100 καλύτερες ιαπωνικές ταινίες όλων των εποχών

Πρώτα απ 'όλα, θα ήθελα να αφιερώσω λίγο χρόνο σε αξιότιμες αναφορές και σχεδόν καθυστερήσεις: Τα ελκυστικά επίπονα σύννεφα του Miko Naruse, όταν μια γυναίκα ανεβαίνει τις σκάλες, η λαχτάρα και ο πιο συγχωρήσιμος ήχος του βουνού δεν τα κατάφεραν. Προσπάθησα να αφήσω αρκετό χρόνο για να ζεσταθώ στο έργο του, αλλά συνεχώς δεν με ενδιαφέρει, δυστυχώς. Το Tampopo, το Castle of Sand, ο άνθρωπος πίσω από τον ήλιο, το Angel's Egg, η Belladonna of Sadness και το Taste of Tea επίσης δυστυχώς δεν ταιριάζουν στην κινηματογραφική μου παλέτα. Για να μειώσω την παλιρροιακή ροή σε μια υπερβολική αφθονία των Akira Kurosawa και Yasujirō Ozu, δεν συμπεριέλαβα τους υπέροχους Stray Dog, Scandal ή Kagemusha. Ούτε το αποδεικτικά παραγωγικό Ozu’s I Born but & hellip ;, Early Summer, Late Autumn, The Only Son, The End of Summer, The Flavour of Green Tea over Rice and A Hen in the Wind αντίστοιχα.

Λάβετε υπόψη ότι αυτή η λίστα είναι για τις καλύτερες ταινίες: Επομένως καμία από αυτές τις ταινίες δεν την έφερε στην πρώτη θέση. Ήθελα απλώς να αναγνωρίσω την ποιότητά τους ανάμεσα σε τόσους άλλους πολύτιμους λίθους. Το ίδιο ισχύει και για τους συμπαγείς αλλά τελικά μη ικανοποιητικούς χοίρους και θωρηκτά της Shohei Imamura, οι πορνογράφοι και ένας άντρας εξαφανίζονται, μαζί με το όμορφο Coup D'état και Wuthering Heights του Yoshishige Yoshida, την ταπεινή Συγκρότηση του Kon Ichikawa, την καρδιά και τις δέκα μαύρες γυναίκες, καθώς και τη Hirokazu Koreeda's αγγίζοντας το After Life, όπως ο πατέρας σαν τον γιο και κανένας δεν γνωρίζει & hellip; Όλα αυτά με έχουν ενθουσιάσει να αναζητήσω το After Storm όταν τελειώσει. Τέλος, θα ήθελα να αφιερώσω λίγο χρόνο για το έργο του Sion Sono: Παρά την απογοητευμένη επιμονή και την απεγνωσμένη ελπίδα - δεν μπορώ να πω ότι ούτε ένα κομμάτι του δοκίμασα αξίζει τον κόπο. Το Cold Fish, η φυλή του Τόκιο, η ένοχη του ρομαντισμού και η εξαιρετικά φτωχή έκθεση αγάπης είναι όλα άσκοπα, τουλάχιστον όλα τα τελευταία - που ήταν η χειρότερη ταινία που είδα σε αυτό το ταξίδι μέσω του ιαπωνικού κινηματογράφου. Ανυπόφορος.

Με αυτόν τον τρόπο: Ας ξεκινήσουμε. Εδώ είναι η λίστα των κορυφαίων ιαπωνικών ταινιών που έχουν γίνει ποτέ.

100. Πύλη της κόλασης (1953)

Ένα πολυτελές εξειδικευμένο εγχείρημα εποχής, το Gate of Hell's اپیل βρίσκεται στην πανέμορφη παλέτα σχεδίων του. Σε σκηνοθεσία Teinsuke Kinugasa, πιο διάσημος για το ορόσημο του 1926 Μια σελίδα της τρέλας , είναι μια σφιχτά παραμυθένια ιστορία που απαιτεί περίπου δύο προσπάθειες να εκτιμηθεί πλήρως, ειδικά για δυτικές κριτικές που δεν είναι εξοικειωμένες με τον κωδικό τιμής του Feudal Japan- αλλά ανταμείβει με μια πλούσια στρίψιμο και απαίσια υπαινιγμό για την υπερφυσική απειλή στην οποία αναφέρεται ο τίτλος.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972… 74)

Ένας περίεργος διεκδικητής για τον βασιλιά των franchise των κόμικς, Lone Wolf και Cub παρακολουθεί έναν εξόριστο εκτελεστή και τον νεαρό γιο του μέσα από μια σειρά ταινιών επτά μερών, τα οποία όλα αποτελούν αυτό το σημείο στη λίστα. Μέρος III: Καροτσάκι για τον Άδη και μέρος VI: Λευκός παράδεισος στην κόλαση είναι το ισχυρότερο στο μυαλό μου - αν και ο καθένας αξίζει ένα ρολόι και πρόσφατα διαθέσιμο από τη συλλογή κριτηρίων από φέτος. Είναι μια επιλογή από ζεστά κομμάτια χαρακτήρων με δελεαστική δράση και χιούμορ για να εξαφανιστεί οποιεσδήποτε διατυπώσεις στην αφήγηση - όλα αξίζουν ένα ρολόι και περισσότερο από άξια να σφυρηλατήσουν τον δικό τους χώρο εδώ.

98. Ichi the Killer (2001)

Εξωφρενικό πέρα ​​από το εξωφρενικό, η ατρόμητη αναταραχή του Miike υπονομεύει την ανάγκη για ουσία, συγκεντρώνοντας την εστίαση στην καταστροφή και την περίσσεια από τη λέξη go και εκπληρώνοντας την υπόσχεσή της για πόνο και αιματοχυσία, στο βαθμό που μερικές ταινίες στη νομική πλευρά της γραμμής μπορούν να κατανοήσουν ακόμη και. Είναι υπέροχα ανόητη διασκέδαση με ένα γλείψιμο του σκότους, τόσο ακραίο που πρέπει να το πάρεις στα σοβαρά. Δεν μπορώ παρά να σεβαστώ Ichi ο δολοφόνος επειδή είναι τόσο άνετος στο δικό του παράλογο - και ενώ ο τίτλος αποδεικνύεται κρυφός, ο Miike βρίσκει αρκετή ορμή στα πρώτα στάδια για να φτάσει μέχρι το τέλος μαζί μου μπερδεμένος, μπερδεμένος και εντυπωσιασμένος από την εμπειρία κάθε φορά.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, ο άνθρωπος πίσω από την ανθολογία του εγκλήματος Μάχες χωρίς τιμή ή ανθρωπότητα , είναι ένας καλλιτέχνης που εδώ εκφράζει μια διαχρονική ποιότητα τόσο υπέροχη για τον ευρύτερο ιαπωνικό κινηματογράφο: Δεν φοβάσαι να αγκαλιάσεις τη δημιουργία ταινιών. Μάχη Royale είναι μοναδικά σχεδιασμένο ως μια σατιρική κωμωδία που μοιάζει με ανόητο και ενώ χτυπάει ανθρωπιστικά σημάδια στην πορεία, τα ποτάμια του πιτσιλίσματος και του άψογου κωμικού συγχρονισμού που το Fukasaku προσδίδει ακόμη και στις πιο άθλιες καταστάσεις κάνουν το στίβο μια απόλυτη έκρηξη. Η σειρά του Takeshi Kitano είναι ιδιαίτερα αξιοσημείωτη, απορρίπτοντας όλες τις έννοιες του σεβασμού για μια ολοκληρωτική επίθεση στο πνεύμα και τη γεύση. Μάχη Royale είναι ακατάστατο, αυτό είναι αλήθεια, αλλά ο τρόπος που τόσο ακούραστα συγκεντρώνει ξανά και ξανά για μια ακόμη επίθεση στον σκεπτικιστή είναι υπέροχος. Χωρίς δισταγμό, ο Fukasaku καταλαβαίνει το αμβλύ όπλο που κρατά στα χέρια του και το ταλαντεύεται με πλήρη δύναμη. Το γεγονός ότι ήταν η τελική του ταινία προσδίδει κάποια αξιοπρέπεια στις προσπάθειες του άνδρα - μια αποστολή αυτοκτονίας που χτυπά σε ένα αστείο κόκκαλο θα έπρεπε να είστε κωμωδία για να μην αισθάνεστε τσίμπημα τουλάχιστον μία ή δύο φορές καθ 'όλη τη διάρκεια. Βασική ψυχαγωγία.

96. Godzilla (1954)

Μια κλασική ταινία τέρας για να συναγωνιστεί τους οπαδούς του King Kong και κάθε πρωτότυπης γκάμας της Universal, τουλάχιστον σε κλίμακα. Το Godzilla δεν έχει την ανθρωπότητα και το πνεύμα του The Invisible Man ή την άγρια ​​λαχτάρα του The Creature from the Black Lagoon- αλλά είναι διασκεδαστικό. Η παρακολούθηση ενός μεγάλου άνδρα σε μια θανατηφόρα δύσκολη στολή που διασχίζει την αστική Ιαπωνία είναι μια συναρπαστική εμπειρία μέχρι σήμερα, κυρίως για την αναπόφευκτη ταπεινή γοητεία της. Αισθάνεται αυτή τη στιγμή και παρά τα γρήγορα ραντεβού του αποτελέσματα, είναι ευπρόσδεκτο να μείνετε εκεί ως λείψανα μιας εποχής από καιρό που χάθηκε - και τώρα είναι μια καλύτερη στιγμή από οποιαδήποτε για να ελπίζουμε ότι το μασκαρισμένο προβάδισμα Haruo Nakajima στηρίζεται σε ηρεμία.

95. Τρελό φρούτα (1956)

Ένας πρωτοπόρος ιδρυτής του Ιαπωνικού New Wave, Τρελά φρούτα η εστίαση στη φλόγα της νεολαίας βρίσκει τα πόδια της με μια απλή ιστορία που εκτείνεται πολύ πέρα ​​από τις ταπεινές παραμέτρους της: Πηδώντας το φράχτη δύο ανδρών ερωτευμένων με την ίδια γυναίκα για να αντανακλά μια εντύπωση της γενιάς μετά τον πόλεμο στο σύνολό της. Αυτοί οι άνθρωποι είναι σκληροί, ανεξάρτητοι και απελπισμένοι να αποδειχθούν - σημαδεμένοι από την επανειλημμένη βεβήλωση των αξιών του έθνους τους. Βρίσκει μια θέση αφήγησης που περιβάλλεται από κοινωνικά και πολιτικά πλαίσια- και αντιπροσωπεύει τα πρώτα πρώτα βήματα του Νέου Κύματος. Καθώς αυτή η λίστα συνεχίζεται, θα δούμε ότι το μακράς διαρκείας κίνημα προχώρησε για πάντα μέσα - είτε γοητευμένος είτε φοβισμένος και κάνοντας έτσι να βρει μια αφήγηση όχι εθνών - αλλά για σεξουαλικότητα, διαστροφή, βία, απληστία, υπερφυσικότητα και ψύχωση. Ο Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος μπορεί ακόμα να παραμονεύει σε αυτές τις ιστορίες - αλλά το βρίσκω ενδιαφέρον ότι το αντιμετωπίζω τόσο ανοιχτά όσο Τρελά φρούτα τελικά έγινε με εστίαση, παρά έκρηξη θέματος.

94. Η ζωή του Οχάρου (1952)

Η πρώτη μας ταινία από τον Kenji Mizoguchi, Η ζωή του Οχάρου αποδεικνύει μια κλασικά συγκινητική μελέτη χαρακτήρων που κάνει τον πρωταγωνιστή της να αντικατοπτρίζει την κατάσταση για τις γυναίκες στην Ιαπωνία μετά τον πόλεμο, κάτι που ο Mizoguchi έκανε αξιοθαύμαστα σε όλη την καριέρα του. Ένα εκτεταμένο, σύνθετο δραματικό κομμάτι που χρησιμοποιεί χρόνο για να επισημάνει την κατάσταση που γίνεται γρήγορα το επίκεντρό του, ο Mizoguchi παράγει ένα από τα καλύτερα έργα του καθαρά για τον τρόπο που τόσο ανθρωπιστικά αγκαλιάζει και σπάει μαζί με τον ίδιο τον Oharu - τον σκηνοθέτη που συγκινείται από την αντιξοότητα που αντιμετωπίζει. Είναι αυτή η σχέση που αιμορραγεί κατευθείαν στην οθόνη που επιτρέπει στην ταινία να ανυψώσει το δράμα της πέρα ​​από την αξιοπιστία.

93. Όνειρα (1990)

Γράφτηκε από το πίσω μέρος του υποσυνείδητου του, του Akira Kurosawa's Όνειρα είναι μια ζωγραφική απεικόνιση του εσωτερικού του νου ενός ανθρώπου: Χαλαρά συγκρίσιμη με Ποιμενικός εκτός από την έλλειψη ευαισθησίας του New Wave υπέρ μιας πιο μετρημένης, ήρεμης εξερεύνησης στις νυχτερινές περιπλανήσεις της Kurosawa. Η προκύπτουσα συλλογή σύντομων χρονογραφημάτων αποκαλύπτει κάτι ωμό και μοναδικό για τον τρόπο με τον οποίο φιλτράρεται η ζωή μέσω του φακού του υποσυνείδητου μας - και σε αυτό μπορεί να είναι η πιο ειλικρινής ταινία που έχει φτιάξει ποτέ η Akira Kurosawa. Ένα διαυγές, υπέροχο μικρό στολίδι.

92. Κηδεία παρέλαση τριαντάφυλλων (1969)

Η ευρεία ανοιχτή λήψη του σκηνοθέτη Toshio Matsumoto για τον Oedipus Rex (ίσως ο καλύτερος κινηματογράφος που έχει να προσφέρει), Κηδεία παρέλαση τριαντάφυλλων σηματοδοτεί μια κρίσιμη λεκάνη για εναλλακτική σεξουαλικότητα και εικόνες που προκαλούν φύλο στον ιαπωνικό κινηματογράφο και στις αγορές της χωρίς τα όρια που έχουν μεταμορφώσει το κίνημα σήμερα. Είναι μια γιορτή και μια κριτική για την ανθρώπινη έκφραση, κατανοώντας τη σύγχυση που αντιμετωπίζουν οι χαρακτήρες της, καθώς και αγκαλιάζοντας τις δικές τους αποφάσεις με ταπεινότητα και χαρά. Αυτή η κρίσιμη εικασία σύγχυσης είναι αυτό που ορίζει Κηδεία παρέλαση τριαντάφυλλων «Επιτυχία και αν και δεν νομίζω ότι είναι το κορυφαίο επίτευγμα του Ματσουμότο, ο τρόπος με τον οποίο υπερασπίστηκε τα θέματα του με τόσο ειλικρινά ελαττωματικό τρόπο είναι κάτι που όλοι μπορούμε να μάθουμε από σήμερα.

91. Πάπρικα (2008)

Η ταινία του Satoshi Kon το 2008 είναι συχνά σε σύγκριση με τον Chris Nolan's Εναρξη - και οι δύο βασίζονται σε έννοιες της εισβολής των ονείρων και του εξαναγκασμού. Νομίζω ότι η βασική διαφορά που αφήνει τους θαυμαστές να χωρίζονται σε ένα οδόφραγμα είναι το γεγονός ότι η προσπάθεια του Nolan έχει μεγαλύτερη συναισθηματική απήχηση και εστίαση χαρακτήρα - αλλά όλα αυτά μπλοκάρουν μια κουραστική δομή. Ο Kon γράφει για 85 λεπτά και γεμίζει κάθε καρέ με μια μεθυστική άνθηση ενέργειας και γεφυρώματα μεταξύ στρωμάτων με τέτοια ελευθερία και ευελιξία στην αφήγηση, που η πιο πυκνή δουλειά του Nolan απλά δεν μπορεί να αντέξει. Στο τέλος και οι δύο αποτελούν σταθερά παραδείγματα τέχνης και εφευρετικότητας - αλλά όσον αφορά αυτό που θα προτιμούσα να βάλω στο τέλος μιας δύσκολης ημέρας δεν υπάρχει διαγωνισμός. Και για να ανακαλύψετε το τεράστιο φάσμα δημιουργικών δυνάμεων Πάπρικα διατηρεί στο οπλοστάσιό του, πάνω από το να είναι μόνο μια διασκεδαστική γεύση του Inception - πρέπει να τραβήξουμε ένα Blu ray και να παίξουμε.

90. Έκσταση των Αγγέλων (1972)

Σαν ένα βιομηχανικό κίνημα, νιώθω ότι τα κυρίαρχα σημεία του Ιαπωνικού Νέου Κύματος περιστρέφονται στη βάση του σεξ και της βίας. Και οι δύο είναι εγγενείς στη ζωή και τα στοιχεία τέχνης που συνεχίζουν να χαλάνουν την παγκόσμια κινηματογραφική παραγωγή - αλλά αισθάνομαι ότι λίγες ταινίες τα αντιμετωπίζουν σε μια αρραβώνα. Η Έκσταση των Αγγέλων καταλαβαίνει ότι είναι χυδαία. Οι συνεχιζόμενες σχέσεις του σκηνοθέτη Kōji Wakamatsu με τέτοια ακραία αντικείμενα του έδωσαν τη δυνατότητα να ακονίσει την απερίφραστα βίαιη προσωπικότητα- και το αποτέλεσμα είναι μια τρελή εξερεύνηση Sid & Nancy-esque σε αναρχική απώλεια του εαυτού, καθώς και μια πικρή απόχρωση ρομαντισμού το μπλέντερ. Ανεξάρτητα από την άποψή σας στο τέλος, είναι μια άγρια ​​βόλτα.

