπούσε εμφανίστηκε με τον σύζυγό της. Οι συσκευές πλοκής εδώ είναι τα φημισμένα γράμματα διαμετακόμισης, αλλά η ιστορία είναι ακριβώς για τους δύο εραστές με φόντο τα πρώτα στάδια του Δευτέρου Παγκοσμίου Πολέμου και τη σκληρή απόφαση που αντιμετωπίζει ο χαρακτήρας του Μπογκάρτ, να κρεμάσει ή να αφήσει. Ωστόσο, όπως και με πολλές ταινίες αυτού του είδους, η εκτέλεση κάνει το τέχνασμα, μετατρέποντας την «Καζαμπλάνκα» σε ένα από τα πιο συναρπαστικά ρομαντικά δράματα όλων των εποχών που έχει επίσης απίστευτα καλή δράση. Οι Humphrey Bogart και Ingrid Bergman είναι κορυφαίοι και υποστηρίζονται από παίκτες όπως ο Paul Henreid, ο Claude Rains και ο Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Όταν βλέπουμε τον κινηματογράφο ως μια τέχνη, δεν υπάρχει αμφιβολία ότι η τελειότητα του Barry Lyndon, από την όμορφη κινηματογραφία, μαγευτικά σκηνικά, εξαιρετική μουσική έως ισχυρή κατεύθυνση. Ως ιστορία, μιλά για τη ζωή ενός νεαρού άνδρα στην Ευρώπη του 18ου αιώνα καθώς ανεβαίνει τα βήματα προς την αριστοκρατία, μόνο για να οδηγήσει πίσω από την κακοτυχία του. Η εικόνα έχει από μόνη της μερικές από τις μεγαλύτερες σκηνές που έχουν γυριστεί ποτέ, κάνοντας εντυπωσιακές χρήσεις φωτός, χρωμάτων, φυσικών χαρακτηριστικών κ.λπ. Δεν υπάρχει καλύτερος τρόπος να συνοψίσουμε τη ζωή ενός ατόμου από το να το δούμε αντικειμενικά, και αυτό είναι που αυτή η ταινία έκανε χρησιμοποιώντας έναν αναξιόπιστο αφηγητή. Είναι κρύο και μακρινό, σπάνια δίνει στο κοινό την ευκαιρία να νιώσει για τον πρωταγωνιστή. Από αυτή την προοπτική, Μπάρι Λίντον είναι μια πλούσια μελέτη χαρακτήρων, με πλούσιους χαρακτήρες, μια ρεαλιστική πινελιά και έναν ποιητικό τρόπο επικοινωνίας συναισθημάτων. Είναι απλώς ο καλύτερος κινηματογράφος.

38. Ο στρατηγός

Ένας από τους παλαιότερους τίτλους της λίστας, 'The General' χρησιμεύει ως υπενθύμιση ότι πολλά μοντέρνα έργα τέχνης κάθονται σε μια πολύ μακρά σκιά - από κανέναν άλλο από τη σιωπηλή ιδιοφυΐα κωμωδίας Buster Keaton. Με ένα έργο τόσο εντυπωσιακό όσο και τον Τσάρλι Τσάπλιν, ο αξιαγάπητος τραμπ του τελευταίου καλλιτέχνη ανταλλάσσει θέσεις με μια ιπποδρομία με ευχάριστα ανόητους χαρακτήρες στην περίπτωση του Keaton. όλα περιτριγυρισμένα από έντονες κινηματογραφικές περιέργειες που απλώνουν τα όρια του μέσου σε ταινίες όπως ο Σέρλοκ Τζούνιορ και ο Κάμεραμαν. Όλα αυτά χωρίς καν να αναφέρω το μεγαλοπρεπές του έργο, ο Γενικός του 1927: Ακολουθώντας έναν Συνομοσπονδιακό μηχανικό που βιάζεται να προειδοποιήσει την πλευρά του για τα προχωρημένα στρατεύματα της Ένωσης κατά τον Αμερικανικό Εμφύλιο Πόλεμο. Η αφήγησή του αποτελεί πρότυπο για το πρόσφατο 'Mad Max: Fury Road' του George Miller και σχεδόν κάθε ταινία γάτας και ποντικιού που έχει φτιαχτεί ποτέ, αντέχει με την ξεκαρδιστική κωμωδία, τα εντυπωσιακά ειδικά εφέ και το bravado stuntwork που βλέπει τον Keaton να θέτει τη ζωή του σε κίνδυνο περισσότερο από μια φορά όλα για τη λατρεία του αγαπημένου του κοινού. Ο στρατηγός παραμένει μια, αν όχι η, καλύτερη ταινία δράσης που έχει κατασκευαστεί ποτέ - που έχει διασκέδαση με κάθε ουγγιά της ύπαρξής της και καταφέρνει να καλέσει τόσες πολλές εξαιρετικά χειρισμένες στιγμές επικής κλίμακας για να ανταγωνιστεί κάθε ρομπότ που έχει φορτωθεί με CG σήμερα.

37. Blow Up (1966)

Η ωρα ? Η ταλάντευση της δεκαετίας του εξήντα. Το μέρος? Λονδίνο. Η πόλη που θαμπώνει και θαμπώνει. Ζωντανή και λαμπερή. Σεξ, ναρκωτικά και Rock'N'Roll. Συνολικά, μια μέρα στη ζωή του Thomas, ενός φωτογράφου μόδας που ζει μια ζωή, ας πούμε λοιπόν αμφίβολη ηθική. Σε μια μέρα γεμάτη από γεγονότα, ενώ περνούσε τις φωτογραφίες ενός ζευγαριού που συνέλαβε μάλλον κρυφά σε ένα πάρκο, ανακαλύπτει ένα πτώμα μέσα του. Πηγαίνει στο ίδιο μέρος και βρίσκει το σώμα να είναι ο άντρας του ζευγαριού. Φοβισμένος, επιστρέφει στο στούντιο του για να το βρει, αλλά με μια φωτογραφία αριστερά, αυτή του πτώματος. Την επόμενη μέρα, το σώμα εξαφανίζεται. Ποιος τον σκότωσε; Και γιατί το σώμα εξαφανίστηκε; Γιατί ο Τόμας ένιωσε ότι τον παρακολουθεί; Το «Blow Up» είναι η κλασική πράξη του σκηνοθέτη Michelangelo Antonioni που έχει εμπνεύσει πολλούς κινηματογραφιστές τα χρόνια, συμπεριλαμβανομένων των Brian De Palma και Francis Ford Coppola.

36. Αιώνια ηλιοφάνεια του πεντακάθαρου μυαλού (2003)

Η ζαλιστική, σουρεαλιστική επιφάνεια της αγάπης και της καρδιάς δεν έχει διερευνηθεί ποτέ με τον τρόπο και τον βαθμό επιτυχίας με τον οποίο κάνει το «Eternal Sunshine of the Spotless Mind». Πλούσια με όμορφες εικόνες και εφευρετική βαθμολογία παρόμοια με το soundtrack σιωπηλής εποχής, είναι αδύνατο να εξηγήσουμε τα πάντα για το 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Χωρίς αμφιβολία, η ταινία είναι στρωμένη με μια δύσκολη αφήγηση - αν και στην πραγματικότητα, είναι απλή μόλις αρχίσετε να παρακολουθείτε - είναι μία από αυτές τις ταινίες που είναι εξαιρετικά ανταμείβοντας απλώς και μόνο επειδή δεν μπορείτε να σταματήσετε από τον εαυτό σας από το να σκέφτεστε την πολύ στοχαστική ιδέα και τη βαθιά συγκινητική ταινία που είναι. Αλλά το πραγματικό αστέρι της παράστασης είναι ο συγγραφέας του, Τσάρλι Κούφμαν , ο οποίος με τη μορφή «Eternal Sunshine of the Spotless Mind», θα μπορούσε κάλλιστα να έχει γράψει το πιο λαμπρό σενάριο ποτέ στην κινηματογραφική ιστορία. Μια ταινία που δεν είναι μόνο μοναδική με τον δικό της τρόπο, αλλά και ατελείωτα παρακολουθείται με κάτι νέο που μπορεί να βρεθεί σε κάθε προβολή.

35. Οδηγός ταξί (1976)

Στο 'Taxi Driver', ο Martin Scorsese μας δίνει έναν από τους πιο ενοχλημένους, απίθανους αλλά ιδιότροπους πρωταγωνιστές της εποχής μας στο Travis Bickle. Η ταινία τον ακολουθεί καθώς γίνεται οδηγός ταξί για να αντιμετωπίσει την αϋπνία του και τον βλέπει να ξεπεράζεται αργά από όλη την τρέλα στην πόλη γύρω του. Ο πραγματικός τρόπος που κερδίζει το Taxi Driver ως ταινία είναι το πώς καταφέρνει να σκαρφαλώσει σε εσάς, δουλεύοντας σιγά-σιγά μέσα από το χάος και τη φρίκη που φαίνεται να αντιμετωπίζει τον Travis Bickle. Σε αυτό, κερδίζει σωστά τη διάκρισή του ως ψυχολογικό θρίλερ περισσότερο από ένα δράμα, δουλεύοντας συχνά σε περισσότερα επίπεδα από απλά τα δύο. Η ταινία μπορεί να είναι ένα ενοχλητικό ρολόι για μερικούς, λόγω του σκοτεινού αντικειμένου της, μιας ακόμη πιο σκοτεινής μεταχείρισης και μιας χούφτας βίας, αλλά για τους θεατές που επιθυμούν να το περάσουν, δεν είναι τίποτα λιγότερο από μια λαμπρή προσπάθεια κατανόησης του μέρους του ανθρώπινη ψυχή που συχνά πηγάζει με τη μορφή επαγρύπνησης. Θέλω να πω, ποιος δεν μπερδεύει να σηκωθεί το λάθος της εποχής μας και να το δώσει πίσω; Είναι αυτή η βαθιά φαντασία εκπλήρωσης επιθυμιών που παίζουν τα παιχνίδια «Taxi Driver» με έναν πολύ αποτελεσματικό τρόπο. Η ταινία θεωρείται πλέον ευρέως ως μία από τις πιο σημαντικές ταινίες που έχουν γίνει ποτέ και εισήγαγε τον κόσμο στη δύναμη που ήταν η Σκορσέζικη.