89. Διακοσμητική φουρκέτα (1941)

Από όλους τους προπολεμικούς καλλιτέχνες των οποίων η μνήμη αφαιρείται με την πάροδο του χρόνου, ο Χιρόσι Σιμιζού είναι ίσως ο πρώτος ανάμεσα σε αυτούς που έχουν ανάγκη από ανακάλυψη. Παρά την άφθονη κυκλοφορία του Eclipse από τη συλλογή Criterion (ένας πόνος για να κρατήσει και να παίξει οπουδήποτε εκτός της Αμερικής), φαίνεται κακός για τους σημαντικότερους σκηνοθέτες της περιόδου και πιστεύω απολύτως ότι πιστεύω ότι πρέπει να είναι πρωταθλητής μεταξύ των καλύτερων αυτών. Διακοσμητική φουρκέτα απελευθερώθηκε καθώς η Ιαπωνία έσυρε την Αμερική στον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο και όμως δέθηκε με μια ελπίδα και απλότητα που ξεκινάει σε μια πιο πολιτισμένη ηλικία - ή τουλάχιστον μιλάει στον ειρηνισμό που ο Shimizu θα μπορούσε να ζήσει από μέρα σε μέρα - αγνοώντας μια σύγκρουση Θεωρεί βαρβαρό και αψηφά την εξωτερική εικόνα της Ιαπωνίας εκείνη την εποχή. Χωρίς να μπερδεύω αυτήν την περιγραφή σε πάρα πολλές πολιτικές, Διακοσμητική φουρκέτα βρίσκεται ανάμεσα στα καλύτερα χαρακτηριστικά που έχει κατασκευάσει ο Shimizu και αυτός είναι ο μόνιμος μινιμαλισμός του που εξασφαλίζει τον υπέροχα υποτιμημένο συντονισμό του.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Δεν έχω αμφιβολία ότι αντιμετωπίζομαι με ευρέως διαδεδομένη βιτριόλη για την τοποθέτηση ενός τόσο παγκόσμιου θαυμαστού κλασικού τόσο χαμηλού- αλλά πρέπει να ειπωθεί ότι ανάμεσα σε αμέτρητες χιλιάδες Ugetsu Monogatari εξακολουθεί να συγκαταλέγεται μεταξύ των 100 καλύτερων ιαπωνικών ταινιών που έχουν γίνει ποτέ. Έχω μια ξεχωριστή αίσθηση για το φημισμένο αριστούργημα του Mizoguchi: Μια παρατεταμένη πληγή από περιστασιακά υπερβολικά απλή κατεύθυνση που συχνά καταστρέφει το τόσο τέλειο τέχνη του και καταστρέφει οποιοδήποτε και όλα τα προηγούμενα εφέ του. Τούτου λεχθέντος, θα έλεγα ψέματα αν δεν έλεγα πόσο μοναδική ήταν αυτή η ταινία για μένα όταν ήμουν νεότερος και, παρά τις απογοητευτικές σειρές επαναληπτικών ροών τα τελευταία χρόνια, τις μαγικές στιγμές όπου όλα ταιριάζουν και η Μιζογούτσι συνθέτησε θαυμαστικά, κινηματογραφικά συναρπαστικό και τελικά η ανθρώπινη έλξη ξαναγύρισε στις φλέβες μου. Ugetsu Monogatari μπαίνει στη λίστα εν μέρει επειδή είναι ένα σπερματικό έργο, το οποίο είναι κρίμα γιατί είμαι περήφανος που θέλω προσωπική προτίμηση έναντι της κατάστασης: Αλλά η ουσία του θέματος είναι ότι θέλω να το αγαπώ. Κάποια στιγμή σύντομα η αγάπη θα ξαναεμφανιστεί και το αριστούργημα του Mizoguchi θα αυξηθεί ακόμα πιο ψηλά. Ο χρόνος θα δείξει.

87. Κόλαση της Πρώτης Αγάπης (1968)

Η ανίχνευση των παραλληλισμών στη σύλληψή της ανάγεται στα παρόμοια Με κομμενη την ανασα και η διαλογιστική συντροφιά του Eric Rohemer στο Η βραδιά μου στο Maud's από τη συνεχιζόμενη Nouvelle Vague, Κόλαση της πρώτης αγάπης είναι μια ήσυχη, όμορφα απορροφητική παρατήρηση ενός ζευγαριού που κάνει τα πρώτα του βήματα μαζί και ο φιλόξενος, παθιασμένος, βυθισμένος, κρύος, συχνά κενός αέρας που κρέμεται γύρω τους καθώς προσπαθούν να εκμεταλλευτούν τη σύνδεση που ο τίτλος της ταινίας υπόσχεται τόσο τολμηρά στο κοινό της. Πρόκειται για ένα έργο τέχνης χαμηλής συντήρησης που επιβραβεύει τους θεατές με την κίνηση της ανθρώπινης αλληλεπίδρασης.

86. Cure (1997)

Η επεξεργασία στο Θεραπεία είναι θανατηφόρο. Προχωρά σε ένα σημείο στο οποίο θέλετε να κοιτάξετε μακριά, ο Kurosawa γεμίζει το κοινό με μια σιωπηρή κατανόηση του ανελέητου της ταινίας του με τον τρόπο που περνά μέσα από τα εγχώρια ρουτίνα και τα αιματοχυσικά πτώματα τόσο φυσικά όσο η αναπνοή. και είναι αυτή η εξαιρετικά ψυχρή, σχεδόν ψυχωτική αποδοχή του θανάτου στη ζωή που με κάνει να αναρωτιέμαι τον κορυφαίο αξιωματικό του, τον Takabe, και πόσο άθλια η κατάσταση σχετικά με τη βία στην Ιαπωνία είναι τόσο συνηθισμένη στις βάναυσες δολοφονίες. Ενώ κινείται σε μια αργή ανίχνευση που αρχίζει να υπονομεύει την ένταση της αναπνοής, ο Kiyoshi Kurosawa μπόρεσε να εισπνεύσει στο κομμάτι, Θεραπεία εξακολουθεί να είναι κάτι παραπάνω από άξια προσθήκη στον ισχυρό κινηματογραφικό κανόνα του.

85. Ο Κακός ύπνος (1960)

Η πιο αδύναμη προσαρμογή του Σαίξπηρ του Ακίρα Κουροσάβα παραμένει μια από τις ισχυρότερες ταινίες του, παρακολουθώντας χαλαρά την ιστορία του Άμλετ με μια σειρά από εταιρική κριτική που περιμένει στα φτερά. Πραγματοποιήθηκε ενάντια σε άλλες εκδόσεις, παρά την εφαπτομενική του κατάσταση, το BSW βρίσκεται ως μια αδύναμη απόδοση του σεβαστού έργου του οποίου η σύνθεση με το διάλογο δεν αποτυπώνει το εύρος και το βάρος του δράματος του Σαίξπηρ - αν και καλλιεργεί ένα μοναδικά στιλ αφήγησης Kurosawan που προσθέτει μια επιπλέον διάσταση το αρχικό υλικό και σφυρηλατεί έναν υπέροχο συναρπαστικό ρυθμό αφήγησης. Συνολικά πιο μοντέρνο και αγωνιστικό από την έμπνευσή του, το Bad Sleep Well είναι απαραίτητο για τους οπαδούς του Kurosawa που λαχταρούν την ικανότητα και την λεπτότητα των σύγχρονων προσπαθειών του.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Εξάρτια Tetsuo με αδύναμο στομάχι είναι σαν να παίρνεις μια σφαίρα χωρίς γιλέκο. Ανακατωμένο μαζί με ένα χάος από στηρίγματα απορριμμάτων, γεμάτα σετ και οδυνηρά ειδικά εφέ - υπάρχει ζωτικότητα για Tetsuo: The Iron Man's επιδίωξη του δυσάρεστου που το κάνει αξιοθαύμαστο. Έχω σεβασμό για την φτηνότητα που ασχολήθηκαν οι δημιουργοί της για να επιτύχουν την πιο θλιβερή εμπειρία: Συγκλονίζοντας με το χτυπημένο μείγμα ήχου και τα απαίσια μονοχρωματικά γραφικά που ρίχνουν αυτό που γνωρίζουμε στη σφαίρα του αινίγματος. Ασπρόμαυρα χρώματα ακόμη και τα πιο αναγνωρίσιμα αντικείμενα που συνθέτουν Tetsuo's ο κόσμος ως φρικτός προμαχώνας του άγνωστου, σέρνεται κάτω από ρωγμές και μπαίνει σε μας για να ξεκινήσει μια μεταμόρφωση της μετάλλαξης τόσο βίαιη όσο και αναπόφευκτα άρρωστη. Είναι μια δουλειά πέρα ​​από το σημείο ανησυχίας για τις ευαίσθητες ευαισθησίες του κοινού του και αυτό ακριβώς πρέπει να είναι ο καλός τρόμος σώματος. Tetsuo: The Iron Man είναι αναμφίβολα ένα από τα καλύτερα.

83. Μαύρη βροχή (1989)

Μια παράξενα χρονομετρημένη ταινία που θεωρεί ότι συνάδει με την πραγματική πραγματεία του Isao Takahata σχετικά με τον ανθρώπινο αριθμό των πυρηνικών βομβών που έπεσαν στο αποκορύφωμα του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου και ασχολείται με παρόμοια θέματα, Μαύρη βροχή κατωτερότητα από το υπέροχο Τάφος των Πεταλούδων σε καμία περίπτωση δεν σημαίνει ότι πρέπει να αγνοηθεί. Αν μη τι άλλο, οι λεγεώνες των θαυμαστών που συλλέγουν σωστά γύρω από το έργο της Takahata θα πρέπει να συρρέουν και εδώ. Η πρώτη ταινία της Shohei Imamura σε αυτήν τη λίστα, Μαύρη βροχή ρίχνει μια βαθιά τραγική, επίπονη προσωπική ματιά στο βάρος της πυρηνικής έκρηξης: Αντιμετώπιση της ενοχής του επιζώντος, της απόκρισης, της θλίψης, της απώλειας και της αποδοχής του γεγονότος και των σοβαρών επιπτώσεών του με ένα απλό, απλό στυλ χαρακτηριστικό του Imamura που είναι ο δικός του τρόπος εξίσου εντυπωσιακό και άμεσο Χιροσίμα η αγάπη μου ονειρική διαύγεια.

82. Ανθρώπινα και χάρτινα μπαλόνια (1937)

Ένα φορμαλιστικό κλασικό στον ίδιο χώρο με το σεβαστό σώμα εργασίας του Kenji Mizoguchi, εκτός από το ότι ο σεβαστός εδώ σκηνοθέτης Sadao Yamanaka κρατά τον εαυτό του με ταπεινότητα από τον οποίο μπορούν να μάθουν όλοι όσοι σχεδιάζουν να μπουν στον κόσμο του κινηματογράφου. Η άλλη διάσημη εικόνα του, Το Million Ryo Pot , είναι μια συγκριτικά ήρεμη, νηφάλια σύνθεση και δραματοποιημένη ιστορία - αν και πιστεύω ότι η άκρη χτυπάει στο σπίτι για Ανθρώπινα και μπαλόνια χαρτιού γιατί καταφέρνει να κάνει μια ευρύτερη δήλωση σχετικά με την ουσία της καθημερινής ζωής. Η άνεση του παιχνιδιού του φιλόδοξου τίτλου αντηχεί σε κάθε καρέ και ενώ δεν είναι μια κίνηση, βρήκα έντονα συναρπαστικό ή ακόμη και υπομονετικά κινούμενο - υπάρχει κάτι εδώ που απαιτεί ρολόι.

81. Σιωπή (1971)

Προσαρμόστηκε από το ίδιο μυθιστόρημα που αντιμετωπίστηκε πρόσφατα από τον Martin Scorsese, Masahiro Shinoda's Σιωπή χρησιμεύει ως ένα συναρπαστικό επίκεντρο των διαφορών μεταξύ δυτικών και ανατολικών κινηματογραφικών στυλ. Ο σκληρός, σκληρός τόνος του Scorsese είναι διπλωμένος υπέρ μιας πολύ πιο ταπεινής προοπτικής κάτω από το επιμελές χέρι του Shinoda, επιτρέποντας μια τρίχα μετανοίας και συναισθηματικότητας σε μια κατά τα άλλα εντυπωσιακά νατουραλιστική, απογυμνωμένη λήψη του βιβλίου. Μια σκηνή που υπογραμμίζει την επιδεξιότητα του Shinoda στην ανάπτυξη μιας κοσμικής ατμόσφαιρας για τη θρησκευτική του ιστορία χωρίς την ανάγκη χειραγώγησης έρχεται με τη μορφή μιας ηλικιωμένης γυναίκας που τραγουδάει σε ένα δωμάτιο γεμάτο ανθρώπους: Μόλις μια λέξη που μιλά αντηχεί με την ιστορία που υπάρχει, ούτε υπάρχει μεταφέρθηκε ο περαιτέρω χαρακτηρισμός- και ωστόσο, εμποδίζει το υπόλοιπο της ταινίας με αναπόφευκτη ζωτικότητα, που τόσο προκλητικά λυγίζει κάτω από το βάρος της αγωνίας και της απελπισίας που αντιμετωπίζουν οι ιερείς και οι μαθητές τους. Κατανοημένη και δελεαστική, η ταπεινοφροσύνη της βρίσκεται στην κορυφή του θρυλικού ιταλο-αμερικανικού σκηνοθέτη για μένα κάθε μέρα.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Κάνοντας αμέσως τα πράγματα δύσκολα για τον εαυτό του, Go Go δεύτερη φορά Virgin χτυπά το χρόνο εκτέλεσης των 65 λεπτών με μία από τις πολλές δυσάρεστες σκηνές βιασμού. Δημιουργώντας μια αφήγηση από τη θλιβερή σχέση του νεαρού κοριτσιού με έναν εξίσου νεανικό, ενοχλημένο δολοφόνο που παρακολούθησε από τη σύντομη αλλά ζωτική δουλειά του σκηνοθέτη Kōji Wakamatsu, ορίζει τον εαυτό της χωρίς να συνδέει ποτέ αφηγηματική σύμβαση στο ζευγάρωμα. Αφήνοντας τις δικές τους συσκευές, αποκαλύψεις και συνομιλίες, η ταινία κάνει εκπληκτική χρήση του εξαιρετικά χαμηλού προϋπολογισμού της με συχνά αποτελεσματική σύνθεση στο χαρακτήρα του Ιαπωνικού Νέου Κύματος - καθώς και μια αντιπαραγωγική απεικόνιση της σεξουαλικής βίας πολύ πιο συναρπαστική, πυκνή και προσηλωμένη από τη Nagisa Η περίφημη καλλιτεχνική αναταραχή του 1976 του Oshima (και αυτό το θέτει γενναιόδωρα) Στο βασίλειο των αισθήσεων .

79. Οι αμαρτωλοί της κόλασης (1960)

Επισημαίνεται με ένα λιγότερο από διαισθητικό σενάριο και μια αδιάφορη πλοκή, Οι αμαρτωλοί της κόλασης εξακολουθεί να καταγράφει τη θέση του σε αυτήν τη λίστα για τον κατά τα άλλα εξαιρετικό έλεγχο του τεχνητού. Κάθε πλαίσιο είναι γεμάτο φωτισμό καιμ και με μια σκοτεινή παλέτα χρωμάτων, περιστασιακά διάτρητα με τρυπήματα κόκκινου χρώματος που χρησιμεύουν ως μια λεπτή υπενθύμιση της επόμενης αγωνίας. Βλέπεις, Τζιγκόκου είναι ένα παιχνίδι αναμονής: Μια ταινία που περνά τον χρόνο της στον μονότονο πραγματικό κόσμο πριν βυθιστεί στην κόλαση. Η εξαιρετική σκηνή ανοίγματος δίνει στο κοινό μια μυρωδιά αίματος που δοκιμάζει προσωρινά σε κάθε άλλη σκηνή έως ότου επιτραπεί τελικά να βιώσουμε τον Τάρταρο για τον εαυτό μας: Μια ιπποδρομία με εκπληκτικά κεντήματα, υπέροχο χρώμα, υπερβολικά έξτρα και γνήσιο πανικό καθώς οι χαρακτήρες έχουν χρόνο συλλογιστείτε τις συνέπειες των ενεργειών τους. Έτσι, ενώ είναι κουραστικό, η απόδοση μας ανταμείβει με τα εντάλματα παρακολούθησης Οι αμαρτωλοί της κόλασης τουλάχιστον μία φορά - για λίγο στον κινηματογράφο ταιριάζει με την εγγενώς συγκρούσιμη, τρομερή άψυχη όρασή του για τον κάτω κόσμο.

78. Είκοσι τέσσερα μάτια (1954)

Ακολουθώντας τη μητριαρχική θέση μιας νέας γυναίκας στο κεφάλι μιας τάξης μαθητών και τις επιπτώσεις της στη γύρω κοινωνία, το Twenty-Four Eyes είναι ένα φεμινιστικό κείμενο που στερείται της υπερβατικής ουδετερότητας φύλου για κάτι τόσο αριστοτεχνικό όσο η Jeanne Dielman, αλλά διατηρεί τη θέση του ως σημαντική δουλέψτε για μια ισχυρή κεντρική παράσταση από τον Hideko Takamine και το αφηγηματικό κομμάτι του Thiassos-esque που ξεκινά από το 1928 έως το 1946 σε μια ευρεία μελέτη της εσωτερικής πολιτικής και την εξέλιξη της αντίληψης κατά τη διάρκεια των ετών από την ειρήνη έως τον πόλεμο.

77. Κύριε Ευχαριστώ (1936)

Ο διακριτικός διαλογισμός του Hiroshi Shimizu για την αλληλεπίδρασή μας, Κύριε Ευχαριστώ ακολουθεί μια ομάδα ανθρώπων σε ένα λεωφορείο και εξερευνά κάθε είδους συναισθηματικό χαρακτήρα στο ωριαίο ταξίδι προς τον προορισμό τους (ευτυχώς απομακρύνεται από μια διαδρομή με λεωφορείο που θα τελειώσει πολύ λιγότερο ομαλά λίγο αργότερα σε αυτήν τη λίστα). Είναι ένα γοητευτικό πορτρέτο της ποίησης στην καθημερινή ζωή που ξεπερνά τόσες πολλές πιο επιφανειακά φιλόδοξες ταινίες σε αυτήν τη λίστα για την ικανότητά της να κάθεται και να μιλά για πάνω από 60 λεπτά χωρίς να χάνει ένα ρυθμό. Ένας μικροσκοπικός θησαυρός.

76. Οδός της ντροπής (1956)

Βγαίνοντας στην άκρη ενός έργου, ο Kenji Mizoguchi's Οδός της ντροπής είναι ένα από τα μεγάλα swansongs - που αντλεί από όλη την κινηματογραφική εμπειρία του άνδρα μέχρι στιγμής στην καριέρα του και το συγκεντρώνει σε μια έγκαιρη, χαρακτηριστικά προσεκτική και εξαιρετικά ανθρώπινη δουλειά. Ζώντας σε μια πόρνη κατά τη διάρκεια του λυκόφως της νομιμότητας της πορνείας στην Ιαπωνία, ο Mizoguchi κατασκευάζει μια όμορφα κινούμενη ταπετσαρία συγκρούσεων και φαινομενικής «ηθικότητας» δεδομένου του αληθινού του προσώπου που διαπερνά την αντίληψη και μας επιτρέπει να δούμε παρελθούσες προκαταλήψεις. Σήμερα, το κοινό συχνά απολαμβάνει σαφώς αντι-ηρωικούς ή εγκληματικά ανόητους χαρακτήρες χάρη στη λαμπερή λάμψη του GoodFellas και άλλα λιονταρισμένα, συχνά χαρούμενα σαδιστικά παραστάσεις ηθικά ανίσχυρων χαρακτήρων. Το 1956, ιδιαίτερα κατά τη διάρκεια μιας νομικής μετάβασης - μια τέτοια ταινία πρέπει να ήταν άγνωστη. Οι γυναίκες της Οδός της ντροπής απλώς προσπαθούν να ζήσουν- και αυτό είναι που κάνει το βάρος τους ακόμη πιο θλιβερό.

75. Πλωτά ζιζάνια (1959)

Θεωρείται από τα μεγαλύτερα επιτεύγματα του Οζού ως καλλιτέχνης, του 1959 Πλωτά ζιζάνια παρακολουθεί έναν ταξιδιώτη συγκροτημάτων ερμηνευτών και τα οικογενειακά ζητήματα που αντιμετωπίζουν κατά τη διάρκεια των ταξιδιών τους - ιδιαίτερα την επανένωση προηγουμένως διαχωρισμένων πάρτι που απειλεί να απαλλάξει την προσοδοφόρα θεατρική εταιρεία. Είναι εξίσου ισχυρό με τις καλύτερες ταινίες του Ozu, αλλά ασχολούμαι με την αφήγηση της ιστορίας, ιδίως τη δομή. Πραγματοποιήθηκε ενάντια σε μερικές από τις τελευταίες ταινίες του Ozu που θα συναντήσουμε εδώ δεν μπορεί να τους κρατήσει κερί - αλλά τουλάχιστον είναι ένα μέτρο του πόσο εξειδικευμένος καλλιτέχνης ήταν αυτός Πλωτά ζιζάνια εξακολουθεί να καταφέρνει να σπάσει την κορυφή 75 σε φωτεινά ήσυχη, στοχαστική μορφή. Ακόμα σημαντικό.

74. Ποιμαντικός: να πεθάνει στη χώρα (1974)

Το Shūji Terayama's Ποιμενικός είναι μια υπέροχη άσκηση με περίεργο τρόπο. Θα ήταν αφελές για κανέναν να το ονομάσει αυτό το συγκεκριμένο κλάδο του παράξενου «σουρεαλιστικού» γιατί Ποιμενικός είναι πολύ λιγότερο λεπτό από αυτό: Συσκευάζοντας τον σύντομο χρόνο εκτέλεσης γεμάτο παράλογες κωμωδίες και φανταστικές εικόνες που θυμίζει μια μνήμη που βίωσε ο σκηνοθέτης στο μέλλον του. Το ακατανόητο μιας τέτοιας έμπνευσης είναι λίγο απέναντι στην πλοκή και τις ιδέες του - αν και όπως με το προηγούμενο έργο του, η χαλαρότητα της πλοκής του Terayama δεν μειώνει με κανέναν τρόπο την εμπειρία που προσπαθεί να παράσχει - και εάν το μεγαλοπρεπές έργο του προσπαθεί να εκφράσει ο θυμός και το πάθος μιας δυσαρεστημένης νεολαίας, τότε αυτή είναι η δική του πιο προσωπική συνέχεια: Μια εξερεύνηση σε ένα συναρπαστικό μυαλό που φωτογραφήθηκε υπέροχα και πραγματοποιήθηκε θερμά. Είναι εύκολο να κάνεις μια ταινία παράξενη, αλλά στη συνέχεια να τονίσω τον αντίκτυπο που έχει η οπτική αρετή με την προσωπικότητα, την τεχνική και τη σκηνοθετική ικανότητα είναι κάτι που ο άνθρωπος πετυχαίνει εδώ. Είναι πραγματικά κάτι που πρέπει να το δεις.

73. Τέλειο μπλε (1998)

Μια καθοριστική κραυγή ταλέντου από τον animator Satoshi Kon, Τέλειο μπλε βρίσκει φυσικότητα στον εσωτερικό αγώνα ενός συνταξιούχου ποπ είδωλου που προσπαθεί να πιάσει τη νέα της ταυτότητα - όλα τυλιγμένα στην συνεχώς εξελισσόμενη ώθηση του σύγχρονου κόσμου. Οι οπτικές ευαισθησίες του Kon οδηγούν σε υπέροχες και τόσο δυστυχώς υπερβολικές κινηματογραφικές στιγμές- αλλά νομίζω ότι το μεθυστικό αφηγηματικό σχέδιο Τέλειο μπλε βρίσκει στην απροσεξία με την οποία βασανίζεται ο πρωταγωνιστής της και, με αυτόν τον τρόπο, βασανίζεται, τον προωθεί κάθε σκηνοθετικό λόξυγκας. Είναι ένα μεταφυσικό κομμάτι που επιτρέπει στον εαυτό του να κάνει τον τρόμο πραγματικό - που ωθεί τα όρια των παραδοσιακών κινούμενων χαρακτηριστικών για κάτι εντελώς πιο σκοτεινό και ενοχλητικό για τη γενναιότητά του. Παρά τον εαυτό του, ο Kon δεν αποφεύγει την πραγματικότητα στην απεικόνιση της διανοητικής υποβάθμισης- και αυτό είναι που αγκαλιάζει τα διαφορετικά χρονολογημένα διλήμματα Τέλειο μπλε μέχρι σήμερα. Ένα συναρπαστικό, συχνά μπερδεμένο πείραμα κινούμενης εικόνας.

72. Σκούρο νερό (2002)

Μια άμεση εξέλιξη του τρομακτικού Το δαχτυλίδι , Του Hideo Nakata Σκοτεινό νερό αντιπροσωπεύει τη δεύτερη και ίσως μόνο άλλη επιτυχία του σκηνοθέτη και που καταφέρνει να φέρει το στυλ του ακόμα πιο μακριά. Είναι γεμάτη με μια ωριμότητα που ξεφεύγει από πολλούς J-Horrors, στηρίζοντας τη δύναμη του δράματός του με μια πονηρή προσοχή στην ηρεμία και την ακρίβεια που οι μικρότεροι καλλιτέχνες δεν θα μπορούσαν εντελώς να κατανοήσουν. Η παλλόμενη επιδίωξη κάποιου αόρατου στόχου αντηχεί σε κάθε σκηνή και διαμορφώνει το αναπόφευκτο σε ένα όπλο όχι μόνο του φόβου - αλλά και του καταναγκασμού.

71. Yûkoko: η τελετή της αγάπης και του θανάτου (1966)

Yûkoko: η τελετή της αγάπης και του θανάτου είναι διάσημος για μερικούς λόγους, κυρίως επειδή ο διευθυντής του Yuiko Mishima αυτοκτόνησε επίσης μέσω του seppuku μετά από ένα αποτυχημένο στρατιωτικό πραξικόπημα. Ο άντρας ήταν η βάση της καλύτερης ταινίας του Paul Schrader, Μια ζωή σε τέσσερα κεφάλαια , και επικεντρώνεται στον εαυτό του ως ένα εντυπωσιακά συναρπαστικό θέμα, κάνοντας χρήση της σκηνής του Noh και της ισχυρής σύνθεσής του για να επιβεβαιώσει το άφωνό του μήνυμα. Τα ειδικά εφέ που προκαλούν squeam είναι εξαιρετικά εντυπωσιακά για την εποχή τους, προσομοιώνοντας τη δράση του Harakiri σε εκπληκτικό αποτέλεσμα και δημιουργώντας την τέλεια στίξη για τον πατριωτισμό του Mishima. Χωρίς παράδοση.

70. Ακίρα (1988)

Ένα λαμπερό, νεοσύστατο ορόσημο της ιαπωνικής ζωτικότητας και η διείσδυσή του στη διεθνή κεντρική σκηνή, Ακίρα σηματοδοτεί ένα επαναστατικό σημείο από το anime και εντυπωσιάζει ακόμη και σήμερα με τα λαμπερά χρώματα, τον χαριτωμένο φουτουρισμό και τον άθλιο, απαίσιο μετασχηματισμό του απαίσιου τίτλου. Ενώ η δομή της ιστορίας είναι γεμάτη με σημειώσεις και δεν μπορεί να βρει μια σαφή κατεύθυνση για να ευδοκιμήσει, η αναδυόμενη συνειδητοποίηση του Ακίρα η δράση και τα πιο εντυπωσιακά χαρακτηριστικά του animation είναι αυτό που την καθιστά τόσο επιρροή και επιθετικά συναρπαστικά - φουσκωμένες οθόνες με εκφραστικά επεξεργασμένα σύντομα χρονογραφήματα και ξεπερνώντας τη χαλαρή σκανδαλώδη ανοησία της εξέλιξής της για κάτι πραγματικά θεαματικό. Είναι φαύλο, δυναμικό και ελκυστικό - ένα άξιο κλασικό και ένα ξεκίνημα για μια θαυμάσια εποχή παραγωγής υψηλής ποιότητας κινούμενων σχεδίων.

69. Σάνσσο ο επιμελητής (1954)

Σε αυτό το σημείο πρέπει να ομολογήσω: Δεν μου άρεσε ποτέ το έργο του Kenji Mizoguchi. Παρόλο που προσπάθησα αρκετές φορές να περάσω από τις φωτογραφίες του, τίποτα δεν έχει κολλήσει ποτέ. Λίγα για τη δουλειά του με εμπλέκουν και αυτό που υπάρχει σε γραπτό επίπεδο καταλήγει σε θαμπό όταν το μεταμοσχεύει τόσο αμβλύ στην οθόνη. Αναμφίβολα υπάρχει θαύμα που μπορεί να βρεθεί στη δουλειά του άνδρα - αλλά συνεχίζει να με παραπλανά. Όλα αυτά στο μυαλό μου, τουλάχιστον έβρισκα κάποια παρηγοριά στην επανάληψη της παρακολούθησής μου Sansho ο επιμελητής για αυτόν τον κατάλογο - μια ταινία που με είχε αφήσει στο παρελθόν απογοητευμένη με τη σπατάλη τόσο ισχυρού υλικού. Αυτή η απόπειρα εξελίχθηκε σε μια νέα εκτίμηση της εικονοκλαστικής προσέγγισης του Mizoguchi, που αισθάνεται κενή στο προηγούμενο έργο του. Είναι γεμάτο με βαθιές επιρροές σκηνές και ενώ αισθάνομαι ότι η ταινία έχει διάρκεια περίπου 20 λεπτών- και θα μπορούσε να ανέβει στα βασίλεια της κυριαρχίας σε έναν πιο συνοπτικά κινούμενο χώρο- έχει τουλάχιστον δημιουργήσει έδαφος για τον θρυλικό καλλιτέχνη αυτής της λίστας. Ίσως χρόνια από τώρα να έβαλα τη δουλειά του Mizoguchi ψηλότερα - μπορεί κανείς να ελπίζει.

68. Ονίμπαμπα (1964)

Η πρώτη μας ταινία από το Kaneto Shindo, Ονίμπαμπα περιστρέφει μια ιστορία δυσπιστίας και εξαπάτησης - δύο κλεφτές γυναίκες που επηρεάζονται από μια μάσκα που κατέχει σύντομα και αναζητά τη δική της ατζέντα. Η ατμόσφαιρα της παράνοιας Shindo εξελίσσεται μέσω της προσεκτικής σκηνής του και η αστεία ιστορία του ισοδυναμεί με την επιτυχία του φιλμ - νέους χαρακτήρες και γεγονότα για να αυξήσει την αίσθηση του τρόμου του κοινού μαζί με αυτή των κύριων παικτών του για να τροφοδοτήσει μια μοναδικά παράλληλη συναισθηματική σύνδεση. Αλλά νομίζω, πάνω από όλα αυτά, Το Onibaba's Η διαρκής κατάσταση ως κλασικό του ιαπωνικού κινηματογράφου τρόμου πηγάζει από ένα πλάνο: Μια ενιαία εικόνα που συσσωρεύει τόσο σπλαχνική ενέργεια στην παραλυτική ακινησία της, που με εκπλήσσει φυσικά - αποθάρρυνε να γυρίσω πίσω Ονίμπαμπα στο φόβο να συναντήσει την ίδια τρομακτική παρουσία. Αντιμέτωποι με αυτό, ένα τέλειο στοιχειώδες σύνολο καρέ, η υπόλοιπη ταινία σχεδόν χωνεύει σε σύγκριση: Αλλά για να το ξεφορτωθούμε εντελώς θα ήταν να χάσετε το σημείο μιας τέτοιας ελεγχόμενης συσσώρευσης, καθώς και το εντυπωσιακά χειρισμένο κορύφωμά της.

67. Sonatine (1993)

Αυτό που είναι πάντα εντυπωσιακό για το έργο του Takeshi Kitano είναι ο τρόπος με τον οποίο προσδίδει επιείκεια ακόμη και στα πιο εξαντλητικά σενάρια. Το σχεδόν λείπει Πυροτεχνήματα και Βίαιος αστυνομικός και οι δύο μοιράζονται με τον τρόπο τους τη θέση τους στη λίστα, Σονατίνη , και όλοι μιλούν για τη δημοτικότητά του στην εγγενή Ιαπωνία ως κωμικός της οθόνης και πώς αυτές οι ρίζες διαπερνούν απαλά τις κινηματογραφικές προσφορές του. Κάθε πλαίσιο που κατοικεί λάμπει - παρά τη σύνθεσή του από σκοτεινές και συχνά βάναυσες ιστορίες. Το να παίζουμε με την αντίληψή μας για την ανθρώπινη ηθική και την πιθανότητα είναι τόσο έξυπνο που κάνει τον Kitano τόσο συναρπαστική φιγούρα όσο έχει εμφανιστεί από τον ιαπωνικό κινηματογράφο τις τελευταίες δεκαετίες- και αποδεικνύεται, όπως είπε τόσο καλά ο Rodger Ebert αφού είδα Σονατίνη , ότι οι μικροσκοπικές μελέτες εγκλήματος δεν χρειάζεται να θυσιάζουν το βάθος για τη δέσμευση του a-la Tarantino με τους επιφανειακούς μονόλογους και το επιστόμιο «χαρακτηρισμό». Το Kitano μπορεί να κάνει και τα δύο.

66. Δαίμονες (1971)

Το υδατογράφημα New Wave Toshio Matsumoto αναισθητοποιήθηκε 2 χρόνια πριν με το εξαιρετικό του Κηδεία παρέλαση τριαντάφυλλων και οι δαίμονες του 71 διατηρούν την αισθητική του ορμή με ένα έντονο νυχτερινό τοπίο που βυθίζει κάθε εικόνα σε απόλυτα σκοτεινά μέρη και παίκτες που φωτίζονται στην εφιαλτική σκοτεινή. Άλλοι σκηνοθέτες έχουν πειραματιστεί με αυτήν την τεχνική, ίσως το πιο σημαντικό αξιοσημείωτο παράδειγμα που βρίσκεται με την ανάκριση του Louis Malle στο Elevator to the Gallows - αλλά λίγοι το έχουν ωθήσει σε τέτοια επεμβατικά εφέ - κάθε πυροβολισμός γεμίζει με μια εκτεταμένη αίσθηση φόβου και, κυρίως, απόγνωσης. Ανεξάρτητα από το πόσο κοντά βρίσκονται οι πρωταγωνιστές του για να ξεφύγουν από τους υπερφυσικούς τους επιτιθέμενους - τίποτα δεν είναι ποτέ ασφαλές. Αυτό, προφανώς, είναι υποδειγματικό υπαρξιακό τρόμο.