34. Paths Of Glory (1957)

Πριν ο Stanley Kubrick προχώρησε για να εξερευνήσει τις ανεξήγητες πτυχές της κοινωνίας που όχι μόνο ξεπέρασαν το χρόνο, αλλά και τις προσδοκίες των θεατών από τους εαυτούς τους, έφτιαξε αυτό το συναρπαστικό πολεμικό κομμάτι που κατατάσσω δίπλα στο «Come and See». Σε αντίθεση με το τελευταίο, το Paths of Glory εξάγει τη θλιβερή απόδοση του WW από την ίδια ρηχή ανθρωπότητα, που κυριάρχησε στα τελευταία έργα του Kubrick. Στον κόσμο του Kubrick, οι δαίμονες δεν καλύπτονται από αίμα και λάσπη, αλλά με μετάλλια και υπερηφάνεια, και η κόλαση μπαίνει στα πιο ιερά μέρη, το γήπεδο. Σε μια εποχή που η βιομηχανία είχε υιοθετήσει τις ελκυστικές 3 λωρίδες, το μονόχρωμο Kubrick ζωγράφισε τον πόλεμο με μία μόνο σκιά. Τα σώματα, τα κουρέλια, οι στρατώνες, ο καπνός, η τέφρα, όλα καλύπτονται με το κοινό θέαμα της αγωνίας.

33. Three Colors: Κόκκινο (1994)

Το πιο θλιβερό μέρος του θανάτου ενός καλλιτέχνη είναι όταν νομίζετε ότι το τελικό έργο τους είναι το μεγαλύτερο τους ποτέ. Αυτό συνέβη με τον Πολωνό αυθέρο Krzysztof Kieslowski και την τελευταία του ταινία «Red». Ο Kieslowski είχε ήδη ανακοινώσει τη συνταξιοδότησή του από τη σκηνοθεσία μετά την πρεμιέρα της ταινίας στις Κάννες το 1994, αλλά είναι η τραγική του κατάρρευση σχεδόν δύο χρόνια μετά την ανακοίνωση της αποχώρησής του που το καθιστά ακόμη πιο θλιβερό. Το «Red» είναι η τελευταία δόση στην τριλογία του «Three Colors» και είναι για μια νεαρή γυναίκα που συναντά μια ηλικιωμένη γυναίκα αφού χτυπήσει κατά λάθος το σκύλο του με το αυτοκίνητό της. Ο γέρος είναι συνταξιούχος δικαστής, αποκολλημένος από τη ζωή και κάθε είδους συναισθήματα και ξοδεύει τον χρόνο του για κατασκοπεία σε άλλους ανθρώπους. Ένας απίθανος δεσμός με λεπτές ρομαντικές αποχρώσεις αναπτύσσεται μεταξύ των δύο. Το «Κόκκινο» αφορά τις πιθανότητες και τις συμπτώσεις που μας χτυπούν καθημερινά και την αποτυχία μας να αναγνωρίσουμε την ομορφιά και τη σημασία της. Υπάρχει μια ανεξήγητη αίσθηση μελαγχολίας που τρέχει σε ολόκληρη την ταινία σχετικά με την τραγωδία του ανθρώπινου πεπρωμένου και του χρόνου και πώς εμείς ως άνθρωποι στον κόσμο είμαστε όλοι συνδεδεμένοι με τον έναν ή τον άλλο τρόπο. Το «Red» είναι ένα εκπληκτικό επίτευγμα στη δημιουργία ταινιών και είναι απλώς μια από τις μεγαλύτερες ταινίες που έχουν γίνει ποτέ.

32. Ο Θησαυρός της Σιέρα Μαντρ (1948)

Όπως υποδηλώνει το όνομα, συχνά συνδέουμε τα κυνήγι θησαυρού με την παλλόμενη περιπέτεια και την αδρεναλίνη που σχετίζεται με αυτό. Υπάρχουν όμως πολύ λίγες ιστορίες που μιλούν για τα συναισθήματα που περνούν οι άνθρωποι ενώ ξεκινούν ένα ταξίδι για να πάρουν αυτόν τον χρυσό. Λέγεται συχνά ότι η δυσκολία αναδεικνύει τον αληθινό σας χαρακτήρα. Το «The Treasure Of Sierra Madre» αφηγείται μια ιστορία όπου η λαχτάρα για το χρυσό φέρνει δυσάρεστες αλλαγές στους χαρακτήρες, με αποτέλεσμα τελικά την ατομική τους ερήμωση. Ενώ το επίκεντρο είναι η απληστία που καταστρέφει τη συνείδηση, είναι η μελέτη του ανθρώπινου χαρακτήρα κάτω από αντίξοες καταστάσεις που παραμένει στον θεατή. Μια τραγική ιστορία απληστίας και προδοσίας, αυτή η ταινία κέρδισε το βραβείο ακαδημίας για τον καλύτερο σκηνοθέτη, το καλύτερα προσαρμοσμένο σενάριο και τον καλύτερο ηθοποιό. Με την πάροδο των ετών, αυτό έχει γίνει ένα κλασικό λατρείας για τους λάτρεις του σινεμά σε όλο τον κόσμο.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, ένας όρος που αναφέρεται στα περιοδικά ή τα βιβλία που επισημαίνουν την κορυφαία βία, το σεξ και το έγκλημα. Αυτά τα στοιχεία έκαναν τα περιοδικά να πωλούνται σαν ζεστές τηγανίτες. Ο Ταραντίνο πήρε αυτά τα στοιχεία, τα ανάμειξε σε τρεις ιστορίες και δημιούργησε μια αφήγηση που δεν ήταν παρά μια κινηματογραφική ιδιοφυΐα. Μία από τις πιο μοναδικές ταινίες ποπ κουλτούρας που έχει δημιουργηθεί, ο θεατής μπαίνει στον κόσμο του χάντρες του όχλου Vincent Vega, του συντρόφου του στο έγκλημα και του κινητήρα Jules Winnfield, της συζύγου του γκάνγκστερ Mia Wallace, του μπόξερ Butch Coolidge και εκπλήσσεται με η κομψή αντιμετώπιση του εγκλήματος και της βίας. Μια από τις πιο σημαντικές πτυχές της ταινίας που συνέβαλε στην επιτυχία της ήταν η παράσταση του Samuel L Jackson. Ως χτύπημα Τζουλς Γουίνφιλντ που αναφέρει στίχους της Βίβλου ως σημεία διάτρησης, ήταν φανταστικός. Μία από τις μεγαλύτερες ταινίες αυτής της εποχής, το «Pulp Fiction» έχει γίνει βιβλίο για τους επίδοξους κινηματογραφιστές παγκοσμίως.

30. Η Μάχη του Αλγέρι (1966)

Λίγες ταινίες έχουν ασκήσει το βάρος της πολιτικής με τρόπο που εμπλουτίζει το κινηματογραφικό τους αποτέλεσμα, αλλά το αφήνουν στον εμπνευσμένο ιταλικό μαέστρο Gillo Pontecorvo να πάρει το ακόμα αναμμένο σημείο ανάφλεξης της γαλλικής αποικιακής καταπίεσης της δεκαετίας του '50 από τον αλγερινό λαό και να το μετατρέψει σε κάτι εντελώς συναρπαστικό. Η ακόμα προϊστορία παραλληλίζει την αξιοθαύμαστα ουδέτερη παρατήρηση του Πόντεκορβο για την τρομοκρατία και την τρομοκρατία που διαπράττονται από τις δύο πλευρές, καθιστά την εμπειρία της «Μάχης του Αλγέρι» μια συναρπαστική πνευματική πρόκληση για την κατανόησή μας για τον ασπρόμαυρο πόλεμο, καθώς και την επιβλητική ψυχρότητα των Μικλών Η ανεξίτηλη φιλμογραφία του Jancsó. Επιπλέον, οι τεχνικές επεξεργασίας ειδησεογραφικών ειδήσεων αποτελούν ορόσημο στην κινηματογραφική επικοινωνία και στο μυαλό μου έγινε πολύ πιο δυνατή χρήση των φρενών τεχνικών κοπής του Nouvelle Vague από πολλά από τα εξερευνητικά mastheads. Μόλις το δούμε, δεν ξεχνάμε ποτέ - «Η Μάχη του Αλγέρι» είναι απλά ένα σπέρμα κομμάτι του παγκόσμιου κινηματογράφου.