65. Ακόμα περπατά (2008)

Νομίζω ότι η πανύψηλη σκιά του Yasujiro Ozu μπορεί να ρίξει μια αρκετά μεγάλη σκιά σε οποιονδήποτε δραματικό κινηματογραφιστή, και η πολύτιμη Hirokazu Koreeda είναι ίσως ηγετική μεταξύ των πάσχοντων. Ο άντρας προσπαθεί να αποφύγει τη σύγκριση παρομοιάζοντας το έργο του με τον Ken Loach, περισσότερο από τον ιαπωνικό μύθο, ωστόσο μια τέτοια ομοιότητα είναι αναπόφευκτη και υπογραμμίζει πολλές ελλείψεις στη μέθοδο της Κορέντα. Ο Οζού σάς προσκαλεί να καθίσετε με τους χαρακτήρες του και να ξεδιπλώσετε σταδιακά το σημείο της ιστορίας, ενώ η Κορέιντα κολλά την κάμερα του στο ίδιο δωμάτιο με το δράμα και απλώς παρατηρεί σιωπηλά. Το στυλ του είναι πολύ λιγότερο άμεσο, θυμίζει κάπως την τεχνική του ταϊβανέζικου Hsiao-Hsien Hou, αλλά ακόμη πιο απομακρυσμένο.

Όλα αυτά κατά νου, η άρνηση της Κορέντα να εισβάλει, ωστόσο, οδηγεί σε μερικές έντονες οικείες στιγμές αργότερα, όπου αρχίζει να ανθίζει καθώς οι χαρακτήρες μας επιτρέπουν να γεφυρώσουμε τους έξι βαθμούς διαχωρισμού μεταξύ του κόσμου και του δικού μας. Κάτι τόσο απλό όσο ένα άτομο που πλησιάζει πιάνο, εξαιρετική ανισότητα στο επίκεντρο που υπογραμμίζει τη σημασία της σκηνής, κάνει θαύματα που δίνει στο κοινό μικροσκοπικές, υποβλητικές ματιές στο μυαλό των χαρακτήρων του. Πράγματι Ακόμα περπατά είναι ένα προπύργιο ελπίδας που ενθαρρύνει τους κινηματογραφιστές της σύγχρονης Ιαπωνίας να εμπλακούν στο οικογενειακό δράμα και να προσπαθήσουν να το εμποτίσουν με τον ίδιο καταναγκασμό και αντίκτυπο με τους καλλιτέχνες όπως ο Ozu και ο Naruse όλα αυτά τα χρόνια πριν. Με σκηνοθέτες όπως ο Sion Sono στη σκηνή, είναι ένα δώρο που άνθρωποι όπως ο Hirokazu Koreeda βρίσκονται ακόμα γύρω από την ακτή κάτω από την άσχημη κοιλιά και μας δίνουν κάτι τόσο ήσυχο και μαγευτικό στο πορτρέτο της προαστιακής ζωής του.

64. Εξομολογήσεις μεταξύ ηθοποιών (1971)

Μια βάναυσα ειλικρινής, χαρακτηριστικά ανοιχτή ταινία - δεν μοιάζει με την ασυγχώρητη αναζήτηση Χειμερινό φως - Yoshishige Yoshida's Εξομολογήσεις μεταξύ ηθοποιών ακολουθεί τα τραύματα που προκάλεσαν τρεις γυναίκες να δεσμευτούν στην τέχνη τους - η πρώτη ταινία του σκηνοθέτη στο χρώμα και, συναρπαστικά: Ένα που σε αυτό το νέο, κοκκινωπό πλούτο απογυμνώνει πολλά από τα ακραία κάμερα του για μια κουραστική, γυμνή αναζήτηση της αλήθειας και η επίδρασή τους σε αυτούς τους ανθρώπους. Η αποκάλυψη είναι, με τον δικό της τρόπο, μια μορφή θεραπείας- και του Kiju Yoshida's Εξομολογήσεις μεταξύ ηθοποιών λειτουργεί υπέροχα ως συζήτηση για αυτήν την ιδέα.

63. Η Μπαλάντα του Ναραγιάμα (1984)

Η Μπαλάντα του Ναραγιάμα αντιπροσωπεύει ίσως την πιο διάσημη ταινία του Shohei Imamura, από μόνη της ένα remake ενός εξίσου σεβαστού κλασικού. Αυτό που ξεχωρίζει το κομμάτι του Imamura είναι η απτική του προσέγγιση στην ανθρώπινη δράση - γοητευμένη με τις ζοφερές αντιδράσεις και τις μεταλλαγμένες ψυχές που προκαλούν μεγάλη συναισθηματική πίεση στο μυαλό ενός άνδρα ή μιας γυναίκας. Οι προηγούμενες ταινίες του χειρίστηκαν τέτοια θέματα πολύ καλύτερα, ωστόσο πιστεύω ότι αυτό δεν αποκλείει Η Μπαλάντα του Ναραγιάμα από το να στέκεσαι ψηλά ανάμεσά τους. Η γνωστή λαϊκή ιστορία της είναι εξίσου προσεκτική μελέτη της ανθρώπινης συμπεριφοράς και ενώ στερείται της νοσηρότητας που έδωσε στο έργο της τη δεκαετία του '60 το δάγκωμα του - ο Shohei Imamura εξακολουθεί να προσφέρει ένα ικανοποιητικά συμπονετικό, πραγματικό έργο τέχνης.

62. Μάνταρα (1971)

Μάνταρα είναι, με τον δικό του τρόπο, μία από τις πιο κινηματογραφικές συναρπαστικές ταινίες των αρχών της δεκαετίας του '70. Προκλητική αλλά καθολική ανταμοιβή στο θέμα, τη φωτογραφία και την εκπληκτική διάθεση που δημιουργεί - είναι ένα απαράμιλλο περίεργο έργο που θα μπορούσε να έχει φτάσει στα ανώτερα κλιμάκια αυτής της λίστας αν είχα χρόνο να βυθίσω βαθύτερα στον πλούσιο παράξενο κόσμο του. Αρκεί να πούμε: Αυτό το πολύτιμο στολίδι New Wave είναι απόλυτο απαραίτητο.

61. Η ιστορία της πριγκίπισσας Kaguya (2012)

Ο σεβάσμιος Isao Takahata το 2012 επιστρέφει στη φόρμα μετά την εκπληκτική του 1988 Τάφος των Πεταλούδων , Η ιστορία της πριγκίπισσας Kaguya είναι απλώς υπέροχο. Ένα οικογενειακό μύθο που ταιριάζει σε οποιαδήποτε ηλικία, το απόλυτα όμορφο στιλ της κινούμενης εικόνας του ξεκινά από κλασικά σχέδια ζωγραφισμένα σε μια κουβέρτα από λευκό - ένα ιδανικό back-to-basics που έχει εμπνεύσει ιδιότητες σε περισσότερα από ένα μέσα. Η εκτεταμένη αισθητική έλξη του Κάγουγια δεν περιβάλλεται αρκετά από την ιστορία - αλλά η φωτεινή κινηματογραφική του επιβολή εξακολουθεί να είναι αναπόφευκτα μεθυστική από την αρχή έως το τέλος και απαιτεί προσοχή από οποιονδήποτε οπαδού του animation.

60. Το όνομά σας (2016)

Η πιο πρόσφατη ταινία αυτής της λίστας, πέρυσι Το όνομα σου είναι μια αποκάλυψη. Ο δημοφιλής κινηματογράφος στην Αμερική μπορεί συχνά να είναι τόσο άψυχος και κυνικός, ακόμη και η ανεξάρτητη σκηνή του αρχίζει να προσελκύεται από τη φήμη περισσότερο από την καλλιτεχνική αξία (για να μην δυσφημίσει τις προφανείς εξαιρέσεις σε αυτήν την αυξανόμενη παρατήρηση). Τα λέω όλα αυτά επειδή έχοντας μελετήσει σύγχρονες ιαπωνικές κυκλοφορίες για αυτόν τον κατάλογο, είναι συναρπαστικό να έχουμε μια ταινία τόσο υπέροχη όσο Το όνομα σου να είναι τόσο επιτυχημένη στο mainstream όσο ήταν. Από τότε η Ιαπωνία έχει πλημμυρίσει και χαρίσει πολλά χαρακτηριστικά κινουμένων σχεδίων Ακίρα το 1988 και ενώ η τραχιά πλημμυρίζει συχνά τα διαμάντια κάτω από αυτήν - μια ταινία αυτή η ισχυρή διέσχισε με ευκολία. Χωρίς εισαγωγή ή σχόλιο απλώς δείτε Το όνομα σου . Είναι κάτι με την καρδιά και τις ειλικρινείς προθέσεις που μπορούμε όλοι να πάρουμε ένα μάθημα από σήμερα.

59. Nausicaä της κοιλάδας του ανέμου (1984)

Nausicaä της κοιλάδας του ανέμου είναι ένας πρώιμος προμαχώνας της φανταστικής ικανότητας του τιτάνα Hayo Miyazaki ως καλλιτέχνη. Η αφήγηση είναι εξαιρετική - οικοδομώντας ένα είδος ανόητου αποκαλυπτικού μέλλοντος σαν στον δικό μας κόσμο με ελευθερία κατεύθυνσης και πανέμορφη συνειδητοποίηση της μοναδικής χλωρίδας και πανίδας της γης - όλα κατοικημένα με ένα διαφορετικό καστ μοναχικών ψυχών που εκφράζουν την ανατριχιαστική αναγνώριση του ανεπιθύμητου κόσμο υπέροχα. Το πρώτο από πολλά πραγματικά αυθεντικά, πρωτότυπα και υπέροχα εμπνευσμένα έργα του Miyazaki.

58. Θα χορέψουμε; (1996)

Νομίζω τι χωρίζει Χορεύουμε? από οποιαδήποτε άλλη ταινία που επιβεβαιώνει τη ζωή είναι πόσο σοβαρή είναι. Η πραγματεία του Akira Kurosawa για την εκπλήρωση (ή τρομακτική έλλειψη) στο Ικίρου είναι μια έντονη αντίθεση με την αβλαβή γοητεία εδώ - που βλασταίνει φυσικά και βυθίζεται στις καρδιές μας, αντί να προσκολλάται μέσα από κυνικά κινούμενα σημεία. Είναι μια υπέροχη ταινία - που έχει χαρίσει τόσο υψηλή θέση για το πόσο ευχάριστα πιστεύεται η ιστορία της και πόσο άνετος είναι ο σκηνοθέτης Yoshikazu Suo με το προϊόν του. Μια απόλαυση.

57. Akitsu Springs (1962)

Η μεγάλη ανακάλυψη του Kiju Yoshida, Πηγές Akitsu αντιπροσωπεύει την αυγή του κάτι ξεχωριστό στα βασίλεια του Ιαπωνικού Νέου Κύματος. Ήδη από το 1962, ο Yoshida μπόρεσε να φέρει στο μυαλό την ψυχοσεξουαλική εστίαση πολλών ιαπωνικών ταινιών εκείνη τη στιγμή και να βάλει τα εσωτερικά του βάθη με άψογη ακρίβεια - μια γοητεία που θα συνέχιζε να οξύνει μόνο με την πάροδο του χρόνου. Μια σειρά από παρόμοια φανταστικά επακόλουθα τον ενέπνευσε ως βασικό μέλος του κινήματος, αλλά για μένα είναι Πηγές Akitsu που κατέχει ισχυρότερο ως ιδιοκτήτη της κινηματογραφικής ιδιοφυΐας του.

56. Ο σύζυγος ομολογεί (1961)

Η πρώτη μας ταινία είναι ευγενική προσφορά του παραγωγικού Yasuzo Masumura, του 1961 Η σύζυγος ομολογεί είναι ένα κορυφαίο επίτευγμα του πρώτου Ιαπωνικού Νέου Κύματος. Ακολουθώντας μια γυναίκα που κατηγορείται για τον υποτιθέμενο τυχαίο θάνατο του συζύγου της, καταγράφει τα κύματα της επιθετικότητας, του κυνισμού και του χαρακτηριστικού εκτροπής της σκοτεινότερης πλευράς του ιαπωνικού κινηματογράφου εκείνη την εποχή - εκτός από καμία από τις συχνά αιματηρές, βίαιες βιαιοπραγίες του. Αυτό που έχουμε εδώ είναι η βία του μυαλού που πυροβολείται μέσα από φωνές που αγκαλιάζονται με πικρία και παρακολουθούνται από τα μάτια που παραμένουν για μια φτωχή, φυλακισμένη στη ζωή υπόθεση για να συγκρίνουν τη δική τους δυστυχία. Είναι η καλυμμένη νοσηρότητα του Η σύζυγος ομολογεί που δίνει ένα βαρύ χτύπημα στο κοινωνικό του δάγκωμα.

55. Βαθές Επιθυμίες των Θεών (1968)

Η μεγαλύτερη ταινία του Shohei Imamura, Βαθές Επιθυμίες των Θεών είναι επίσης ίσως η ταινία που εξηγεί πλήρως το στυλ του. Ακολουθώντας την τεταμένη δυναμική μιας απομονωμένης αποικίας και το αυξανόμενο ρομαντισμό που ανθίζει μετά από αυτό, η ελαφρώς κατεύθυνση του Imamura και η διαπεραστική γυαλάδα σχεδόν δημοσιογραφικής ακεραιότητας επιτρέπει ένα συναρπαστικό έγγραφο για την εγγενή ζωή, την αγάπη και το πώς είμαστε άρρηκτα προσεκτικοί στις δικές μας επιθυμίες- είτε μέσω μιας συνειδητά μοιρασμένης πρωταρχικής ώθησης, είτε με κάποιο άυλο εμφύτευμα που αποστέλλεται κατευθείαν από ψηλά. Στο τέλος, η βασική ερώτηση του Imamura για μένα ήταν δύσκολο να διαχειριστεί: Είναι πιο εύκολο να δεχτούμε ότι οι θεοί μας είναι σκληροί ή ότι είμαστε;

54. The Human Condition part 1: No Greater Love (1959)

Η πρώτη σε μια επική τριλογία ταινιών, Η ανθρώπινη κατάσταση μέρος 1: Δεν υπάρχει μεγαλύτερη αγάπη είναι μια ταινία που θα έδινε τα προηγούμενα για την παρακολούθηση της - μια λίστα με τα δυνατά και τα αδύνατα σημεία, ο σκηνοθέτης Masakai Kobayashi θα είχε μόνο χρόνο να μάθει από πίσω, χωρίς να ξεκαθαρίσει ποτέ την τέλεια ισορροπία για το εξαιρετικά φιλόδοξο κομμάτι του. Οχι μεγαλύτερη αγάπη διαθέτει αρκετές αθάνατες στιγμές, κυρίως μια σκηνή εκτέλεσης που διαρκεί 10 λεπτά και βλέπει την αναστατωμένη οργή της καταπιεσμένης φυσαλίδας Manchu πέρα ​​από το φόβο ότι όλα τα όπλα και τα συρματοπλέγματα εμπνέουν για κάτι ιδιαίτερα αντηχητικό μέχρι σήμερα - καθώς και το τέλος ενός τόξο για διάφορους χαρακτήρες. Είναι μια υπερβολική, υπερβολικά κορεσμένη και τελικά αναποτελεσματική ταινία & hellip; αλλά είναι επίσης μια αριστοτεχνική εξέταση των διοδίων του πολέμου. Ανισορροπημένο σε ένα άκρο, Η ανθρώπινη κατάσταση Το κεφάλαιο έναρξης βρίσκει αρκετά σταθερό έδαφος για να σχηματίσει μια ταινία που δεν είναι άκρως ή εξαιρετική: Αλλά ένα ακόμα περισσότερο από το να αξίζει τον κόπο να φτάσει στους κορυφαίους 60 εδώ.

53. Πετάξτε μακριά τα βιβλία σας, Ράλλυ στους δρόμους (1971)

Πετάξτε μακριά τα βιβλία σας, το ράλι στους δρόμους είναι ένα αίμα στο κεφάλι. Μια ζωντανή, απρόσεκτη διάταξη αποσυνδεδεμένων σύντομων χρονογραφημάτων που ζωγραφίζουν μια ζωντανή εικόνα της απόσπασης της ιαπωνικής νεολαίας από τις παλιές αξίες. Μια απόρριψη του φορμαλισμού για κάτι εντελώς πιο μοντέρνο, φουτουριστικό - τεμαχισμένο σε κομμάτια και όμως είναι απόλυτα άνετο στο δικό του ακατανόητο. Είναι η δημιουργική φύση της βιομηχανίας που εκδηλώνεται στα μυαλά των νέων, με αποτέλεσμα μια εντυπωσιακή, γοητευτική και συχνά εκπληκτική σκηνή παρτίδας. Λίγες ταινίες ακόμη και από το Ιαπωνικό Νέο Κύμα μπορούν να ανάψουν την ίδια αυστηρά επαναστατική φωτιά.

52. Κόκκινος Άγγελος (1966)

Ο μαζικά παραγωγικός πλοίαρχος Yasuzo Masumura δούλεψε σε κολοσσιαίες 33 ταινίες μόλις τη δεκαετία του 1960- και ένα από τα κυριότερα σημεία του πρησμένου έργου του είναι ο υπέροχος Κόκκινος Άγγελος του 1966. Με επίκεντρο μια ρομαντικά νεαρή νοσοκόμα που ωθείται σε πόλεμο, ο Red Angel αναπτύσσει τον εξαντλητικό κόσμο του εξαιρετικά καλά: Ξεκινώντας με τις λεγεώνες των βετεράνων που είχαν καθαριστεί με ουλές και διασκορπίστηκαν με το δικό τους αίμα και ιδρώτα στο χειρουργικό τραπέζι σε ένα σκοτεινό, εγκαταλελειμμένο συγκρότημα - όλα προτού τελικά πέσουν στο χωνευτήριο αυτής της θανατηφόρας σύγκρουσης. Ο αισθητός φόβος είναι ένα σημάδι της πλούσιας ιμπρεσιονιστικής ακμής του Masumura - και τον χαρακτηρίζει ως μια καθοριστική, δυστυχώς επισκιασμένη φωνή του κινηματογράφου του έθνους κατά τη δεκαετία του 1960.

51. Ο άνθρωπος χωρίς χάρτη (1968)

Μια θλιβερή υποβαθμισμένη είσοδος από το άψογο έργο του Χιρόσι Τεσιγκαχάρα, που επισκιάζεται από το πανύψηλο έργο του από το '62 έως το '66, του 1968 Ο άνθρωπος χωρίς χάρτη βλέπει την αυστηρά εικονοκλαστική σκηνοθεσία μετάβαση από μια έντονη μονόχρωμη σε ελκυστική έγχρωμη φωτογραφία: Ατενίζοντας τον απέραντο λαβύρινθο της βιομηχανικής Ιαπωνίας με μια σκοτεινή, κάπως βαρετή παλέτα που θυμίζει τόσο πλούσια την απροσδόκητη επιθυμία του πρωταγωνιστή για απαντήσεις. Ο άνθρωπος χωρίς χάρτη τρέχει σε ποτάμια αμφιβολίας και σύγχυσης, προσγειώνοντας τον ντετέκτιβ του σε βαθιά νερά για τις μικρότερες εισβολές και σπάνια επιτρέποντάς του ένα δευτερόλεπτο να αναπνέει και να πάρει την απεραντοσύνη όλων.

Ο Teshigahara αστικοποιεί παιχνιδιάρικα την βασανιστική επιδίωξη των πρωταγωνιστών του με έναν κόσμο που αρνείται την κάθαρση σε κάθε στροφή, σχολιάζοντας την αδιάκοπη αβεβαιότητα της σύγχρονης ζωής με διαβολική ακρίβεια. Εγκαταλείπει την αποχρωματισμένη υπερφυσικότητα και σουρεαλισμό της προηγούμενης δουλειάς του για ένα πολύ πιο γειωμένο κομμάτι που έχει ως αποτέλεσμα ίσως ακόμη πιο στοιχειωμένο από την αγωνία των Σισιφών Γυναίκα στους αμμόλοφους ή Το Pitfall's αδιανόητη, αίσθηση προόδου του θανάτου. Ο άνθρωπος χωρίς χάρτη μας χτυπά στο σπίτι μας και γι 'αυτό είναι τόσο αμηχανία - τόσο ανησυχητικό - και γιατί παραμένει ένα τόσο σημαντικό κομμάτι του κινηματογράφου μέχρι σήμερα.

50. Η γυναίκα εντόμων (1963)

Η τέταρτη ταινία μας μέχρι στιγμής από τον σεβαστό αφέντη Shohei Imamura, την κάπως πιο αξιοσέβαστη πλευρά του πιο επικίνδυνου υπερβολικού νομίσματος της Nagisa Oshima, Η γυναίκα εντόμων είναι μια υποδειγματική αναπαράσταση του γιατί το όραμα του Imamura για τη σεξουαλική πολιτική ήταν πάντα πολύ πιο συναρπαστικό από αυτό του αμφιλεγόμενου σύγχρονου. Πρόκειται για μια ταινία πολυτελούς οπτικού ελέγχου: Ενσταλάσσοντας τις εικόνες της με νόημα και βάρος, καθώς και υπέροχη αισθητική δύναμη που αιμορραγεί τόση σημασία σε μονόχρωμη - Η καθημερινή ζωή της γυναίκας που πλήττεται από μια θαυμάσια θάλασσα ασπρόμαυρης που μετατρέπεται τόσο πολύ σε μυστήριο, όπως σε Tetsuo: The Iron Man . Η τρομερά προφητική εναρκτήρια σκηνή της, ενώ είναι απλή, ράβει τους σπόρους του κλουβιού Kafkan Tome (που παίζεται υπέροχα από τον αξιέπαινα τιμημένο Sachiko Hidari) τοποθετείται και υπαινίσσεται τις τεράστιες επιπτώσεις του φαύλου τίτλου του Imamura. Είναι δύσκολη η προβολή, όχι με τη βοήθεια των ζητημάτων του Imamura με το βηματοδότη - αλλά παραμένει πραγματικά ζωτικής σημασίας κινηματογράφος σε όλη τη διάρκεια.

49. Παλμός (2001)

Ο Kiyoshi Kurosawa έχει σταθερά χτυπήσει πάνω από την τάξη του κάτω από το βάρος του γνωστού ομώνυμού του με μια φανταστική σειρά δυσοίωνων προσπαθειών- αλλά κανένας δεν έκλεισε αρκετά τη συντριπτική κενή θέση του 2001 Τύπος . Στάζοντας με φόβο και αξιοποιώντας έγκαιρα τις τεχνολογικές αναφορές χωρίς να τις βασίζουμε σε τέτοιο βαθμό που να γερνάει η εικόνα, Τύπος είναι μια υπερθετικά τρομακτική λήψη του σύγχρονου στοιχειώδους που κάνει πολύ πιο αποτελεσματική χρήση από το γνωστό πρόσωπο των πνευμάτων του Yūrei από πολλές πιο διάσημες απεικονίσεις των χλωμών προσώπων.

48. Μάχες χωρίς τιμή ή ανθρωπότητα (1973 & hellip; 1975)

Η ανθολογία εγκληματικών πράξεων του Kinji Fukasaku είναι Ο Νονός ανυψώνεται σε κάθε φάρμακο κάτω από τον ανατέλλοντα ήλιο. Απαλλαγμένος από τις πολλές φορές υπερβολική δομή του τελειομανικού κομματιού της Coppola, ο Fukasaku κινηματογραφεί τη βία ως τζαζ καθώς ακολουθεί μια κυρίαρχη εγκληματική οικογένεια κατά τη διάρκεια των ετών - Συχνά βουτάει σε άσκοπες υπερστυλιωμένες γωνίες και μοντάζ για να διασφαλίσει την εξερχόμενη επίδραση του κινητικού μοντάζ του. Ενώ δεν διαθέτει σύνθετη ανάπτυξη χαρακτήρων, θεματική ανάλυση ή ακόμη και βασική γεύση - υπάρχει κάτι τόσο έντονο ζωντανό Μάχες χωρίς τιμή ή ανθρωπότητα ότι δεν μπορώ παρά να το αγαπώ. Κάθε ταινία προσθέτει στο τελευταίο και συλλογικά αντιπροσωπεύει μια κορυφή για τον λαϊκιστικό κινηματογράφο εγκλήματος στη δεκαετία του '70 στην Ιαπωνία. Λίγο θα μπορούσε να έρθει κοντά.

47. Kwaidan (1964)

Η ανθρωπολογία Horror του Masakai Kobayashi, η Kwaidan είναι μια μαγευτική βουτιά στο μυστήριο και την κακία των ηλικιωμένων ιαπωνικών μύθων, τις μεσαιωνικές ρίζες του ανάμεικτου εκμαγείου της J-Horror με γοητευτικές εμφανίσεις και αναπόφευκτες κατάρες. Η αδυσώπητη έλλειψη έλεος ή παρηγοριάς ανάπαυλας στην ακμάζουσα σκηνή τρόμου της Ιαπωνίας αγγίζεται από το χέρι ενός πλοιάρχου εδώ, με αποτέλεσμα ένα οπτικά πλούσιο κόσμημα που καταφέρνει να αναπνέει ανησυχητική νέα ζωή σε ιστορίες με διαφορετική ημερομηνία. Είναι χωρίς αμφιβολία η καλύτερη Ανθολογία τρόμου που έγινε ποτέ: Με την αδιάλυτη φωνή ενός εξαιρετικού δημιουργού ταινιών να ακούγεται δυνατά και ξεκάθαρα ότι το J-Horror είναι κάτι που πρέπει να φοβηθεί. Δεκαετίες αργότερα, εξακολουθούμε να έχουμε παγιδευτεί στην καταπληκτική του αντίληψη.

46. ​​Τόκιο Drifter (1966)

Η καταπληκτική φέτα της μεγαλοφυίας της ποπ αρτ, του Maverick Seujin Suzuki, Τόκιο Drifter σβήνει σαν πυροτέχνημα και προσδίδει περισσότερα στη στιλιστική του άκρη από ό, τι ακόμη και οι Quentin Tarantino και Martin Scorsese μπορούν να ισχυριστούν σήμερα. Η φλογερή επιρροή της ταινίας σηματοδοτεί κυρίως την επιμέλεια και την προσέγγισή τους στη δράση - όχι παρόμοια με τον τρόπο που ο Goddard είναι υπερβολικά υπερβολικός Με κομμενη την ανασα συνεχίζει να διαμορφώνει τον τρόπο που κόβουμε. Σε πολύ μικρότερο βαθμό το κομμάτι της Suzuki συρρικνώνεται σε τόσα πλαίσια του σύγχρονου κινηματογράφου εγκληματικότητας- αλλά είναι το ισχυρότερο παράδειγμα του στυλ που απαλλάσσει όλες τις ανάγκες για ουσία: Το πυροβόλο όπλο του ξεκινά σαν πυροτέχνημα με εφέ ζάπυον νέον φλεγόμενα πορφυρή δόξα με κάθε χαλάζι πυροβολισμοί. Δημιουργήθηκε από έναν κύριο χορογράφο στην κορυφή του παιχνιδιού του- Τόκιο Drifter είναι ο κινηματογράφος πολτού στα συναρπαστικά καλύτερα. Ηλεκτρικό και ακόμα ένα μεγάλο βαρέλι διασκέδασης.

45. Τάφος των Πεταλούδων (1988)

Στην επιφάνεια είναι ένα αντίστροφο των μύθων του καθολικού κοινού του Hayo Miyazaki, το σεβαστό εικονίδιο της Γκάμπλια Isao Takahata Τάφος των Πεταλούδων στέκεται ως ένα από τα πιο φημισμένα κινούμενα σχέδια που έγιναν ποτέ - με συναισθηματικό βάρος που γεννήθηκε από την αριστοτεχνική χρήση του μέσου. Προκειμένη περίπτωση: Τάφος των Πεταλούδων δεν θα ήταν τόσο καθολικά εκτιμημένο ή ακόμη και αξιοσημείωτο εάν επρόκειτο να αντιμετωπίσει την εν λόγω ιστορία στο βασίλειο της πραγματικότητας. Ωστόσο, ο φακός της Takahata έχει σχεδιαστεί. Οι εικόνες του εγχέονται με μια κομψότητα και αθωότητα ενδεικτική της παιδικής ηλικίας - που συγχαίρει τέλεια την κατάσταση των πρωταγωνιστών του. Ενώ σε ορισμένους είμαι βέβαιος ότι εμφανίζεται ως διακόπτης σκαφών, λίγες ταινίες έχουν χρησιμοποιήσει τόσο τέλεια την τέχνη του animation για να τονίσουν με χαρά τη δύναμη του μηνύματός τους. Καταπολεμώντας τον πόλεμο, τα εκλεκτικά ελιγικά γραφικά του Takahata αρχίζουν να συγκρούονται με το συντριπτικά θλιβερό σκεύασμα της ιστορίας: Αφήνοντας μια μυρωδιά κυνισμού να ξεφύγει από την αεροστεγή αισθητική της συγκράτηση - αν και έχει μικρή συνέπεια. Τάφος των Πεταλούδων είναι μια στοιχειώδης και συχνά όμορφη εμπειρία του πολέμου.

44. Η Τριλογία Σαμουράι (1954-55-56)

Μια υπέροχη συλλογή ψυχαγωγίας, η υπέροχη ελκυστική λαϊκιστική σειρά του σκηνοθέτη Hiroshi Inagaki είναι ένα ορόσημο στη δημιουργία ταινιών δράσης-περιπέτειας- και πιθανώς η καλύτερη τριλογία για να χαρίσει το υπο-είδος. Με επικεφαλής μια άψογη παράσταση από τον Toshiro Mifune και με λίγες ματιές ωριμότητας, κυρίως στο τέλος της πρώτης ταινίας, οι σχετικά ανεπιθύμητες και αδιάκοπες αφηγήσεις του Inagaki ενισχύονται τόσο έντονες όσο και συναρπαστικές με μια κινηματογραφική δράση όπως η δεκαετία του 1950 πρέπει να προσφέρουν. Η κίνηση της κάμερας είναι συναρπαστική, σκηνοθετώντας ηθοποιούς με αγριότητα και σθένος που βοηθά την τριλογία να ξεπεράσει τα ξηρά ξόρκια της αφήγησης με την προσθήκη μιας συναρπαστικής ακολουθίας ξιφών. Δεν είναι τίποτα το ιδιαίτερο σε ένα δραματικό μέτωπο - αλλά διαθέτει αρκετό πάθος για την τέχνη και εκπληκτική ψυχικότητα στις επιτυχίες του για να εγγυηθεί μια τόσο υψηλή τοποθέτηση. Ζωντανή προβολή για τους λάτρεις του κινηματογράφου περιπέτειας.

43. Η Βιρμανία άρπα (1956)

Το ξεμπλοκάρισμα του Kon Ichikawa για έναν Ιάπωνα στρατιώτη που έπεσε στη χώρα που κάποτε κατείχε και προσπαθούσε να βρει ειρήνη στον πόνο ενός μεταπολεμικού κόσμου, Η Βιρμανία άρπα έχει καταλάβει κατανοητή κριτική για την συχνά αμβλεία απεικόνιση του πολέμου: Περισσότεροι χορευτικοί πλατωνιές και εύκολες κινήσεις σε σχέση με μια απλή, συναρπαστική στιγμή. Παραδόξως, νομίζω τι βοηθά Η Βιρμανία άρπα ξεπεράσει αυτά τα ζητήματα είναι η καρδιά πίσω από αυτά. Παρά την άκρως ελεγχόμενη αφήγησή του, ο Ichikawa υφαίνει όμορφες εικόνες καθ 'όλη τη διάρκεια της ταινίας, συγκεντρώνοντας κάθε σκηνή σε τουλάχιστον ένα πλαίσιο που μπορεί να συμβάλει στον στατικό σοφορισμό της κατεύθυνσής του, καταφέρνει αποτελεσματικά να μεταφέρει τη διάθεση - κυρίως σε μια ακολουθία όπου οδηγούσε ο θάνατος οι στρατιώτες κόβονται από κονιάματα και ο ήρωας μας ξυπνάει μέσα σε μια αιματηρή θάλασσα από πτώματα: Με εμπνευσμένες λήψεις που μοιάζουν περισσότερο με την εκπληκτικά σφιχτή σύνθεση του Ρέμπραντ από οποιαδήποτε συνηθισμένη υπόθεση του πολέμου. Είναι μια απλοϊκή έννοια, αλλά η αδυναμία της δεν επισκιάζει ποτέ τη συλλογική επίδραση που δημιουργεί η φωτεινή φωτογραφία του Ichikawa και η έντονη ταπεινοφροσύνη.

42. Μια σελίδα της τρέλας (1926)

Το πρώτο κομμάτι αυτής της λίστας, Μια σελίδα της τρέλας είναι ένα βασικό σιωπηλό ιαπωνικό σινεμά για την ηχηρή αισθητική του φωνή: ένα κομμάτι που έχει ενημερώσει την τρέλα και την έντονη δημιουργική σπίθα που τροφοδοτεί τα πιο θαυμαστά έργα της βιομηχανίας τους ακόμη και σήμερα. Το πορτρέτο του ασύλου στερείται της απόχρωσης ή του βάθους του κάτι σαν Titucut Follies ή ακόμα και την ανθρωπότητα του Η Φωλιά Του Κούκου σε φανταστική μορφή - ωστόσο, το υπερβατικό πέρασμα από αυτό το ορόσημο του 1926 είναι μια διευρυμένη εκτίμηση του ιαπωνικού προπολεμικού κινηματογράφου έξω από δραματικούς τιτάνες όπως Ozu, Mizoguchi, Yamanaka και Shimizu. Αυτό που έχουμε εδώ είναι μια πηγή του συνεχώς τρέχοντος ποταμού τους, κινηματογραφικά προκλητικών, στυλιστικά προκλητικών και σκόπιμα επικίνδυνων έργων που είναι ακόμα πιο συναρπαστικό με το μυαλό των τραγικών καλλιτεχνών στο μυαλό.

41. Το Κρυφό Φρούριο (1959)

Το περίφημο μικρό franchise του George Lucas, το Star Wars, χτίστηκε από το πίσω μέρος του The Hidden Fortress, με το A New Hope να κλέβει τα πάντα, αλλά καταλήγει σε αυτήν την εξαιρετική ιστορία περιπέτειας. Είναι κρίμα που βλέπουμε αυτό το «ανεπίσημο remake» να ξεφεύγει από τη δολοφονία, συνθλίβοντας το κτύπημα του Kurosawa κάτω από το βάρος των κολοσσιαίων ακολούθων του- επειδή το κρυφό φρούριο είναι ένα πολύ πιο αξιόλογο κλασικό κτύπημα από τη σειρά του Lucas. Είναι γεμάτη με συναρπαστική δράση, ξεκαρδιστικό χαρακτηρισμό και έντονη οπτική αίσθηση που συνηθίζει ακόμη και στις πιο μεσαίες προσπάθειες της Akira Kurosawa. Όλα αυτά κατά νου, δεν αποφεύγω το Star Wars γι 'αυτό - απλώς εύχομαι το λαμπρό έργο του Kurosawa να είχε την ίδια ανάσα.