29. Goodfellas (1990)

Είναι το όνειρο του σκηνοθέτη να δημιουργήσει μια ταινία εποχής στην περίοδο που έχει δημιουργηθεί. Αλλά για τον Martin Scorsese, είναι συνήθεια. Για κάθε δεκαετία υπήρξε A-Lister, έκανε μια ταινία που θεωρείται από τις μεγαλύτερες της εποχής. Έκανε το «Taxi Driver» στη δεκαετία του 1970, το «Raging Bull» στη δεκαετία του 1980, το «Goodfellas» στη δεκαετία του 1990, το «The Departed» στη δεκαετία του 2000 και το «The Wolf Of Wall Street» το 2010. Και είναι το δράμα γκάνγκστερ του 1990 που βασίζεται στην αληθινή ιστορία του συνεργάτη του Χίμπρι Χιλ, το οποίο έγινε ένα από τα σημεία αναφοράς του είδους. Η ταινία, που αφηγήθηκε στο πρώτο πρόσωπο από τον Χιλ, χρονολογεί την άνοδο και την πτώση του ως μέρος της μαφίας της Νέας Υόρκης από το 1955 έως το 1980. Σε αντίθεση με όλες τις υπερβολές του γκάνγκστερ στο 'Godfather' ή στο 'Scarface', η συμφωνία 'Goodfellas' αυθεντικές λεπτομέρειες της καθημερινής ζωής γκάνγκστερ, εστιάζοντας τόσο στην εστίαση στη σχέση του Hill με τη σύζυγό του, Karen όσο και των εκμεταλλεύσεών του με τους συμπαίκτες του. Όμως ο Σκορσέζε χρησιμοποιεί όλα τα βέλη στον κόλπο των κόλπων του για να κάνει αυτή την υπόθεση δελεαστική, σαν αυτή η θρυλική μακρά παρακολούθηση , έναν αξέχαστο διάλογο και μια εκρηκτική πράξη από τον Joe Pesci ως Tommy DeVito, θυελλώδη συνεργάτη του Hill. Όσον αφορά το είδος του εγκλήματος, το 'Goodfellas' είναι τόσο καλό όσο γίνεται.

28. Raging Bull (1980)

Ο Martin Scorsese είναι γνωστός για την απεικόνιση ιστοριών σπασμένων, ελαττωματικών, συχνά αυτοκαταστροφικών πρωταγωνιστών στις ταινίες του. Και έχει συχνά καθαρίσει τα ιστορικά της ιστορίας για να βρει τους πεσμένους ήρωές του σε αληθινές ιστορίες. Το «Raging Bull» είναι η ιστορία της ζωής του θρυλικού μπόξερ Jake LaMotta, του οποίου η αυτοκαταστροφική και εμμονική οργή, η σεξουαλική ζήλια και η ζωική όρεξη, η οποία τον είχε κάνει πρωταθλητή στο δαχτυλίδι, κατέστρεψε τη σχέση του με τη γυναίκα και την οικογένειά του. Η ταινία γυρίστηκε εξ ολοκλήρου σε ασπρόμαυρο, για να απεικονίσει αληθινά την εποχή στην οποία βρισκόταν και τη σκοτεινή, καταθλιπτική διάθεση που καθόρισε. Ο Σκορσέζε περίμενε ότι αυτό θα ήταν το τελικό του έργο. Έτσι, απαιτούσε επίπονα στη σκηνοθεσία του. Εξίσου αφιερωμένος ήταν ο Ρόμπερτ Ντε Νίρο, ο οποίος πρωταγωνίστησε στον τίτλο του ρόλου. Κέρδισε 60 κιλά και πραγματικά εκπαιδεύτηκε ως μπόξερ. Απορροφά τους βραχυκυκλωμένους τρόπους του LaMotta με φλογερή τελειότητα καθώς βυθίζεται πλήρως στον χαρακτήρα. Έλαβε έναν άξιο για τα προβλήματά του. Αυτός είναι ο μεγαλύτερος θρίαμβος του Scorsese-De Niro. Ένα έντονο, δυνατό magnum opus.

27. Ο Νονός: Μέρος II (1974)

Στην ιστορία των δεύτερων δόσεων, λίγες ταινίες ήταν γνωστό ότι ζουν μέχρι τη δόξα της πρώτης, αφήνοντας μόνες τους να ξεπεράσουν σε ορισμένες πτυχές. Εάν δημιουργηθεί μια λίστα που περιλαμβάνει τέτοιες ταινίες, το 'The Godfather: Part II' θα είναι το στεφάνι του. Το να ανταποκριθούμε στην κληρονομιά του πρώτου ήταν ένα τεράστιο καθήκον από μόνο του, αλλά αυτή η συνέχιση της ιστορίας του «The Godfather» όχι μόνο πέτυχε σε αυτό, αλλά επέκτεινε την κληρονομιά της για να γίνει μέρος της μεγαλύτερης αμερικανικής ιστορίας για το οργανωμένο έγκλημα που είπε ποτέ. Η ταινία παρουσιάζει δύο παράλληλες αφηγήσεις. Ένας ασχολείται με τον Michael Corleone ως νέο επικεφαλής της «οικογενειακής επιχείρησης» της Corleone, ο δεύτερος παρουσιάζει έναν εξαιρετικό Robert De Niro ως νεαρό Vito Corleone και την άνοδο του στην εξουσία. Οι δύο ιστορίες είναι επιδέξια υφασμένες, παρέχοντας μια δελεαστική αφήγηση που δεν χαλαρώνει τη λαβή του στον θεατή μια φορά. Ο Αλ Πατσίνο κάνει κάποια από τις καλύτερες δουλειές του εδώ, το νέο του βλέμμα μασάει σχεδόν το τοπίο κάθε φορά που εμφανίζεται στην οθόνη. Μία από αυτές τις σχεδόν τέλειες ταινίες που μπορούν να προβληθούν ανεξάρτητα από το χρόνο, τον τόπο και την τελευταία σας προβολή, και εξακολουθείτε να καταλήγετε σε πλήρη υποβολή και δέος γι 'αυτήν. Αν το Μέρος Ι είναι ο ιερός βωμός, το Μέρος ΙΙ είναι το ψωμί και το κρασί.

26. Ένα ρολόι πορτοκάλι (1971)

Το πρώτο πράγμα που πιθανώς έρχεται στο μυαλό όταν μου ζητείται να περιγράψει αυτή την ταινία με μια λέξη είναι «ενοχλητικό». Η μόνη ταινία της λίστας που τολμώ να ξαναεπισκέψω, έπιασα τον εαυτό μου να τρέχω πολλές φορές ενώ παρακολουθώ αυτήν την ταινία. Το 'A Clockwork Orange' είναι ένα κοινωνικό σχόλιο στο πιο ασυμβίβαστο, παρέχοντας έντονες εικόνες από τις οποίες μπορεί κανείς να μην ανακτήσει ποτέ. Είναι σκοτεινό, στριμμένο και δεν παρέχει λύτρωση για όσους το αναζητούν σε μια ταινία με πιθανώς την πιο ζοφερή απόδοση μιας δυστοπίας από κοινωνικής απόψεως. Και εκεί πιστεύω ότι βρίσκεται η επιτυχία της ταινίας στο σπίτι ενός ενοχλητικού μηνύματος. Αντισυμβατικό με οποιονδήποτε τρόπο μπορείτε να φανταστείτε, μας παρέχει πρωταγωνιστές που είναι ανόητοι στον πυρήνα και επιδοθούν σε πράξεις «υπεριώδους βίας» και βιασμού. σχολιάζει την κοινωνική πολιτική κατάσταση των πραγμάτων με τον πιο σκληρό τρόπο που μπορείτε να φανταστείτε, σας βάζει σε κατάσταση σύγχυσης, καθώς ο Alex DeLarge (που παίζεται από έναν χαρισματικό Malcolm McDowell) υπόκειται σε απάνθρωπους τρόπους αποκατάστασης και τελειώνει το κοινό στο farrago όλων των πραγμάτων που αυτή η ενοχλητική εμπειρία σας κάνει να νιώσετε ταυτόχρονα. Πραγματικά, ένα έργο Kubrickian αναλογίες.

25. Βέρτιγκο (1958)

Η ιστορία του «Βέρτιγκο» πηγαίνει έτσι - ο πρώην ντετέκτιβ Σκότι (Τζέιμς Στιούαρτ) πάσχει από ακροφοβία εξαιτίας ενός περιστατικού που συνέβη στο καθήκον του. Τον πλησιάζει ένας παλιός φίλος για να παρακολουθεί τη σύζυγό του Madeleine που πιστεύει ότι κατέλαβε. Αρχικά δύσπιστος, η Scottie σύντομα γίνεται αυτοκαταστροφική εμμονή με την όμορφη κυρία, η οποία φαίνεται να είναι πολύ περισσότερο από ό, τι αφήνει. Η λαμπρότητα του Alfred Hitchcock έγκειται στο γεγονός ότι οι μεγαλύτερες ταινίες του, συναρπαστικές που παρακολουθούν την πρώτη φορά, φαίνεται να ανοίγουν ένα νέο επίπεδο κατανόησης στον θεατή σε κάθε διαδοχική ματιά. Σίγουρα, με μια σύντομη ματιά, «Vertigo; είναι ένα καλοφτιαγμένο ψυχολογικό μυστήριο δολοφονίας. Αλλά καθώς το βλέπετε ξανά και ξανά, τα θέματα της ανδρικής επιθετικότητας και της κατασκευής γυναικείας εικόνας στο μυαλό ενός άνδρα αρχίζουν να ξετυλίγονται σαν ένα άπειρο κουτί και σε καταπίνουν. Ίσως η πιο λεπτή γηράσκουσα ταινία που έχει γίνει ποτέ, η λαμπρή καύση του Vertigo μαρτυρείται από το γεγονός ότι κατά το άνοιγμα σε μικτές κριτικές, η ταινία θεωρείται ευρέως ως μία από τις μεγαλύτερες ταινίες που έχουν γίνει ποτέ. Ένα αριστούργημα από τον πλοίαρχο των θρίλερ.