40. Η ανθρώπινη κατάσταση σημ. 2: Ο δρόμος προς την αιωνιότητα (1960)

Το κομμάτι της επικής τριλογίας του Masakai Kobayashi, Ο δρόμος προς την αιωνιότητα χρησιμεύει ως ένα αρκετά μεγάλο ιαπωνικό έπος κατά τη διάρκεια του πολέμου για να αμφισβητήσει οποιοδήποτε Η διάσωση του στρατιώτη Ράιαν , αν δεν είναι τόσο επικίνδυνο όσο κάτι σαν το Sam Fuller's Το Μεγάλο Κόκκινο ή ακόμη και Κράνος χάλυβα . Διατηρεί την ακατάστατη ηθική εμμονή Η ανθρώπινη κατάσταση μέρος 1: Δεν υπάρχει μεγαλύτερη αγάπη αλλά καταφέρνει να το αξιοποιήσει με σπλαχνική εμπειρία μάχης και μια μετρημένη, συνεπή προσέγγιση στους χαρακτήρες της που υπογραμμίζεται από τη ζωή και το θάνατό τους σε ένα θανάσιμο μέρος της ανθρώπινης ιστορίας. Όπως και με κάθε τμήμα, Η ανθρώπινη κατάσταση έρχεται όλο και πιο κοντά στην επίτευξη του ομώνυμου και ενώ το μέρος 2 δεν πραγματοποιεί αυτήν τη φιλοδοξία - τουλάχιστον προσπαθεί. Περισσότερα από ό, τι μπορούμε να πούμε για τις περισσότερες ταινίες της εποχής.

39. Ηρωικό Εργαστήριο (1970)

Άμεσα ακατανόητο, εκφραστικό και οπτικά μπερδεμένο: Ηρωικό Εργαστήριο είναι ένα τέλειο αστάρι για την εξαιρετική φιλμογραφία του Yoshishige Yoshida. Η πανέμορφη εξωγήινη αισθητική του είναι συχνά αποπροσανατολιστική - κάθε βολή κάμπτει τη σχέση μας με το διάστημα, κάθε κομμάτι του τεμαχισμού δεν διαφέρει από τη φρενίτιδα που εμπνέεται από τη μνήμη του Alain Resnais - και με κάθε ειλικρίνεια κάνει την πλοκή του Ηρωικό Εργαστήριο Ιδιαίτερα δύσκολο να ακολουθήσετε και να κατανοήσετε. Η κατακερματισμένη τεχνική αφήγησης αφήνει ακόμη μεγαλύτερη πίεση στην επιθυμία του λιγότερο ανοιχτού κοινού για μια εντελώς συνεκτική αφηγηματική εμπειρία - αλλά οι αόριστες απολαύσεις που βρίσκονται στον στρεβλωμένο κόσμο της Yoshida δικαιούνται το προηγούμενο τους σε αυστηρά δομημένες ιστορίες. Για να περιγράψει Ηρωικό Εργαστήριο θα ήταν αδύνατο. Το να μην το προτείνω καθαρά λόγω της αδυναμίας του - θα ήταν έγκλημα.

38. Προθέσεις δολοφονίας (1964)

Το σκοτεινό τρίπτυχο του Shohei Imamura Χοίροι και θωρηκτά, προθέσεις δολοφονίας και Οι πορνογράφοι χτύπησε το μη αμφισβητούμενο κέντρο του νεκρού με μια ταινία που παρατηρεί με επικίνδυνη λεπτομέρεια την κατάσταση μιας γυναίκας που φλερτάρει ανάμεσα σε μια εξευτελιστική σχέση με τον σύζυγό της και μια ταλαιπωρημένη σχέση με τον βιαστή της. Η πρώτη συνάντηση του τελευταίου και η σκηνή που την ακολουθεί είναι όμορφα συνοπτικά παραδείγματα για το πόσο άσχημοι και άσχημοι κόσμοι του Imamura - και πώς η ανθρώπινη επαφή μπορεί συχνά να οδηγήσει τους χαρακτήρες του σε άκρα, πολλοί μπορεί να προσπαθήσουν να δυσφημίσουν ως απαράδεκτες. Στην πραγματικότητα, Προθέσεις των δολοφονιών Η σκληρή αλλά ειλικρινής μελέτη της καταπίεσης και κάποια άρρωστη ελευθερία μέσω της σαρκικής έκφρασης καταφέρνει να αντικατοπτρίζει εξίσου ακριβές πορτρέτο οποιουδήποτε από εμάς στην ίδια κατάσταση με τις καλύτερες ταινίες του.

37. Δολοφονία (1964)

Το έτος διπλής κυκλοφορίας του Masahiro Shinoda το 1964 είχε προβλέψει δύο από τις καλύτερες ταινίες που έχει δημιουργήσει ακόμη η χώρα, η τελευταία από τις οποίες ήταν Δολοφονία . Ένα λαμπρό παράδειγμα άνεσης σε κλίμακα, Δολοφονία υφαίνει ένα θεματικά αναμφισβήτητο δράμα που αντλεί αρκετά από την απλή ιστορία του για να θεωρηθεί ανάμεσα στις καλύτερες ταινίες αυτής της λίστας: Τόσο υπέροχα φωτισμένο και φωτογραφημένο ως οποιαδήποτε ταινία των μέσων της δεκαετίας του '60 με δράση τόσο ακριβή και δυνατή όσο θα περίμενε κανείς από τους στάβλους του Σινόντα. Είναι υποτιμημένη μίμηση της ψυχικής κατάστασης, καθώς οι άγριες φήμες σχετικά με τον στόχο καταργούνται και σβήνουν παντού σχηματίζοντας μια αφήγηση που αποκαλύπτει τις στιγμές της απρόβλεπτης ακατανόητης - γρήγορη μετάβαση από την πραγματικότητα στο παρελθόν για να αφήσει τόσο το κοινό όσο και αρκετές ανησυχητικές ομάδες πιθανών δολοφόνοι στην άκρη του ξυραφιού της θριαμβευτικής νίκης και σίγουρα θανατηφόρα ήττα.

36. Το γυμνό νησί (1960)

Η στωμική εξέταση του Kaneto Shindo για μια ήσυχη εξοχική ζωή, το Νησί Naked δεν περιέχει σχεδόν κανένα προφορικό διάλογο - μετατοπίζοντας την εστίαση αποκλειστικά στις εικόνες του για να διηγηθεί την ιστορία του ή, ακριβέστερα, για να δημιουργήσει το _feeling_ του. Η εικονοκλαστική προσέγγιση του Shindo στη δημιουργία ταινιών οδηγεί σε μερικές όμορφες συντονισμένες φωτογραφίες σε όλη τη διάρκεια της φιλμογραφίας του, αλλά ενώ οι εικόνες του Onibaba και του Kuroneko ενισχύουν την αφήγηση τους σε μικρές τσέπες οπτικής έμπνευσης - το Naked Island είναι 96 λεπτά βασικής φωτογραφίας. Υφαίνει μαζί με τρόπο που θα έκανε τον Μπέργκμαν ρουζ, καλλιεργώντας μια διάθεση και θα του επέτρεπε να ανθίσει σε κάτι καθολικό και επηρεάζοντας. Η γαλήνη και η ταλαιπωρία αντιμετωπίζουν καθημερινά η μικρή οικογένεια των νησιωτών του Κανέτο, σχεδόν σαν ένα παράξενα αισιόδοξο αντίστροφο του The Turin Horse της Béla Tarr. Αυτό που λείπει από τη συντριπτική δύναμη αυτής της ταινίας, ο Shindo εξελίσσεται σε μια τελετουργική γιορτή της ανθρώπινης αντοχής και της φυσικής ομορφιάς που μπορεί να προσφέρει μια τέτοια προσπάθεια. Συναρπαστική, διαφωτιστική και μια απίθανα απορροφητική μικρή εμπειρία.

35. Branded to Kill (1967)

Αν ο προαναφερθείς Sejiun Suzuki έφτασε στο στιλ του με τα 1966 Τόκιο Drifter , μια ταινία που τόσο ταπεινήθηκε από τους παραγωγούς του, που καταδίκασαν τις επόμενες φωτογραφίες του σε αυστηρότερους προϋπολογισμούς και έκλεισαν κάθε πιθανότητα να χρησιμοποιήσει το χρώμα, τότε Επωνυμία για να σκοτώσει θα γινόταν το δημιουργικό του ζενίθ- και ένα τέλειο παράδειγμα τέχνης μέσα από αντιξοότητες. Το εντυπωσιακό magnum opus του ανθρώπου, Επωνυμία για να σκοτώσει ακολουθεί έναν δολοφόνο που προσπαθεί να παραπλανήσει έναν ακόμη πιο θανατηφόρο δολοφόνο, ενώ ανατινάξει τον δρόμο του μέσα από λεγεωνάκια και έναν ρομαντισμό. Είναι για πάντα αιχμηρό, χωρίς να χάνει το τρίξιμο, φτάνει προσωρινά σε μια πιο δραματικά φιλόδοξη περιοχή και εξακολουθεί να καταφέρνει να συσκευάζει ρυθμίσεις γεμάτες απρόσωπα κακά για τον αντι-ήρωά μας να πυροβολήσει. Επώνυμο στο Kill's Το στυλ που καταφέρνει να αναζητήσει νόημα, ανεξάρτητα από το αποτέλεσμα, είναι αυτό που το χαρακτηρίζει πάνω από το υπόλοιπο πακέτο.

34. Το ξίφος της μοίρας (1966)

Το κομψό πιλότο της δράσης maestro Kihachi Okamoto για μια δυστυχώς ακυρωμένη τριλογία, το Sword of Doom είναι η απόλυτη κινηματογραφική κάθαρση. Πρόκειται για μια εξειδικευμένη χορογραφία επίδειξης φλογερού ξιφομάχου, καθώς ο κορυφαίος θρύλος Tatsuya Nakadai αντιμετωπίζει τον Toshiro Mifune και μια ατελείωτη ορδή ανώνυμων κακοποιών που προσπαθούν να δείξουν πόσο θανατηφόρο μπορεί να είναι το τιτλοφόρο όπλο. Οι δεκάδες πέφτουν πριν από τη λεπίδα, κυρίως στην εξαιρετικά απερίσκεπτη τελική σκηνή του φιλμ και ενώ η αφοσίωση στην αφήγηση και ο χαρακτήρας είναι εφαπτομενικά στην καλύτερη περίπτωση - η ατμόσφαιρα και η σκηνοθετική υπεροχή σε όλη τη σώζουν από το να γίνει απλά ένα άλλο κύλινδρο. Αξίζει να δείτε μέχρι το πικρό, αιματηρό τέλος.

33. Hausu (1977)

Το υψηλότερο κομπλιμέντο όσο κάποιος μπορεί να πληρώσει μια παράξενη ταινία είναι ότι παραμένει περίεργο. Πολλοί από εμάς έχουν ονομάσει κάτι περίεργο επειδή δεν έχουμε αρχίσει - μόνο για να διαπιστώσουμε ότι υποτίθεται ότι είναι περίεργο χλωμό σε σύγκριση με τις μεταγενέστερες κινηματογραφικές ανακαλύψεις. Αυτός είναι ο τρόπος της πορείας μας μέσω της ταινίας - όπως και αυτός είναι ένας πολύ μακρύς τρόπος να το δηλώσουμε αυτό Χάουσου είναι εντελώς διανοητικό. Μπερδεύτηκε συνεχώς από ένα μερικές φορές εμπνευσμένο, συχνά τρίψιμο αλλά πάντα τρελό σκορ στο παρασκήνιο και γεμάτο με σκηνές μαθήτριων που μάχονταν να κατέχουν καρπούζια, να τρώγονται από πιάνα δολοφόνων και να ξεφεύγουν από μια γοητευτική κόλαση φανταστικής γάτας που προσπαθεί να καταραστεί κάθε ψυχή που ξεπερνά το όριό της. Βασικά, είναι Γιου-Ον αλλά με την αυτογνωσία και τη ζαλιστική δημιουργικότητα να πηγαίνουμε στο ύφος μόνο - ξεπερνώντας την ιστορική ιστορία του μύθου που τόσο συχνά μαρτυρά στοιχειωμένες ιστορίες σπιτιών με απόλυτη αφοσίωση στο ζαλιστικό τεχνούργημα. Η εμπειρία που προκύπτει είναι ένας υπέροχος διασκεδαστικός υψικάμινος.

32. Ikiru (1951)

Το πορτρέτο της μεγάλης ηλικίας της Akira Kurosawa, Ικίρου τρέχει ως ένθερμος παράλληλος με το έργο του Ozu για τους ανθρώπους τα χειμερινά τους χρόνια - χάνοντας τη μινιμαλιστική του κατεύθυνση για την πολύ πιο άμεση, έντονη δουλειά του Kurosawa. Το αποτέλεσμα είναι γεμάτο γροθιά: Αρκετές σκηνές γλείφουν με κινητική ανατροφοδότηση μόνο μέσω της έντασης των εικόνων τους και της σιωπής ή των πρησμάτων του ήχου που τις συνοδεύουν. Νομίζω ότι η φωνή του Kurosawa συμβάλλει λίγο καινούργια στον εξαιρετικά ισχυρό κανόνα του κινηματογράφου για τη γήρανση και γενικά αποτυγχάνει να χτυπήσει τα αποκαλυπτικά ύψη του Άγριες φράουλες ή Η ζωή και ο θάνατος του συνταγματάρχη Blimp παρά τη συγκριτική τους έλλειψη κινηματογραφικής αμεσότητας - ωστόσο κανένα από αυτά δεν μειώνει τον εκπληκτικό συντονισμό της δουλειάς του AK εδώ.

31. Τυφλό θηρίο (1969)

Μια ασύγκριτη εξερεύνηση αισθησιασμού και φυσικής ουσίας, Τυφλό θηρίο παρακολουθεί τη σχέση μεταξύ ενός τυφλού άνδρα και μιας γυναίκας που αιχμαλωτίζει, παγιδευμένος σε έναν επίπονα λαβύρινθο με μοκέτα ανθρώπινης μορφής - με τοίχους καλυμμένους με μάτια και χείλη, ενώ το δάπεδο είναι δικτυωμένο με ένα περιηγημένο σύμπλεγμα άκρων. Η σουρεαλιστικότητα και η ενδιαφέρουσα παραδοχή δεν αποτελούν παράθυρα σε πραγματικά πυκνό θεματικό έδαφος, αν και ο σκηνοθέτης Yasuzo Masumura κατάφερε να εξωθήσει τη σχέση της λαγνείας με τη λαχτάρα πολύ καλύτερη από τη συνεχή αιχμή της αποτυχίας, η Nagisa Oshima, τόσο συχνά γλιστράει και κόβεται. Για πιο στοχαστικά κομμάτια σχετικά με τη σεξουαλικότητα, ο Yoshishige Yoshida είναι ένας ουσιαστικός καλλιτέχνης - αλλά το να αρνηθούμε το εντελώς μοναδικό όραμα του Masumura εδώ θα ήταν εγκληματικό - ανεξάρτητα από την έλλειψη ουσίας του. Αντ 'αυτού, γεμίζει την ταινία του με πανέμορφα σύνολα και πονεμένα συναισθήματα που σφίγγουν τους χαρακτήρες. Σε στιλιστικό μέτωπο, Τυφλό θηρίο απογειώνεται απολύτως.

30. Η Ανθρώπινη Κατάσταση σημ. 3: Προσευχή ενός στρατιώτη (1961)

Το καταστροφικά ισχυρό συμπέρασμα του Masakai Kobayashi για την τριήμερη τριλογία του, Η ανθρώπινη κατάσταση μέρος 3: Η προσευχή ενός στρατιώτη χρησιμεύει ως αποκορύφωμα όλων όσων έχει αναπτύξει ο Kobayashi, ισότιμα ​​μέρη με επιρροή και υπερκατασκευή - όπως και με τα άλλα κομμάτια. Είναι κρίμα που η σειρά δεν ξεπέρασε ποτέ το αδύνατο μήκος του βιβλίου, ούτε τον εξαναγκασμό του ανθρωπισμού που μπορεί περιστασιακά να παρακωλύσει την κατά τα άλλα ισχυρή μορφή του σκηνοθέτη του: Ωστόσο, χωρίς αυτές τις στιλβωμένες στιγμές, δεν θα μπορούσαμε ποτέ να είμαστε προικισμένοι με μια συντριπτική συλλογή όμορφα πραγματοποιημένων σκηνές που θα μπορούσαν να έχουν κάνει ένα αριστούργημα μόνα τους. Προσευχή ενός στρατιώτη δεν είναι πιο ευαίσθητο από τους προκατόχους του - ωστόσο, αυτή η αίσθηση του τερματισμού κρέμεται από το έργο του Kobayashi σαν μια κουρασμένη αυγή - που θέλει να πάρει τη νέα μέρα με ένα ανανεωμένο απόθεμα στην ιαπωνική κινηματογραφική βιομηχανία. Τόσο ένας πανίσχυρος θρίαμβος του επικού κινηματογράφου όσο και το πιο σημαντικό, το τελευταίο βήμα μέσα από την πύλη της φήμης που έδωσε στον Kobayashi άφθονη καλλιτεχνική ελευθερία για την επόμενη δεκαετία. Το αποτέλεσμα είναι, όπως θα δούμε, αξίζει μερικές ώρες πρακτικής & hellip;

29. Διπλή αυτοκτονία (1969)

Μια ανησυχητική απόκοσμη εξερεύνηση της δημιουργικής διαδικασίας, Διπλή αυτοκτονία βλέπει ένα ξύλινο μαριονέτα να παίζεται με την πρόθεση των δύο οδηγών του να τελειώνουν - με σκιώδεις φιγούρες να κινούνται στα στάδια για να προχωρήσουν στην πλαστή αφήγηση. Μια τρομακτικά τρομακτική ιστορία όταν η πρόσοψη πέφτει και οι εφιάλτες της μαριονέτα κάνουν τις επόμενες κινήσεις τους - συχνά μεταμορφώνοντας τα σετ σε συνδυασμό με τη μεταβαλλόμενη κάμερα του Masahiro Shinoda για να σχηματίσουν μια κρυφά παραμορφωμένη αίσθηση του χώρου. Εκτός από την πολύπλευρη καλλιτεχνική του συσκευή, η πλοκή του Διπλή αυτοκτονία είναι σχετικά συμβατικό και δεν καταφέρνει να βρει κανένα βαθύ έδαφος - αλλά αυτό ίσως είναι που εγγυάται την επιτυχία του: Ο Shinoda προσεκτικά να ερευνά το δικό του δημιουργικό μπλοκ καθώς τα δαιμονικά δαιμονικά χέρια τραβούν τις άκρες του οράματός του για να το καταστήσει πιο ακριβές - καθώς και να εκτροχιάσει το εντελώς προθέσεις. Είτε πρόκειται για μια αναπαράσταση των εσωτερικών του αγώνων είτε για ένα εργατικό δυναμικό που ο σκηνοθέτης αποτυγχάνει να συντονίσει - η διπλή σύμπτωση Διπλή αυτοκτονία υπερβαίνει το μέτριο μύθο του για μια κινηματογραφική εμπειρία που αξίζει τα κορυφαία 50 και περισσότερο από παραδειγματικά τα κολοσσιαία ταλέντα του Masahiro Shinoda ως δημιουργού ταινιών.