24. Χιροσίμα, αγάπη μου (1959)

Γεννημένος από το μυαλό του Γάλλου οραματιστή της Αριστεράς Τράπεζας Alain Resnais, το 'Hiroshima mon amour' είναι μια ταινία που κλαίει με υπερβατική δύναμη. Η ιστορία του χρόνου συνυφασμένη με τη μνήμη και τα σημάδια και των δύο που έλαβαν χώρα στη Χιροσίμα κατά τη διάρκεια του Δευτέρου Παγκοσμίου Πολέμου, διηγήθηκε μέσω δύο ανθρώπων - Ένας Γάλλος, ένας Γιαπωνέζος - καθώς προσπαθούν να συνενώσουν το επικρατούμενο μήνυμα της καταστροφής που προκλήθηκε εκεί. Εκτός αν δεν υπάρχει τίποτα να κερδίσουμε, διανοητικά ή συναισθηματικά, από μια τέτοια ανοησία. Είναι ένα κομμάτι δουλειάς εμπλουτισμένο με διεθνή θλίψη που φτάνει μακρύτερα από την ίδια τη σύγκρουση και στις αλήθειες και τις καταστολές που στοιχειώνουν τα ανθρώπινα όντα κάθε μέρα. Μέσω των αντηχιών της ατομικής έκρηξης, βρίσκουμε ένα μικρό μέρος αυτού που είναι τόσο λάθος με τον εαυτό μας. Το γεγονός ότι οι Ρέσναι κατανοούν απλώς αυτή την άθικτη σύγχυση, αντί να προσπαθούν να το διορθώσουν, είναι αυτό που κάνει το «Χιροσίμα μον amour» ένα από τα μεγάλα αριστουργήματα του κινηματογράφου.

23. Τυχαίο Balthazar (1966)

Το έρημο αριστούργημα του Robert Bresson είναι μια άσκηση στο συναίσθημα. Αποφεύγει να ορίσει έναν ξεκάθαρο πρωταγωνιστή ή ένα κεντρικό θέμα, εκτός αν μετράτε τη θαυματουργή δύναμη της φύσης που είναι το Balthazar και αν τραβήξετε την ταινία στην ονομαστική αξία, δεν το κάνετε. Αλλά αν του επιτρέψετε να είναι το σημείο πρόσβασης στο συναισθηματικό και θεματικό τοπίο της ταινίας, είναι δύσκολο να επιστρέψετε από αυτήν χωρίς να το κάνετε. Το περίεργο, αδύνατο και δροσερό οπτικό στυλ του Balthazar φαίνεται σχεδόν λαμπερό σε αναδρομική μορφή. η ήρεμη ευθραυστότητά του τυλιγμένη σε μια παραιτήσιμη, μοναδικά σοφή αίσθηση ελέγχου. Ακόμη και η απτή ειλικρίνειά της κρύβει μια μελετημένη προσπάθεια να συγκρατήσει λίγο, για να θρέψει στην απλότητα της ρύθμισης και του χαρακτήρα ενός πλούτου που αφήνεται στο κοινό για να ανακαλύψει και σε μερικές εκπληκτικές περιπτώσεις, φανταστείτε. Επειδή οι ηθοποιοί μιλούν τόσο λίγα για την κακή τους κατάσταση, βιώνουμε τις τυχαίες, παράλογες πράξεις σκληρότητας και νιώθουμε την πνιγμένη θλίψη Για τους. Σε μια μορφή όπου ακόμη και οι πιο καταξιωμένοι καλλιτέχνες στοχεύουν μόνο να αυξήσουν τις αισθήσεις των θεατών συμμορφώνοντας με τις δοκιμασμένες και δοκιμασμένες, οι εικόνες του Bresson μου παρείχαν ένα λυρικό πρότυπο για να βασίσω το μέγεθος της συμπόνιας μου, για να αξιολογήσω ακόμη και πόσο συνειδητή είναι αυτή η συμπόνια .

Όλα αυτά με φέρνουν πίσω στην αρχική μου σκέψη. Η ανάθεση της σημασίας σε κάθε στιγμή στο 'Balthazar' δεν εξαρτάται από το αν υποθέτουμε ότι το περιεχόμενό του είναι αλληγορίες κοινωνικής ή και πολιτικής φύσης, αλλά από τον τρόπο που μας κάνουν αφή απολαμβάνοντας την πολυπλοκότητα και την ησυχία τους, αντί να στηριχθούμε στην απερίσκεπτη έκθεση που χρησιμοποιούν οι περισσότερες ταινίες. Είναι λογικό λοιπόν, ο πρωταγωνιστής να είναι ο επώνυμος γάιδαρος.

22. Αντρέι Ρούμπλεφ (1966)

Πιστεύω ότι το 'Andrei Rublev' είναι το καλύτερο παράδειγμα της αντίληψης του Ρώσου αυτιστή Αντρέι Τάρκοφσκι για τη γλυπτική στο χρόνο. Ένα μεγάλο μέρος του τελευταίου του έργου ήταν αφηρημένο, καθώς ασχολήθηκε με απίστευτα προσωπικά θέματα και οπτικοποίηση, τα οποία ήταν διάσπαρτα σε όλες τις χρονικές περιόδους. Με το «Αντρέι Ρούμπλεφ», ο Τάρκοβσκι καταγράφηκε ο ίδιος ο χρόνος και στη συνέχεια το χάιδεψε με τις βαθύτερες αποχρώσεις της ψυχής ενός καλλιτέχνη. Ο Ταρκόφσκι είναι ίσως ο μόνος σκηνοθέτης που θα μπορούσε να κλιμακώσει το υψηλότερο επίτευγμα στην απεικόνιση της καταστολής ενός καλλιτέχνη. Εξετάζει τα καταπιεστικά καθεστώτα της Ρωσίας που είναι τόσο γηγενή της χώρας όσο η βαθιά βιβλιογραφία της, η οποία εξέπληξε εκπληκτικά τις πιο συναρπαστικές ερωτήσεις σχετικά με την πνευματική και μεταφυσική. Πολλά από τα μετέπειτα χαρακτηριστικά του Tarkovsky, συμπεριλαμβανομένης της μαγνητοσκόπησης της ροής της φύσης, παρατηρούνται στο ταξίδι του Andrei Rublev. Είναι μια ταινία που σας κινηματογραφεί, σας καταστρέφει και σας κάνει να σκέφτεστε - τόσο κατά τη διάρκεια της ταινίας όσο και πολύ μετά την ολοκλήρωση των πιστώσεων.

21. Η περιπέτεια (1960)

Πώς νιώθεις για ένα άλυτο μυστήριο; Ή μια ημιτελής ιστορία; Αναζητάτε κλείσιμο αναζητώντας απεγνωσμένα; Ή αποδέχεστε τα γεγονότα και μετά προχωρήστε; Δεν είναι η ζωή; Συμβιβάζεται και προχωρά; Η ταινία που έφερε την αναγνώριση του Michelangelo Antonioni σε όλο τον κόσμο, 'L'Avventura' είναι η ιστορία μιας νέας γυναίκας που εξαφανίστηκε, κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού σκαφών στην ακτή της Σικελίας. Η αναζήτηση για αυτήν, φέρνει τον πρώην εραστή και τον καλύτερο φίλο της και ξεκινά μια ενοχλητική σχέση. Ενώ η ιστορία υφαίνεται γύρω από την αναζήτηση μιας αγνοούμενης γυναίκας, ο πραγματικός σκοπός της είναι να κατασκευάσει μια αφήγηση, χωρίς να επικεντρώνεται σε ένα σημαντικό γεγονός και να μπορεί να γοητεύσει το κοινό. Τα αληθινά κίνητρα των κεντρικών χαρακτήρων δεν εξηγούνται ποτέ πλήρως και καθώς η ταινία τελειώνει, ο θεατής αναγκάζεται να αποδεχθεί ότι ορισμένα γεγονότα παραμένουν ανεξήγητα, όπως και η ζωή. Ένα αναμφισβήτητο αριστούργημα!

20. Χωρίς αναπνοή (1960)

Πολύ πριν ο Quentin Tarantino έφτασε στην αμερικανική ανεξάρτητη σκηνή με την άγρια ​​προσέγγιση του κινηματογράφου που ενίσχυσε την εστίαση του στυλ πάνω στην ουσία, υπήρχε αυτός ο άνθρωπος που ονομάζεται Jean Luc-Godard ο οποίος ανέλαβε άφοβα τις παραδοσιακές κινηματογραφικές γραμματικές και τους έσπασε απερίσκεπτα κάτω, επαναπροσδιορίζοντας και διαμορφώνοντας τις ταινίες όπως την βλέπουμε σήμερα με μια ταινία που ονομάζεται «Breathless». Ίσως καμία άλλη ταινία δεν κατάφερε να συλλάβει τη φευγαλέα τρέλα της νεολαίας με τρόπο που το «Breathless» κάνει με την απερίσκεπτη ενέργεια και τη μεθυστική ατμόσφαιρα. Η φρικτή χρήση του jump cuts ενθουσιάζει την εγγενή τρέλα της υπόθεσης, καθώς ο Godard σας απομακρύνει έντονα από τους χαρακτήρες του, ζητώντας σας να εστιάσετε στις κατακερματισμένες πτυχές της ιστορίας αντί της ιστορίας στο σύνολό της. Το 'Breathless' είναι ένα από τα πιο σημαντικά κινηματογραφικά ντεμπούτα στην ιστορία του κινηματογράφου και ενώ συνεχίζει να πολώνει τους κινηματογράφους και τους κριτικούς, δεν μπορεί να αμφισβητηθεί η επιρροή που έχει στον σύγχρονο κινηματογράφο.