28. Δαχτυλίδι (1998)

Ενώ το κάπως παρόμοιο Γιου-Ον ασφυξία υπό την πίεση του κενού κενού, Ringu's το κενό είναι το πιο θανατηφόρο όπλο του. Η βυθισμένη θάλασσα της σιωπής του σκηνοθέτη Hideo Nakata διεισδύει και εισβάλλει σε κάθε σκηνή που περνά, επισημαίνοντας κάθε θόρυβο με την αυξημένη ένταση ενός ατόμου που προκαλείται από φόβο που σφυροκόπησε την αδρεναλίνη - ανεξάρτητα από το πόσο μαζική είναι η σκηνή. Και τόσο σχετικοί μετρητές ήχου, όπως το τηλέφωνο που χτυπάει τη σιωπή με ασυμβίβαστη αγριότητα. Δεν υπάρχει διαφυγή από Το δαχτυλίδι σε οποιαδήποτε γωνιά του μυαλού σας. Ανεξάρτητα από το πού τρέχετε - μόλις πατήσετε το παιχνίδι, παρατείνετε απλώς το αναπόφευκτο. Σε τελική ανάλυση, τι θα μπορούσε να είναι πιο τρομακτικό από το θάνατο που επιβεβαιώνεται από τη δική μας αναπόφευκτη περιέργεια;

27. Κουρονέκο (1968)

Κανέτο Σίντο Κουρονέκο αισθάνεται σαν ένα φλογερό αντικατοπτρισμό των σύνθετων ταινιών τρόμου που είναι διασκορπισμένα μαζί για ένα τέλεια δαιμονικό όραμα για τον απόλυτο εφιάλτη. Το περίπλοκο ηθικό δίλημμα που σιγοβράζει κάτω από την επιφάνεια είναι μια νέα ιδέα για αυτά τα ασταμάτητα πνεύματα που χρησιμοποιούν τα ιαπωνικά μέσα τρόμου από την αρχή - σφυρηλατώντας μια εγγενή αφήγηση που ξεπερνά την τραχύτητα του Shinoda νωρίτερα Ονίμπαμπα για να διαμορφώσετε κάτι ξεχωριστό. Πρόκειται για ένα σαγηνευτικά πυροβολισμό, αισθητικά ελκυστικό έργο που γεφυρώνει το χάσμα μεταξύ της πραγματικότητας και της απαίσιας φαντασίας με ένα σαφώς συμπονετικό μάτι - παρά την έντονη οργή των θεμάτων της. Όχι μόνο μια οριστική ταινία J-Horror - αλλά και ένα κλασικό παγκόσμιο δράμα στα τέλη της δεκαετίας του '60.

26. Spirited Away (2001)

Υπάρχουν λίγα στον τρόπο του animation που μπορεί να ανταγωνιστεί πλήρως Πνεύμα μακριά , τουλάχιστον με δημιουργική έννοια. Η ταινία είναι υπερφορτωμένη με μια εκπληκτική θάλασσα με μοναδικά σχέδια και αξιομνημόνευτους χαρακτήρες που όλοι μετακινούνται και μιλούν τόσο εκφραστικά όσο οι πρωταγωνιστές. Το λεπτομερές σύμπαν που ο Hayo Miyazaki κατάφερε να δημιουργήσει, κατά τη γνώμη μου, ξεπερνά κατά πολύ τη χαρακτηριστική περίεργη αφήγηση και το ρυθμό του έργου του - όχι διαφορετικό από αυτό Ακίρα στο ότι πηδά προς τα εμπρός και προς τα πίσω σε εξέλιξη σε τυχαία διαστήματα για χάρη του υλικού μιας άλλης πράξης. αν και ο απρόσεκτος κίνδυνος Πνεύμα μακριά βρίσκει τον εαυτό του, τουλάχιστον μας επιτρέπει να απολαύσουμε τις ζωηρές δημιουργίες του για λίγο περισσότερο.

25. Θάνατος από Κρεμαστά (1968)

Έχω ρίξει μικρές παρατηρήσεις στον αναγνωρισμένο σκηνοθέτη Nagisa Oshima σε όλη αυτή τη λίστα και καταλαβαίνω την παιδικότητα μιας τέτοιας στάσης: Αλλά το κάνω αυτό μόνο επειδή αυτός ο πραγματικά ταλαντούχος σκηνοθέτης είναι τόσο συχνά πνιγμένος σε υπερβολικά υπερβολικά κινηματογραφικό σόου. Η συγκριτικά αντιπαραβαλλόμενη σειρά της πρώιμης δουλειάς του Imamura είναι αποτελεσματική στο υποκείμενο σχόλιό της για το ανθρώπινο συναίσθημα- αλλά με τον Oshima τόσο λίγα απομένουν στη φαντασία, αρχίζω να πιστεύω ότι δεν υπάρχει τίποτα πίσω από την απογοητευτική εργασία. Δηλαδή, με εξαίρεση τον υπέροχο περίεργο θάνατο του 1968 από το Hanging. Η ιστορία ενός εκτελεστή που αρνείται να πεθάνει, ο Oshima χρησιμοποιεί τον σκληρό του αλλά εντούτοις αντιληπτικό φακό για να επισημάνει μια σειρά από κοινωνικά ζητήματα, κυβερνητικές αποτυχίες και ανθρώπινες εκφράσεις - όλα τυλιγμένα σε μια συνεχώς ξεκαρδιστική κωμική κωμωδία με αυτοπεποίθηση αυτοπεποίθηση ενός σκηνοθέτη τόσο συχνά Mucky, όπως ο Oshima φάνηκε στο παρελθόν τόσο μακριά. Όχι πριν ή από τότε κατάφερε να ταιριάξει αυτό το εμπνευσμένο σουτ με τη θανατική ποινή, το οποίο είναι κρίμα - αλλά τουλάχιστον πρέπει να τον δούμε να ανεβαίνει τουλάχιστον μία φορά.

24. Ένας φυγάς από το παρελθόν (1965)

Ο Τομού Ουτσίντα Ένας φυγάς από το παρελθόν είναι, με μια λέξη: Εξαιρετική. Οι σωζόμενες ταινίες του αρκετά ικανού σκηνοθέτη της είναι απλώς ασύγκριτες με το έργο που εκτίθεται εδώ, μιλώντας σε κάποιο είδος αστραπής αστραπής σε ένα μπουκάλι καθώς η Uchida ήταν προικισμένη με τη σωστή ιστορία για να εκπληρώσει την υπόσχεσή του ως καλλιτέχνης. Ένας φυγάς από το παρελθόν εξετάζει τη βία και την αυτοπεριοριζόμενη θλίψη με έναν τρόπο που μερικές ταινίες μπορούν να μετρήσουν τόσο την άμμο του χρόνου όσο μειώνεται και περισσότεροι χαρακτήρες πλησιάζουν για να προσφέρουν θεία ανταπόκριση στον πρωταγωνιστή μας - έναν μοναδικά προκλητικό χαρακτήρα τόσο για τον αντίπαλο όσο και κατά προσπαθεί να ξεφύγει από την αιματηρή πορεία της βίας που χάραξε στην Ιαπωνία στα πρώτα του χρόνια. Το βρίσκω Ένας φυγάς από το παρελθόν είναι τόσο μοναδικά ισχυρό και ακόμη και βαθύτατο στο ψήφισμά του που δεν θα έπρεπε να πω τίποτα άλλο από το να το δω το συντομότερο δυνατό.

23. Pitfall (1962)

Το εντυπωσιακό ντεμπούτο του Hiroshi Teshigahara, Παγίδα συνδυάζει είδη με την εμπιστοσύνη και την ακρίβεια ενός ηλικιωμένου πλοιάρχου - πολύ λιγότερο ενός σκηνοθέτη που είχε χειριστεί μόνο ντοκιμαντέρ πριν. Ενώ δυσκολεύεται κάπως να διατηρήσει την ιστορία του συναρπαστική για τα πλήρη 97 λεπτά - τι Παγίδα προσφέρει υπερτερεί όλων των ζητημάτων με την αφηγηματική του εκτέλεση. Παίζοντας με την αντίληψή μας για την πραγματικότητα μέσω της ανάμειξης δολοφόνων, φαντασμάτων και σουρεαλιστικών εικόνων- Παγίδα είναι συχνά τρομακτικό, καθώς πολλοί χαρακτήρες του προσπαθούν απεγνωσμένα να αποτρέψουν τον ασταμάτητο εισβολέα τους: Ένας κανονικός άντρας που φοράει ένα λευκό κοστούμι που φέρνει μια λεπίδα. Η ανθρωπότητα του φτωχού δολοφόνου του Teshigahara λειτουργεί ως το πρώτο από τα πολλά κοινωνικά σχόλια που κάνουν τα έργα του μόνο στην εικόνα - ποτέ δεν θυσιάζει το χρόνο ή την αξιοπιστία για να ωθήσει ένα σημείο στο σπίτι. Απουσία των αριστερών της κλίσεων, Παγίδα διατηρεί τη δύναμή του ως μια τρομακτική κινηματογραφική εμπειρία: Διαθέτει πολλές συγκλονιστικές σκηνές που μιλούν για τη σαφήνεια και την τέχνη της μεθόδου του Teshigahara καθώς εισάγει ακόμη και τις πιο μοναδικές στιγμές με ένα τεράστιο φάσμα συναισθημάτων που χορεύουν τόσο ελεύθερα ο ένας τον άλλον - από το χιούμορ έως τον τρόμο μέσα έναν καρδιακό παλμό. Λίγα ντεμπούτα γνώριζαν σχολαστικά την καριέρα του πλοιάρχου τους.

22. Λυκόφως Τόκιο (1957)

Η τελευταία ασπρόμαυρη ταινία του Yasujirō Ozu, Τόκιο Twilight's διόδια και ως κομψότητα με βάση τα μονοχρωματικά ταξίδια του άνδρα, καθώς και ίσως το πιο σκοτεινό χαρακτηριστικό του. Η αξιοσημείωτη μετατόπιση του Ozu από τον δικό του κανόνα 360 μοιρών για να καθίσει πίσω από χαρακτήρες, τα σιωπηλά πρόσωπά τους που αντικαθίστανται με ένα υπερβολικά κενό, κρύο κεφάλι μαλλιών είναι μια αριστοτεχνική απομάκρυνση από το χαρακτηριστικό του που περιλαμβάνει μπλοκάρισμα και σύνθεση για μια πολύ πιο ζοφερή υπόθεση - μια αντανακλαστική του ανυπόφορη κατάσταση των παικτών. Λυκόφως Τόκιο παίρνει συνθήματα από το Χόλιγουντ Νοίρ με τις παρατεταμένες σκιές και τις λασπώδεις, ατελείς σκηνές για να δημιουργήσει έναν παγκόσμιο αδιάφορο, εν τέλει άσκοπο κινηματογραφικό κόσμο που επηρεάζει τις ζοφερές συναισθηματικές παραλληλισμούς του στην κοινωνία μας, παρά μια δυσανάλογη δυστοπία που σίγουρα θα έχασε τη λάμψη του στο χρόνο. Ένα εξαιρετικό κόσμημα με έντονη υποκάλυψη.

21. Eureka (2000)

Η μεγαλύτερη μονή ταινία σε αυτήν τη λίστα, το S's Εύρηκα τεντώνεται για το s- και πιστεύω ότι θα ήταν ασυγχώρητο να αποκαλύψω οποιαδήποτε από τις γραμμές του. Ακόμα και για τον πλουσιότερο χρόνο στην πρόσφατη κινηματογραφική μνήμη, Εύρηκα εξακολουθεί να κατατάσσεται ανάμεσα στις καλύτερες ταινίες του 2000- και μάλιστα της δεκαετίας στο σύνολό της: Μια επίσημη, οπτικά εντυπωσιακή και μοναδική & hellip; Ιαπωνικά πορτρέτο της θλίψης. Μόνο σε μια τέτοια χώρα θα μπορούσε αυτή η ηρεμία και η επιρροή της μελαγχολίας να συνδυαστεί με ένα απτό ρεύμα χιούμορ, επιείκειας και ακούσια καλωσορίσματος του παραλογισμού - όλα υφασμένα σε μια έντονη ταπετσαρία του ανθρώπινου συναισθήματος που πρέπει απλά να δούμε. Μην διαβάσετε συνόψεις- Μην το κοιτάζετε- Απλώς δείτε Εύρηκα .

20. Το Vengeance is Mine (1979)

Ο σκηνοθέτης Shohei Imamura είναι μια υπερθετική φιγούρα άσεμνου κινηματογράφου. Οι σκοτεινοί, κατεστραμμένοι χαρακτήρες του και οι συγκρουσιακά φορτισμένες καταστάσεις διατυπώνουν μια ξεδιάντροπη γοητεία με τη διαφθορά της ανθρώπινης ψυχής. Το Vengeance is Mine μεταφέρει τον λογαριασμό του Ryūzūo Saki για τον πραγματικό σειριακό δολοφόνο Akira Nishiguchi με τρομακτική πολυπλοκότητα: Παρουσιάζοντας έναν βαθιά βίαιο, κοινωνιοπαθητικό αλλά και αναμφισβήτητα πραγματικό άνθρωπο με όλες τις ιδιοσυγκρασίες μας, δίνοντας τη φωλιά της ηθικής καταστροφής. Η βηματοδότηση του Imamura έρχεται σε σύγκρουση με τη ροή, αλλά διαπιστώνω ότι σε αυτήν την περίπτωση η ιστορία απαιτεί παρατεταμένο χρόνο εκτέλεσης και στο τέλος προσφέρει μια μοναδικά μεταφυσική ανάλυση σε ένα τόσο βάναρο κομμάτι εργασίας - καλεί τον άνεμο και την ίδια τη γη να ρίχνουν την τελευταία τους κρίση.

19. Yojimbo (1961)

Στον χώρο του κινηματογράφου δράσης, λίγο σαν τα χτυπήματα στα τακούνια μας Γιοϊμπίμπο . Η εντυπωσιακή χρήση του Leitmotif από τον Κουροσάουα κατακλύζεται από το βήμα των χαρακτήρων του και δουλεύει επίσης τόσο στην ένταση όσο και στο σκορ του Morricone. Οι αιχμηρές ακολουθίες δράσης είναι κάπως αμβλείες από τον αθόρυβο σχεδιασμό ήχου και την εκτίμηση της δημόσιας φωνής - κάτι σαν τις ταινίες Το ξίφος της μοίρας και Δολοφονία δεν έχετε κανένα πρόβλημα με - αλλά αυτό που δίνει σε αντάλλαγμα είναι μια διαρκώς κωμική λήψη στη βάση του Red Harvest - η Mifune αποδίδει μια κλασική παράσταση που ξεχωρίζει με τη φυσική προσωπικότητα και την εξυπνάδα, λειτουργώντας ως ο βασικός λίθος σε αυτό που είναι αναμφισβήτητα το καλύτερο straight-up ταινία δράσης που έγινε ποτέ.

18. Ακρόαση (1999)

Ακοή είναι μια ταινία με ακριβή έλεγχο του δικού της τόνου. Ο κατά τα άλλα hit-and-miss Takashi Miike έκανε το όνομά του από μια παραγωγική, περιστασιακά καρποφόρα καριέρα που έδωσε ζωή σε κλασικά σπέσιαλ όπως Επισκέπτης Q και Μάτι - αλλά λίγο για το σκηνοθετικό του ύφος μεταφέρει εξωτερικά την εμπιστοσύνη και την οξεία ικανότητα που απαιτείται για να τραβήξει κάτι τόσο τολμηρά στριμμένο όσο Ακοή . Πολύ πιο ώριμο από οποιοδήποτε από τα γύρω του έργα, το έργο του Miike εξερευνά μια απλή προϋπόθεση με βάναυση αποτελεσματικότητα: Βάζοντας κάθε τρυφερή στιγμή με μια γεμάτη ζοφερή παλέτα και απόκοσμο ρυθμό που θέτει κάθε σκηνή στην άκρη του ξυραφιού για κάτι που πάει τρομερά λάθος. Ακοή αντιπροσωπεύει μια μαγευτική κορυφή αυτής της ατελείωτα αξιοθαύμαστης ιαπωνικής άνεσης με τη δημιουργία ταινιών είδους: Ξετυλίγοντας το κρυστάλλινο αίνιγμα του σε υπερβατικά συγκλονιστικό αποτέλεσμα. Το να βλέπεις είναι να πιστεύεις.