19. Επτά Σαμουράι (1958)

Η Akira Kurosawa είναι ένας από τους πιο πρωτότυπους, επιδραστικούς και αναφερόμενους σκηνοθέτες που έχουν ζήσει ποτέ. Ο Roger Ebert είπε κάποτε για τον Kurosawa «Θα μπορούσε να υποστηριχθεί ότι αυτός ο μεγαλύτερος σκηνοθέτης έδωσε απασχόληση σε ήρωες δράσης για τα επόμενα πενήντα χρόνια» και δεν θα μπορούσε να ήταν πιο αληθινός. Το «A Fistful Of Dollars» του Sergeo Leone, που λέγεται ότι έχει γεννήσει το είδος Spaghetti Western, εμπνεύστηκε από το «Yojmbo» του Kurosawa. Η τρέχουσα καταχώρισή μας επίσης, είναι μια τεχνική και δημιουργική λεκάνη απορροής και έχει εμπνεύσει αμέτρητες άμεσες μεταπωλήσεις καθώς και πολλά οπτικά στοιχεία στον σύγχρονο κινηματογράφο . Το επικό δράμα χρονολογεί την ιστορία των επτά Ρονίν (χωρίς σαμουράι) που παίρνουν όπλα για να υπερασπιστούν έναν φτωχό πολιτισμό που δεν τους έχει πλέον θέση να επιτεθούν σε ληστές του 16ου αιώνα στην Ιαπωνία, ο οποίος καταλήγει σε μια έντονη κλιματική μάχη. Αλλά η λαμπρότητα του «Seven Samurai» έγκειται στο γεγονός ότι αφηγείται μια σειρά από καλοφτιαγμένες ιστορίες που κυμαίνονται σε διάφορα είδη με το κύριο δράμα. Υπάρχουν στοιχεία δράσης, περιπέτειας, ρομαντισμού και ενηλικίωσης σε όλη την ταινία. Αποτελείται επίσης από χαρακτήρες που αναπτύχθηκαν πλούσια ως μια σπάνια μπριζόλα, η οποία αργότερα θα γινόταν βασικά πολλαπλά είδη. Πραγματικά ένα εμπνευσμένο έργο τέχνης.

18. Το δέντρο της ζωής (2010)

Το «Δέντρο της Ζωής» είναι η υψηλότερη μορφή κινηματογράφου: απλώς δεν λέει μια ιστορία αλλά στοχεύει να αλλάξει τη ζωή σας. Είναι μια ταινία που θα χρειαστεί χρόνο για να αναπτυχθεί σε σας, και όταν το κάνει, θα δυσκολευτείτε να μην το σκέφτεστε συνεχώς. Ένα κινηματογραφικό ποίημα εξαιρετικής εμβέλειας και φιλοδοξίας, «Το Δέντρο της Ζωής» δεν ζητά απλώς από το κοινό του να παρατηρήσει, αλλά επίσης, να προβληματιστεί και να αισθανθεί. Στην απλούστερη, είναι μια ιστορία του ταξιδιού να βρεθεί. Στο πιο περίπλοκο, είναι ένας διαλογισμός για την ανθρώπινη ζωή και τη θέση μας στο μεγάλο σχήμα των πραγμάτων. Δεν έχει σημασία τι πίστη πιστεύετε ή αν πιστεύετε καθόλου στην ανώτερη οντότητα. Η πραγματική αίσθηση του θαύματος στην ταινία προκύπτει από τη μαγεία που είναι η ίδια η ζωή. Η πιο όμορφη πτυχή της ταινίας είναι ότι συνεχίζει να βελτιώνεται με το χρόνο, όπως ένα καλό κρασί.

17. Κλείσιμο (1990)

Ο αείμνηστος μεγάλος Ιρανός αυτίρς Αμπάς Κιαροστάμι συχνά είδε την ομορφιά και την ποίηση στα πιο παράλογα μυστικά επεισόδια της ανθρώπινης ζωής. Με απατηλά απλές πλοκές και νατουραλιστικές ρυθμίσεις, ο Kiarostami εξερεύνησε καθολικά θέματα που ξεπέρασαν απρόσκοπτα τα πολιτισμικά εμπόδια λόγω του είδους της ανθρωπότητας που ο τυπικός του κινηματογράφος είχε τυλίξει. Το «Close Up» είναι αναμφισβήτητα το πιο ολοκληρωμένο έργο του και ένα από τα πιο πρωτότυπα, εφευρετικά έργα της κινηματογραφικής τέχνης που παράγεται ποτέ. Η ταινία έχει τη μορφή ενός ντοκιμαντέρ για το χρονικό της πραγματικής δοκιμής ενός ανθρώπου που πλαστοπροσωπούσε τον Ιρανό σκηνοθέτη Mohsen Makhmalbaf. Το καστ περιλαμβάνει άτομα που στην πραγματικότητα συμμετείχαν στη δίκη, παίζοντας στην ταινία. Το «Close Up» είναι μια εκπληκτική εξερεύνηση της ανθρώπινης ταυτότητας που βλέπει μέσα από τα μάτια ενός απλού ανθρώπου που αγωνίζεται να αντιμετωπίσει τον εαυτό του και τη ζωή του και από απελπιστική θλίψη και πραγματική αγάπη για την τέχνη του κινηματογράφου, μπαίνει στα παπούτσια του ειδώλου του για ξέρετε πώς είναι να είσαι πραγματικά ζωντανός, θαυμασμένος και σεβαστός. Πρόκειται για κινηματογραφική παραγωγή με την υψηλότερη τάξη.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Βρυξέλλες (1975)

Αυτό το γαλλικό avant-garde χαρακτηριστικό με πρωταγωνιστή τη Delphine Seyrig, καθώς ο τίτλος δεν είναι απλώς κινηματογραφική εμπειρία. Είναι πιο κοντά σε μια άσκηση - μια δοκιμασία και σας επηρεάζει με τρόπους που λίγες άλλες ταινίες έχουν κάνει πριν ή από τότε. Το ανεξάρτητο κομμάτι επικεντρώνεται σε τρεις μέρες στη ζωή ενός μοναχικού, ταραγμένου νοικοκυριού, καθώς περνάει το αυστηρό πρόγραμμά της γεμάτο με κοσμικές δουλειές στο σπίτι. Είναι μια μητέρα και μια χήρα που εκτελεί σεξουαλική εργασία για τους κυρίους το βράδυ για να κερδίσει τα προς το ζην. Προβλήματα προκύπτουν όταν, τη δεύτερη μέρα, η ρουτίνα της είναι ελαφρώς διαταραγμένη, οδηγώντας σε ένα είδος ντόμινο που αντικατοπτρίζεται στις ώρες που ακολουθούν. Jeanne Dielman τραβάει έναν στον αργό και στοχαστικό κόσμο του με τη διακριτική σκηνοθετική υπογραφή του Akerman, που περιλαμβάνει διαβητική ατμόσφαιρα και μια υπνωτική αύρα που δημιουργείται από την ήρεμη, λεπτή και υπομονετική προσωπικότητα του έργου, που είναι μια οδυνηρή γιορτή της μονοτονίας της ύπαρξης.

15. Rashomon (1950)

Ένα από τα πιο μη συμβατικά και πειραματικά κομμάτια της κινηματογραφικής ταινίας για την εποχή του, το «Rashomon» παρακολουθεί τον πλοίαρχο στη δουλειά, πηγαίνοντας όλα με τις ικανότητές του για αφήγηση. Με απλά λόγια, πρόκειται για ένα περιστατικό που συνέβη μέσω τεσσάρων άγριων διαφορετικών απόψεων, εκείνων των κατηγορουμένων, των θυμάτων και εκείνων που ισχυρίζονται ότι ήταν μάρτυρες. Ξεχωρίζει για όλους τους τεχνικούς λόγους με σχεδόν άψογη επεξεργασία και αριστοτεχνική σκηνοθεσία, αλλά η ταινία εξασφαλίζει τις νίκες της στις θεματικές ερωτήσεις που ασχολείται. τα ερωτήματα σχετικά με την ύπαρξη μιας απόλυτης αλήθειας. Είναι η αλήθεια πραγματικά τόσο αντικειμενική και άδικη όσο το κάνει κάποιος ή υπάρχει κάποια υποκειμενικότητα που σχετίζεται με αυτήν; Κανονικά, είναι αντικειμενικό, ή τουλάχιστον θεωρείται ευρέως, χωρίς φαινομενικά καμία άλλη εκδοχή του. Αυτή η ταινία το αμφισβητεί κατά τρόπο που ο ίδιος ο θεατής αφήνεται εξοργισμένος με ερωτήσεις, σχολιάζοντας επίσης συχνά πώς οι άνθρωποι μερικές φορές δεν είναι εντελώς ειλικρινείς ακόμη και για τον εαυτό τους. Είναι τόσο θεματικά περίπλοκο όσο γίνεται, αλλά φαινομενικά τόσο απλό όσο θέλετε.

14. Stalker (1979)

Διατηρώντας τους μικρότερους απογόνους του, που περιλαμβάνουν την εξαιρετικά επιτυχημένη τηλεοπτική σειρά «Westworld», η κολοσσιαία επιρροή του «Stalker» στην οπτική αφήγηση δεν μπορεί να υπερεκτιμηθεί. Οι ιδέες - φιλοσοφικές, πνευματικές και επιστημονικές - καθώς και η έξυπνη, λαμπρή κινηματογραφική εξερεύνησή τους στο 'Stalker' έχουν βρει τις εντυπώσεις τους σε πολλές επιστημονικές φαντασίες που θα ακολουθήσουν. Δεν είναι τόσο η ολίσθηση, η διέγερση της έκστασης και τα σημεία, η αφηρημένη βηματοδότηση ή η συναρπαστική χρήση μονοχρωματικών σέπια έξω από το 'Ζώνη' και τα αποτυπωτικά χρώματα των τοποθεσιών στην Εσθονία, που αντικατοπτρίζονται στο έργο των δημιουργών ταινιών όπως Terrence Malick και Lav Diaz, για να αναφέρουμε μερικά, αλλά η υπομονή υπομονή και ταπεινότητα. Παραδίδοντας σε μεγάλο βαθμό τις φιλοσοφικές βασιλείς στο κοινό, ο Ταρκόφσκι αφήνει τόσο μεγάλο περιθώριο στους θεατές να ανακαλύψουν πολλές μεταφυσικές πτυχές της ταινίας για τον εαυτό τους, που ακόμη και η ασυναγώνιστη κυριολεκτική και οπτική ποίησή της μοιάζει τόσο πολύ με την κατασκευή μας όσο είναι του δικού του. και οι συνεργάτες του. Και όμως, η ταινία παραμένει απομακρυσμένη, μας καθοδηγεί στα αδιάκριτα μυστήρια του νου και της καρδιάς, και δεν καταλήγουμε ποτέ να τα ξετυλίξουμε, γιατί ο ευθείος τρόπος δεν είναι ποτέ ο σωστός.

13. Fanny και Alexander (1982)

Σχεδόν 35 χρόνια μετά την αρχική του κυκλοφορία, το τελευταίο σκηνικό σκηνοθεσίας του Bergman είναι εξίσου συναρπαστικό με το να διασπάται, όπως ήταν και με τους κριτικούς σε όλο τον κόσμο εκείνη την εποχή που όλοι φαινόταν να αγωνίζονται για να διασφαλίσουν ότι ακούστηκαν οι απόψεις τους για αυτό. Αυτές οι απόψεις ήταν πολύ πιο διχαστικές από αυτές που είναι σήμερα, αλλά η θέση της ταινίας στη φιλμογραφία του Μπέργκμαν φαίνεται ακόμα δύσκολη. Σε αντίθεση με τον τόνο, τη δομή και το τεράστιο μέγεθος, οτιδήποτε είχε κάνει ο Μπέργκμαν σε αυτό το σημείο. Αλλά είναι επίσης μια αδιαμφισβήτητη συγχώνευση όλων των θεματικών και οπτικών ενστίκτων του που διασταυρώθηκαν σε αυτήν τη ζωηρή ταπετσαρία μιας οικογένειας στις αρχές της δεκαετίας του 1900 στη Σουηδία. Η γραφική του ευχαρίστηση φαίνεται να προσελκύει όλη σας την προσοχή κατά την πρώτη προβολή με τις βαθύτατες παραλλαγές των κόκκινων, πράσινων και ήπιων, ζεστών κίτρινων που σχηματίζουν μια τόσο μεθυστική χρωματική παλέτα που η απουσία της - όταν όλα είναι βαμμένα σε λευκά, μαύρα και σκληρά μπλε - φαίνεται τιμωρητικό. Τα χρονικά κατασκευασμένα σχολαστικά του Μπέργκμαν ακτινοβολούν με τη βαρύτητα ενός οικογενειακού πικνίκ και διαθέτουν την οικειότητα των ανθρώπινων δεσμών που κρατούνται μαζί για δεκαετίες με γνήσια, εύθραυστη στοργή. Σε αυτήν την γενναιόδωρα απόδοση της ζωής, η γέννηση και ο θάνατος είναι και τα δύο παρεπόμενα. Στον μικρό κόσμο αυτοί οι χαρακτήρες, όπως οι περισσότεροι από εμάς, κατοικούν, περιμετρικές χαρές είναι όλες που μπορούν να ελπίζουν και είναι αρκετοί για αυτούς, όπως θα έπρεπε να είναι για εμάς. Είναι όλα μια ψευδαίσθηση; Βλέποντας αυτό το γιγαντιαίο σύνολο να κάνει τέτοια θαύματα, μπορεί κανείς να το σκεφτεί. Αν είναι, πιστέψτε με, δεν θέλετε να γκρεμιστεί.

12. Αποκάλυψη τώρα (1979)

Υπάρχουν πολεμικές ταινίες που δείχνουν τις περιπλοκές του πολέμου (όπως το «Enemy At The Gates»), κάποιες άλλες που χλευάζουν και μισούν την ιδέα του (όπως «The Pianist») και μετά υπάρχει το τολμηρό «Apocalypse Now», το οποίο δεν προσφέρει γνώμη ή συμπέρασμα, αλλά αντίθετα παρουσιάζει μια γραφική απεικόνιση των φρικαλεών του πολέμου ενώ δοξάζει τους στρατιώτες που συμμετέχουν σε αυτόν. Η συζήτηση μαίνεται μέχρι σήμερα εάν το 'Apocalypse Now' είναι υπέρ του πολέμου ή αντιπολεμικό. Το αγαπάς ή το μισείς; το σίγουρο είναι ότι θα το θυμάστε. Μία από τις πιο προβληματικές παραγωγές στην ιστορία του Χόλιγουντ, η τελευταία περικοπή του συγγραφέα-σκηνοθέτη Φράνσις Φορντ Κόπολα κατέληξε στο πιο λαμπρό τεχνικά έργο του. Η γυμνή υπόθεση είναι απλή - ο καπετάνιος Willard πρέπει να «τερματίσει με ακραίες προκαταλήψεις» ο συνταγματάρχης Kurtz που έχει εισέλθει στο εχθρικό έδαφος και έχει φύγει AWOL. Αλλά είναι το εξουθενωτικό ταξίδι του Γουίλαρντ στις δύσκολες περιοχές μάχης του Βιετνάμ (αναβαθμισμένο από την εκπληκτική κινηματογραφία του Vittorio Storaro) που παραμένει χαραγμένο στο μυαλό πολύ μετά την κυκλοφορία των πιστώσεων. Διαθέτει μια αξέχαστη σκηνή μετά την άλλη και οριστικές ερμηνείες από τον Martin Sheen ως Willard, τον Marlon Brando ως Kurtz και τον Robert Duvall ως «ενθουσιώδη napalm», αρχηγό του Kilgore, «Apocalypse Now» όπως ορθώς δήλωσε η Coppola «δεν αφορά το Βιετνάμ. Είναι το Βιετνάμ ».

11. Τα 400 χτυπήματα (1959)

Το «The 400 Blows» του François Truffaut είναι ένα πραγματικό έργο τέχνης που προέρχεται από πραγματικό πόνο. Ένα πραγματικά ειλικρινές και βαθιά προσωπικό έργο, ο Truffaut αφιέρωσε την ταινία στον πνευματικό του πατέρα και τον διεθνώς αναγνωρισμένο θεωρητικό κινηματογράφου André Bazin. Διακριτικά αυτοβιογραφικής φύσης, η παιδική ηλικία του Truffaut ήταν προβληματική και αυτό αντικατοπτρίζεται πολύ καθαρά στην ταινία. Στο εξωτερικό, η ταινία αφορά την εγκληματικότητα ανηλίκων και εφήβων που συχνά οδηγείται από κοινωνική και γονική παραμέληση. Κοιτάξτε λίγο βαθύτερα και θα βρείτε μια ταινία για την ελπίδα. ελπίζω να είναι τόσο έντονο όσο και θεραπευτικό. Ο Antoine Doinel, ο πρωταγωνιστής, είναι κατά κάποιον τρόπο μια έντονη αναπαράσταση της ίδιας της κοινωνίας, μιας κοινωνίας που κρύβει τις δικές της αποτυχίες πίσω από κανόνες, τιμωρίες και αποφάσεις. Η ταινία ρέει σαν ποτάμι και οδηγεί το κοινό σε ένα ταξίδι ελπίδας, απελπισίας, ενσυναίσθησης και ακόμη και καθαρού θυμού. Αν θέλατε ποτέ να δείτε πώς μοιάζει ένα αριστούργημα, μην ψάχνετε περισσότερο από το 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001)

Ο David Lynch δεν είναι σκηνοθέτης. Ο άντρας είναι ονειροπόλος. Και το 'Mulholland Drive' είναι το μεγαλύτερο όνειρο που ονειρεύτηκε ποτέ. Ένα όνειρο που ενσωματώνει κάθε συναίσθημα που περικλείει την ανθρώπινη ύπαρξη. Είναι δύσκολο να εξηγήσεις ή να περιγράψεις μια ταινία όπως το 'Mulholland Drive', επειδή είναι μια ταινία σχετικά με την εμπειρία και τι παίρνεις από αυτήν, αντί για μια πλοκή που βασίζεται σε μια συμβατική αφήγηση που σου τροφοδοτεί με απαντήσεις που θα μπορούσες να πάρεις σπίτι. Ο Lynch έχει συχνά δηλώσει ότι το όραμά του για μια ταινία βασίζεται βασικά σε πολλές ιδέες και συναισθήματα. Και αυτό γίνεται μια πύλη για την κατανόηση μιας ταινίας τόσο πολύπλοκης και πολυεπίπεδης όσο το 'Mulholland Drive'. Είναι ένας λαβύρινθος ονείρων, φιλοδοξιών, επιθυμιών και εφιάλτων. Ο Lynch ξέρει τι μας τρομάζει περισσότερο και τι μας οδηγεί στην απόλυτη τρέλα. Και είναι αυτή η ανησυχητικά οικεία αντανάκλαση του ανθρώπινου υποσυνείδητου που κάνει το 'Mulholland Drive' ένα τόσο έντονο έργο τέχνης. Αυτό που σας περιβάλλει με μια αίσθηση ζεστασιάς και τρυφερότητας πριν κόψετε το κρανίο σας.

9. Κλέφτες ποδηλάτων (1948)

«Η απλότητα είναι η απόλυτη πολυπλοκότητα» - Λεονάρντο Ντα Βίντσι. Ένα από τα πιο δύσκολα καθήκοντα στη δημιουργία ταινιών είναι να καταλάβετε πότε να τελειώσετε την ταινία σας. Το τέλος στο Bicycle Thieves είναι τόσο τονικό σε συγχρονισμό με την αρχή, καθώς ξεκινάμε από τον Antonio, έναν καθημερινό άνθρωπο που αναδύεται από το πλήθος στον Antonio, έναν καθημερινό άνθρωπο, που διαλύεται στο πλήθος. Η ζωή στη μεταπολεμική Ρώμη είχε μετατραπεί καθημερινά σε αγώνα, και δεν υπήρχε σχεδόν κανένας που να βγαίνει από αυτό το βάλτο της δυστυχίας. Υπάρχουν πολύ λίγες ταινίες που παρέχουν μια ενδοσκόπηση τόσο βαθιά όσο τα Bicycle Thieves. Είναι μια ταινία που θα σπάσει την καρδιά σας σε κομμάτια και θα σας εμπνεύσει να ζήσετε τη ζωή στο έπακρο. Σπάνια, μια ταινία τόσο απλή στην υπόθεση της είναι τόσο υπέροχη αποτελεσματική στο μήνυμά της. Είναι σχεδόν αδύνατο να ξεχάσετε την ταινία μόλις την παρακολουθήσετε. Αν και το μεγαλύτερο επίτευγμα της ταινίας έγκειται στο πόσους ανεξάρτητους σκηνοθέτες ενέπνευσε, οι οποίοι μέχρι σήμερα αναφέρονται ως «Bicycle Thieves» ως έμπνευσή τους.

8. Ιστορία του Τόκιο (1953)

Η «Ιστορία του Τόκιο» είναι αυτό που κάθε σκηνοθέτης θέλει να πει μια σημαντική ιστορία φιλοδοξεί. Προφανώς, όλα υπολείπονται! Δεν υπάρχει καλύτερο παράδειγμα μιας ταινίας που να κάνει μια επική ιστορία με τόσο απλό αλλά αριστοτεχνικό, αποτελεσματικό και αξέχαστο τρόπο. Με την «Ιστορία του Τόκιο», ο Yasujiro Ozu πέτυχε κάτι που είναι το όνειρο κάθε ζωντανού σκηνοθέτη: να κατοικεί για πάντα στην καρδιά και στο μυαλό του κοινού. Όποιος έχει δει την «Ιστορία του Τόκιο» θα ξέρει για τι μιλάω. Η ταινία αφηγείται την ιστορία ενός γηράσκοντος, παραδοσιακού ιαπωνικού ζευγαριού που επισκέπτεται τα παιδιά τους στο Τόκιο μόνο για να καταλάβει τη σκληρή συνειδητοποίηση ότι τα παιδιά τους είναι πολύ απασχολημένα με τη ζωή τους για να τα φροντίσουν και έχουν μεγαλώσει πολύ μακριά από αυτά, πολιτιστικά και συναισθηματικά. . Αυτό που είναι επίσης τόσο υπέροχο για την ταινία είναι το καθολικό θέμα που μπορεί να σχετίζεται με οποιονδήποτε, οπουδήποτε. Το στιλ δημιουργίας ταινιών του Ozu διασφαλίζει επίσης ότι είστε ενθουσιασμένοι με μια ιστορία που προσφέρει βαθιά γνώση της μεταβαλλόμενης ανθρώπινης ψυχής με τους μεταβαλλόμενους χρόνους. Απλά λαμπρό!

7. Στη διάθεση για αγάπη (2000)

Το «In the Mood For Love» είναι απλώς η μεγαλύτερη ιστορία αγάπης που έχει τεθεί ποτέ στην ταινία. Περίοδος. Θα μπορούσε τόσο εύκολα να ήταν ένα έργο ή ακόμα και μια ποίηση. Με όμορφες, συναρπαστικές εικόνες και εκπληκτική, μουσική που τρυπάει την ψυχή, το 'In The Mood For Love' αφηγείται την περίπλοκη ιστορία δύο απλών ατόμων. Δύο άτομα που περνούν τον φόβο και το δέλεαρ να ερωτευτούν. και μια φορά στην αγάπη, ο απόλυτος πόνος που το άφησε ατελές. Το «In the Mood for Love» απεικονίζει την αγάπη στην πιο ευάλωτη μορφή της. Και με αυτόν τον τρόπο, αποκαλύπτει τις αδυναμίες μας και πόσο αβοήθητοι είμαστε μπροστά στην αγάπη. Σπάνια μια ταινία τόσο υποτιμημένη και τόσο δεσμευμένη έχει τόσο αντίκτυπο μετά την προβολή.

Δεν είμαι σίγουρος αν ο σκηνοθέτης Wong-Kar-Wai σκόπευε να κάνει την ταινία που έκανε, θεωρώντας ότι γυρίστηκε κυρίως την ταινία χωρίς σενάριο. Αν κοιτάξετε την ιστορία, τα πιο καθοριστικά έργα τέχνης είναι χαρούμενα ατυχήματα. Μετρήστε το «In the Mood For Love».

6. 8 1/2 (1963)

Ο αριθμός οκτώ και μισό στη φιλμογραφία του ιταλού μαέστρου, αυτή η πικάντικη, νόστιμη επική φαντασιώσεις, εφιάλτες και μια υπερβολικά λασπωμένη πραγματικότητα είναι σαν ένα μπισκότο - απολύτως παράλογο στο σχήμα του και ψημένο με τρόπο που δεν επιτρέπει να το καταναλώνει εξ ολοκλήρου πάει. Το τρομακτικό, ανήσυχο camerawork του συγχαίρει το συνειδητό όραμα της Fellini για έναν σκηνοθέτη που προσπαθεί να διοχετεύσει τις πολλές μεταβαλλόμενες εμπειρίες που είχε κατά τη διάρκεια της δεμένης ζωής του στη νέα του ταινία. Ημι-αυτοβιογραφικά όπως φαίνεται, το «8 1/2» ξεφεύγει από το ακροατήριό του με όλη την εκπληκτική πολυπλοκότητά του ανέπαφη με τόσο ριζοσπαστικό ρυθμό, που βρήκα τον εαυτό μου να προσπαθεί να αποικοδομήσει τις τέλεια συνθετικές εικόνες του με σκοπό να βρει τη δική μου θέση στο Η πανύψηλη ιδιαιτερότητα του Φελίνι, αλλά ποτέ δεν μπόρεσε να προσγειωθεί σταθερά στο έδαφος.

Αξιοποιώντας τις σκιασμένες βαρύτητες του Marcello Mastroianni, η καθαρή ηλεκτρική ενέργεια της Fellini μπορεί να είναι συντριπτική. Κρατάτε την αντίληψή σας για μια συγκεκριμένη στιγμή και αναγνωρίζετε τον αποπνικτικό πλούτο του μόνο για να ανακαλύψετε ότι ο σκηνοθέτης έχει προχωρήσει σε μια άλλη πτερυγισμένη, ευχάριστα ακολουθία. Οι ιδέες του για τους καλλιτέχνες και η αμηχανία, γελοία εμμονή τους με τον εαυτό τους μπορεί να φαίνονται χρονολογημένες - ή χειρότερα, άσχετες - αλλά το θράσος της κατασκευής και της έκφρασής τους δεν μας χάνεται ποτέ. Μας μαγεύει και μας εξαπατά, ποτέ δεν μας αφήνει να βγάλουμε τα μάτια μας και στη συνέχεια γλιστρά μέσα από τα δάχτυλά μας καθώς μας ξυπνά ότι δεν το είχαμε ποτέ στα χέρια μας. Η Φελίνι δεν διαφέρει πολύ από τη διορατική Μάγια στην ταινία που φαίνεται να ξέρει τι σκέφτονται όλοι: μια ικανότητα που αποδίδεται από τον βοηθό της στην τηλεπάθεια. Όταν ο πρωταγωνιστής μας, Guido, ρωτά τη βοηθό για το πώς το κάνει, σημειώνει με σαφήνεια: «Είναι εν μέρει ένα κόλπο και εν μέρει πραγματικό. Δεν ξέρω, αλλά συμβαίνει. ' Καμία λέξη δεν θα ήταν πιο κατάλληλη για να περιγράψει την ταινία.

5. Πρόσωπο (1966)

Νομίζω ότι είναι ασφαλές να πούμε ότι ο κινηματογράφος «Persona» έσπασε μόνος του. Όντας μια ταινία τρόμου στην επιφάνεια, το κλασικό 1966 του Ingmar Bergman είναι περισσότερο μια μελέτη της ατομικής ταυτότητας από οτιδήποτε άλλο. Χρησιμοποιώντας καινοτόμες τεχνικές επεξεργασίας, ευκρινείς γωνίες κάμερας, κρύες εκφράσεις, συναρπαστικούς διαλόγους και υπέροχη κατεύθυνση, αυτή η ταινία λέει με όσο το δυνατόν πιο διφορούμενο τρόπο την ιστορία μιας διάσημης ηθοποιού που χάνει τη φωνή της και της νοσοκόμας που τη φροντίζει σε ένα απομονωμένο σπίτι, όπου οι διακριτικές προσωπικότητές τους αρχίζουν αργά να συγχωνεύονται μεταξύ τους. Όντας το πιο «κινηματογραφικό» εγχείρημα του σκηνοθέτη, το «Persona» φροντίζει να στρέψει κάθε συμβατικό κανόνα της δημιουργίας ταινιών για να προσπαθήσει να φέρει μια νέα και συναρπαστική εμπειρία. Με μερικές από τις μεγαλύτερες δράσεις που έχουν τεθεί ποτέ σε κυτταρίνη, η ατμόσφαιρα της ταινίας μάς βοηθά να εκτιμήσουμε τις ερωτήσεις που έχουμε σχετικά με αυτό, μετατοπίζοντας έξυπνα την εστίασή μας στο σκάφος που παίζει. Απλώς δεν υπάρχει τίποτα σαν το «Persona», και αυτό θα μπορούσε να είναι γεγονός.

4. Ο Νονός (1972)

Ενδεχομένως, η πιο επιδραστική ταινία που έγινε ποτέ. Μία από τις σπανιότερες προσαρμογές που είναι στην πραγματικότητα καλύτερη από το αρχικό υλικό - στην περίπτωση του μυθιστορήματος του Mario Puzo με την ίδια ονομασία - η ταινία έχει αντέξει με την πάροδο των αιώνων και είναι κλασική με την πιο αληθινή έννοια της λέξης που συνεχίζει να βελτιώνεται με κάθε προβολή. Η ταινία χρονολογεί μια οικογένεια μαφίας υπό τον Don Vito Corleone και επικεντρώνεται στη μετάβαση του γιου του καθώς αναλαμβάνει την οικογενειακή επιχείρηση μετά τον θάνατο του πατριάρχη. Χωρίς αμφιβολία, οι παραστάσεις είναι ένα από τα σημαντικότερα πλεονεκτήματα αυτής της ταινίας, με μεγάλους όπως ο Marlon Brando ως Vito Corleone και ο Al Pacino ως Michael Corleone επαναπροσδιορίζοντας τα πρότυπα δράσης με τις παραστάσεις τους. Οτιδήποτε άλλο, ειδικά το σενάριο και η κινηματογράφηση και η βαθμολογία της διάθεσης, αναμένεται να καθορίζουν το A-rate και το είδος. Πολύ σωστά, δεν υπάρχει cinephile που δεν έχει δει αυτό το αριστούργημα μιας ταινίας. Είναι ο βωμός όπου πηγαίνουμε να προσευχηθούμε.

3. Citizen Kane (1941)

Το Άγιο Δισκοπότηρο του αμερικανικού κινηματογράφου. Το «Citizen Kane» ορίζει σχεδόν κάθε πτυχή που περιλαμβάνει την τέχνη του κινηματογράφου. Μια ταινία που έσπασε αμέτρητες συμβάσεις για τη δημιουργία ταινιών μόνο για τη δημιουργία νέων. Ακριβώς από τις πρωτοποριακές τεχνικές του, όπως ο φωτισμός, ο ήχος και τα γραφικά στο εξαιρετικά καινοτόμο στιλ αφήγησης, το 'Citizen Kane' άλλαξε τον τρόπο δημιουργίας των ταινιών. Η ταινία είναι μια βαθιά μελέτη χαρακτήρα που παίρνει τη μορφή ενός δράματος μυστηρίου που αποκαλύπτει τις αλήθειες της ζωής ενός αινιγματικού μεγιστάνα εκδόσεων, του οποίου η τελευταία λέξη έπληξε το ενδιαφέρον ενός δημοσιογράφου. Ξεκινά ένα ταξίδι, εξερευνά έναν άνθρωπο που κάποτε ξεκίνησε τη ζωή του με ωμές φιλοδοξίες και επιθυμίες, αλλά σύντομα θα υποκύψει στις σαγηνευτικές δυνάμεις της απληστίας και της εξουσίας. Το 'Citizen Kane' είναι ένα εξαιρετικά ισχυρό έργο τέχνης που σαρώνει την εξερεύνηση των βαθιών θεμάτων και συλλαμβάνει τις απείρως σύνθετες συναισθηματικές πτυχές της ζωής ως ανθρώπου.

2. Ο καθρέφτης (1975)

Θα μπορούσε η τέχνη να είναι τόσο προσωπική ώστε να μην καταφέρνει να την ξεχωρίσει από τον δημιουργό της; Αυτή είναι μια ερώτηση που με εντυπωσίασε όταν είδα για πρώτη φορά το 'The Mirror' του Andrei Tarkovsky. Πρόκειται για ένα έργο τέχνης όπου ο καλλιτέχνης παραδίδει εντελώς τον εαυτό του στο έργο του που δεν μπορείτε να διακρίνετε μεταξύ του και του έργου που κάνει. Είναι σχεδόν σαν ο Tarkovsky να αναπνέει ολόκληρη την ταινία. Οι Auteurs έχουν κάνει τα αριστουργήματά τους, αλλάζοντας και διαμορφώνοντας τον κινηματογράφο με τον τρόπο που το βλέπουμε σήμερα, αλλά ο Tarkovsky έκανε ένα βήμα πέρα ​​από αυτό και πέτυχε το ανέφικτο. δίνοντας ζωή στην τέχνη του. Το 'The Mirror' απλώς αναπνέει τον κινηματογράφο. Θα μπορούσατε να δείτε τον Τάρκοφσκι, την οικογένειά του, τον πολιτισμό στον οποίο μεγάλωσε. Στην πραγματικότητα, θα μπορούσατε να δείτε τον εαυτό σας σε αυτήν, τη μητέρα σας και υπάρχει αυτή η αίσθηση της Ντέγια Βου που χτυπά το μυαλό σας, κοιτάζοντας αυτά τα μέρη. Είναι σχεδόν σαν να ήσασταν εκεί, ίσως στη ζωή ή σε ένα όνειρο που χάθηκε κάπου. Και για έναν καλλιτέχνη να δημιουργήσει κάτι τόσο προσωπικό και οικείο είναι κάτι πραγματικά πέρα ​​από τα λόγια. Είναι μια ταινία που τεκμηριώνει αυτό που πάντα γνωρίζαμε: ο κινηματογράφος είναι η καλύτερη μορφή τέχνης.

1. 2001: Μια Διαστημική Οδύσσεια (1967)

Όπως κάθε άλλη καταχώρηση σε αυτήν τη λίστα, το «2001» είναι επίσης ένα μάθημα στη δημιουργία ταινιών. Αρκετοί σκηνοθέτες, όπως οι Christopher Nolan και Denis Villeneuve, μίλησαν για το πώς η ταινία αποτέλεσε την έμπνευσή τους. Ναι, η ταινία είναι ένα τεχνικό θαύμα. Αλλά αυτός δεν είναι ο λόγος για τον οποίο η ταινία ήταν στην κορυφή αυτής της λίστας τόσων μεγάλων ταινιών. Κάθεται στην κορυφή γιατί είναι μια ταινία που τόλμησε να πάει σε ένα μέρος όπου δεν έχει περάσει ποτέ ταινία. Κόλαση, κανείς δεν ήξερε καν ότι υπήρχε ένα τέτοιο μέρος όπου ο κινηματογράφος μπορούσε να πάει. Και αν ποτέ η τέχνη του κινηματογράφου απαιτούσε έναν λόγο ή μια απόδειξη για να επιβεβαιώσει ότι ο σκοπός της ύπαρξής του είναι κάτι παραπάνω από απλή ψυχαγωγία, τότε εδώ είναι: το εντελώς συναρπαστικό και εξαιρετικά μυθικό, '2001: A Space Odyssey'.

Ο Stanley Kubrick επέκτεινε τους ορίζοντες του κινηματογράφου με σχεδόν όλες τις ταινίες του. Με το «2001: A Space Odyssey» έδωσε επίσης ένα νέο νόημα για το τι μπορεί να επιτύχει ο κινηματογράφος. Η πλειονότητα των κινηματογραφιστών χρησιμοποιούν τον κινηματογράφο ως μέσο για να πουν μια ιστορία. Αλλά ο Κούμπρικ χρησιμοποίησε τον κινηματογράφο για να ρωτήσει. Τι ρώτησε; Τα πάντα, από τον Θεό έως τον σκοπό της ύπαρξής μας. Ενώ το '2001: A Space Odyssey' είναι μια πολύ έξυπνη ταινία επιστημονικής φαντασίας από μόνη της, είναι επίσης πολύ περισσότερο. Πιστεύω ότι είναι μια ταινία που είναι περισσότερο μια φιλοσοφική αναζήτηση για να καθοριστεί εάν υπάρχει Θεός. Συζήτηση για υψηλό στόχο!

.