17. Ραν (1985)

Η πιο διάσημη προσαρμογή του Σαίξπηρ του Κουροσάβα - αν αυτή που στο μυαλό μου παραδίδει πάρα πολύ έδαφος στην έμπνευσή της. Ο Βασιλιάς Ληρ είναι ένα άψογο κομμάτι γραφής - αλλά στην οθόνη υστερεί σε ένα αργό άλεσμα που αποτυγχάνει να επαναλάβει την εκπληκτική αίσθηση που είναι τα πρώτα 85 λεπτά. Από την αρχή έως την αδιαμφισβήτητα βαθιά ακολουθία πολιορκίας- Ετρεξα είναι ένα αριστούργημα: Ένα κομμάτι κινηματογραφικής τέχνης απαράμιλλο μέσα από το εντυπωσιακό έργο του Kurosawa - και ένα αναμφίβολα παπούτσι-για το Top 10. Αλλά μετά από αυτό το αριστοκρατικό χειρισμό δημιουργίας και αποπληρωμής, ο Kurosawa συνεχίζει την ιστορία του King Lear με τρόπο που διαπερνά μαζί με κουραστική - αδιάφορη και επίπεδη παρά τις προσπάθειες της τέλεια έπαιξε κακοποιός Lady Kaede. Είναι πραγματική ντροπή Ετρεξα σπαταλάει τόσο πολλές δυνατότητες, στο μυαλό μου ούτως ή άλλως, για πιστότητα - αλλά τουλάχιστον η πυρακτωμένη φλόγα του πρώτου ημιχρόνου καίει αρκετά φωτεινή για να εξασφαλίσει τη θέση της στην κορυφή 20.

16. Πριγκίπισσα Mononoke (1997)

Η γοητεία του Hayo Miyazaki δεν ήταν ποτέ ιδιαίτερα περίπλοκη. Οποιαδήποτε ταινία με ένα μήνυμα συνήθως αποτυγχάνει να την κοινοποιήσει με έναν περίπλοκο τρόπο και όπως το έθεσε ο Orson Welles: «Θα μπορούσε να γραφτεί στο κεφάλι μιας καρφίτσας». Το αμβλύ και κατάφωρο μήνυμα του Πριγκίπισσα Μονονόκ , ωστόσο, χτυπά λίγο πιο αληθινά στην καρδιά από ό, τι στο μυαλό. Το προσεκτικά κατασκευασμένο χάσμα του Μιγιαζάκι μεταξύ ανδρών και τεράτων οδηγεί σε συναρπαστική σύγκριση με το πώς είδαν οι αρχαίοι τον κόσμο μας - και πώς η αναπόφευκτη κατάρρευση των πολιτισμών τους μπορεί να αντικατοπτρίζει μια μέρα τη δική μας. Ο μυστικισμός και ο μυστικισμός των χαρακτήρων του είναι ο πυρήνας που επιτρέπει Mononoke για να ξεπεράσει τις παραδοσιακές παγίδες της ταινίας μηνυμάτων - για να γλιστρήσει η πανταχού παρούσα γραμμή χωρίς μια λέξη, κάθε δράση που του δίνει βαρύτητα και με αυτόν τον τρόπο ενισχύοντας τον κινηματογραφικό αντίκτυπο αυτού που εμφανίζεται στην οθόνη. Η αμοιβαία σχέση που εμφανίζεται εδώ μιλάει για το βαθύ ταλέντο του Hayo Miyazaki ως δημιουργός ταινιών- και ότι η δουλειά του είναι κάτι παραπάνω από εκθαμβωτική δημιουργικότητα.

15. Ένα φθινόπωρο απόγευμα (1962)

Νομίζω, για να σχολιάσω Ένα φθινόπωρο απόγευμα , θα ήταν να σπαταλήσω την αναπνοή που έχω ήδη περάσει εξετάζοντας την ταινία που έκανε ο Ozu πάνω από μια δεκαετία πριν από την πραγματική αναπαράσταση εδώ για να είναι η τελική του ταινία. Ένα φθινόπωρο απόγευμα είναι εξίσου κομψό, λεπτό και μελαγχολικό - να εξελίσσει διάφορες έννοιες που παρουσιάζονται στην πρώτη ταινία και να τις επεκτείνει. Απομακρύνεται από ορισμένα στοιχεία του πρωτότυπου για να επικεντρωθεί σε άλλες ιδέες - επιτρέποντας σε μια σπάνια ευκαιρία για έναν σπουδαίο καλλιτέχνη να συνδέσει παρόμοια βάθη στην ίδια φόρμα. Ο Ozu θα ξόδευε όλη την καριέρα του κάνοντας πολύ παρόμοιες ταινίες, αλλά κατάφερε να εξορύσσει νέους τομείς ανθρώπινης αλληλεπίδρασης κάθε φορά - παράγοντας μερικές από τις μεγαλύτερες ταινίες που έχουν γίνει ποτέ. Αφήνοντας μια τέτοια αξιοσέβαστη κληρονομιά στο πέρασμα του, ο άντρας θα μπορούσε να είχε τελειώσει το τρέξιμο με όποιον τρόπο ήθελε. Ένα φθινόπωρο απόγευμα είναι το τέλειο κοντά στο λαμπερό έργο του.

14. Θρόνος του αίματος (1957)

Μια αριστοτεχνική προσαρμογή αν υπήρχε ποτέ , Θρόνος του Αίματος παίρνει τον απαράμιλλο Macbeth του Σαίξπηρ και σφυρηλατεί ένα καλλιτεχνικό κείμενο που στέκεται από μόνο του. Η ελεγχόμενη, καταστροφική ανθρώπινη καταγωγή του Toshiro Mifune σε δολοφονική παραφροσύνη παραμένει ένας από τους καλύτερους ρόλους του ανθρώπου- και ο ίδιος ο Kurosawa προσθέτει σελιδοδείκτη στην ταινία του με εξαιρετικές εικόνες που είναι σχεδόν εκτός τόπου με έναν σκηνοθέτη αποσυνδεδεμένο με κεντρική εικονοκλαστική πρακτική. Ωστόσο, είναι η εικόνα του Θρόνος του αίματος που το κάνει τόσο τεράστιο. Τόσο συναρπαστικό και υπερφυσικό. Η κλιματική επίθεση βλέπει ένα από τα καλύτερα συμπεράσματα χαρακτήρων που έχουν τεθεί ποτέ σε ταινία και το θεωρεί ως έργο τέχνης που παρακάμπτει κατά κάποιο τρόπο την επιβλητική σκιά του γονικού του παιχνιδιού εντελώς.

13. Η ιστορία του Τόκιο (1953)

Μιλώντας για ορόσημα από τη δεκαετία του 1950, υπάρχουν λίγες ταινίες που τρέχουν αδιαμφισβήτητα τις φιλοδοξίες σας ως σκηνοθέτης Η ιστορία του Τόκιο . Μια αστραφτερή κορυφή της άψογης φιλμογραφίας του Yasujirō Ozu, πάντα στην καλύτερη περίπτωση, είναι μια ταινία που ασκεί απίστευτα απλή κινηματογραφική γλώσσα για να επιτύχει τρυπήματα, οικεία εφέ. Το κοινό καθόταν με τους χαρακτήρες - ήσυχοι ταξιδιώτες σε μια οικογένεια, κλείνοντας αργά τη σταδιακά εξευτελιστική ηλικιωμένη γενιά από τη ζωή τους. Ο Ozu επιτρέπει σε όλους τους χαρακτήρες μια φωνή, συνθέτει κομψές και εντυπωσιακές στιγμές αποκάλυψης και μετακινεί τη φωτογραφική του μηχανή μόνο μία φορά για πλήρη 136 λεπτά. Δεν υπάρχει αντικειμενική «μεγαλύτερη» ή ακόμη και «υπέροχη» ταινία, αλλά σε όσους από εσάς επιλέγετε τι να παρακολουθήσετε με βάση αυτούς τους ιστότοπους, πρέπει να προσθέσω ότι Η ιστορία του Τόκιο είναι το έργο με την υψηλότερη βαθμολογία στο Rotten Tomatoes, με απίστευτο μέσο όρο βαθμολογίας 9,7. Αρκεί να πούμε ότι είναι υπομονετική, η ανακλαστική ματιά στη ζωή και την ηλικία έχει αγγίξει πάρα πολλά - και εγγυάται σε οποιονδήποτε διαβάζει αυτήν τη λίστα να το κάνει να ξεφύγει.

12. Πυρκαγιές στην πεδιάδα (1959)

Από τον Kon Ichikawa, αναμφισβήτητα η πιο επιτακτική ανθρωπιστική μορφή του μεταπολεμικού ιαπωνικού κινηματογράφου, Πυρκαγιές στην πεδιάδα λέει μια ιστορία ενός ανθρώπου που έχασε εν μέσω μιας χαμένης μάχης στη ζέστη του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου. Είναι μια ταινία γενναία στη μοναξιά της - που απεικονίζει καταστάσεις πολέμου σε ένα κενό τοπίο απουσία της ζωής και γεμάτο με το κενό του φόβου, κάθε γωνία φέρει μια άλλη φιγούρα Οδύσσεια που θα συνοδεύει ή θα καταστρέψει τον ξεπερασμένο ήρωά μας. Και, όπως και με το επικό ποίημα του Ομήρου, η κατανόηση του Ichikawa για τη μεγαλύτερη εικόνα δημιουργεί έναν πυκνό συναισθηματικό κόσμο, στον οποίο ο ήρωας μας είναι ένα κομμάτι παζλ που κινείται και παρακινείται από στρατηγούς μακριά από τις πρώτες γραμμές. Πρόκειται για μια ταινία που απομακρύνεται από μόνη της, λείπει από το σπίτι και οδηγείται σε ηθικές πράξεις από τον τρόμο της επιβίωσης. Εξαιρετική δουλειά από μια γραφική αλλά παρ 'όλα αυτά ζωτική προσωπικότητα της βιομηχανίας στη δεκαετία του 1950.

11. Εξέγερση Σαμουράι (1967)

Μια βασική δύναμη του δράματος του Masakai Kobayashi είναι ότι το επιτρέπει να σιγοβράζει, σχεδόν σε ένα σφάλμα. Οι σχολαστικές συνθέσεις του και οι άψογα χρονομετρημένες ενέργειές του κυκλώνονται όλο και πιο σφιχτά γύρω από την κεντρική σύγκρουση - στεγνώνουν κάθε ίντσα του αναπνευστικού χώρου μέχρι να απομείνει το μόνο που χρειάζεται να ενεργήσει - ένα υποκείμενο πλεονέκτημα στα πάντα παρόντα ηθικά των χαρακτήρων του. Σε Εξέγερση Σαμουράι , η ίδια η πράξη είναι έτοιμη ακόμη και μετά την ανάγνωση του τίτλου, αλλά ο άντρας παίζει σε αυτό για κάθε ακροατήριο δευτερολέπτου με μικροσκοπικά δάχτυλα προς το πρώτο σπαθί που τραβιέται πριν επιλυθεί τελικά σε μια πικρή, βάναυση και τελικά αιματηρή υπόθεση που συνεχίζεται με τους αναντικατάστατους Η αυστηρότητα του Kobayashi επιτυγχάνεται τόσο καλά: Μια ασύγκριτη ικανότητα να κατασκευάσει και το τελικό αναπόφευκτο της κατάστασης των χαρακτήρων του, καθώς και να συμπαθεί μαζί τους σε κάθε βήμα. Στην εξέγερση των Σαμουράι αυτός ο επιλεκτικός ανθρωπισμός φτάνει στα πιο υποβλητικά ύψη του και παντρεύεται με το αποκορύφωμα της καριέρας ενός από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες της Ιαπωνίας.

10. Έρως + Σφαγή (1969)

Από όλους τους σκηνοθέτες του New Wave που είναι συνώνυμοι με την ψυχοσεξουαλικότητα, κανένας δεν ταίριαξε ποτέ με τον συναρπαστικά διαβεβαιωμένο λαβύρινθο της κοσμικής δημιουργικότητας του Yoshishige Yoshida. Αντίθετα, ο Oshima και ο Imamura απλώς επιτέλους στα ίδια θέματα, το ένα πιο πειστικό από το άλλο, με μόνο τον Kiju να καταφέρνει να διαπεράσει την ουσία της υπαρξιακής περισυλλογής τους με μια τέτοια εκπληκτικά κινηματογραφική υπεροχή. Όχι-πού είναι αυτή η μαγευτική γνώση της ψυχοσεξουαλικής αφήγησης και της αισθητικής που καλεί πιο άφθονη από ότι Eros + Σφαγή , Η επική παραβολή Avant-Garde των 215 λεπτών της Yoshida, μια ακατανόητη ευφορία όρασης, ήχου και αισθητή αφή…

9. Ο γείτονας μου Totoro (1988)

Με τη μαγεία της παιδικής ηλικίας, το My Neighbor Totoro είναι μια απεριόριστα χαρούμενη ταινία. Μόλις τελικά το ανακάλυψα στην ηλικία των 18 ετών, αλλά είναι απίστευτη ομορφιά και ικανότητα να με αναρωτιέμαι με προσκάλεσε και πάλι σε ένα νεότερο μυαλό - ή ίσως ένα λιγότερο κυνικό. Το πολύ βαρύ φορτίο της ανθρώπινης εμπειρίας μας αφήνει είτε απαιτώντας απόδραση είτε επιθυμούμε τον συνεχή ρεαλισμό, αλλά αυτό που κάνει ο Τότορο που το ανεβάζει πάνω από οποιοδήποτε άλλο κινούμενο χαρακτηριστικό που έχει γίνει ποτέ, αγνοεί εντελώς τις επιθυμίες του κοινού του και παρουσιάζει μια ιστορία που σας επιτρέπει να έρθετε δελεαστικό με τον πλούσιο οπτικό του σχεδιασμό, τους αναστατωμένους χαρακτήρες και την ανακάλυψη των κρυμμένων θησαυρών της φύσης παράλληλα με τους οδηγούς της. Αντί να ελκύουμε το παιδί που κάποτε ήμασταν - η Totoro επιτρέπει στον εαυτό της να αξιοποιήσει μια ευρύτερη αίσθηση περιπέτειας και ελπίζω να επενδύσει στο βαθύτερο μυστήριο του πλανήτη μας. Η ανταμοιβή για μια τέτοια πίστη είναι ένα λαμπρό διαμάντι της Ιαπωνίας: Φωτεινή, παγκόσμια κίνηση και απολύτως πεμπτουσία.

8. Το πρόσωπο ενός άλλου (1966)

Μια τρομερή εποχιακή διάγνωση της σύγχρονης ζωής μέσω των ήσυχα εκπαιδευμένων σταυρών της σκοτεινής φαντασίας, το πρόσωπο του άλλου εξερευνά την εμπειρία ενός παραμορφωμένου άνδρα αφού το θαυματουργό νέο του πρόσωπο αρχίζει να κατακλύζει την παλιά του προσωπικότητα. Το έργο του Teshigahara είναι πάντα αρκετά λεπτό ώστε να εμφανίζεται στο μήκος του βραχίονα ενώ σιωπηλά αγκαλιάζει κάτω από τα σκελετικά του δάχτυλα και το αριστούργημά του του 1966 έρχεται πιο κοντά στην αποκάλυψη της αληθινής του φύσης: Φέρνοντας τις δυσοίωνες συνθέσεις του σκηνοθέτη και έντονες εικόνες τρόμου απευθείας στη μητρόπολη και κοιτάζοντας τα αστικά της άβυσσος με το ίδιο ανεξάρτητο όραμα που ζωντανεύει τόσο πολύ τον Travis Bickle στο Taxi Driver μια δεκαετία αργότερα. Ένα έργο για να ανταγωνιστεί την Persona και να εκλείψει τα δευτερόλεπτα την ίδια χρονιά για την πρόκληση της πρόκλησης της επιθυμίας, της προσωπικότητας και της ταυτότητάς του - το πρόσωπο του άλλου είναι ζωτικής σημασίας κινηματογράφος: Ένας πανίσχυρος θρίαμβος της μεθόδου του Teshigahara και ένα έργο που τυλίγεται τόσο σφιχτά στο δικό του άψογο ιδέες και ατμόσφαιρα θα ήταν εγκληματικό να αποκαλύψουμε τα μυστικά του. Δες το και μονος σου…

7. Rashomon (1950)

Μία από τις προσωπικές μου πύλες στον παγκόσμιο κινηματογράφο, το Akira Kurosawa's Ρασόμον έχει γίνει τόσο αναπόσπαστο μέρος της κινηματογραφικής κουλτούρας που έχει ξεκινήσει στη γλώσσα για να περιγράψει την ψυχολογική επίδραση που φέρουν οι χαρακτήρες: Καθένας από αυτούς παρέχει αντιφατική μαρτυρία για μια τρομερή υπόθεση βιασμού / δολοφονίας. Η ζωτικότητα του Kurosawa βρίσκεται σε πλήρη οθόνη, πρωτοποριακές τεχνικές κάμερας, όπως η λήψη απευθείας στον ήλιο και η κάλυψη μέσα από ένα χάος φυλλώματος, έτσι ώστε κάθε σκηνή στο δάσος να είναι τόσο αφηρημένη όσο η αντίστοιχη στο δικαστήριο. Η απλοποίηση της απλότητας του Το Rashomon's Ο ακαταμάχητος γάντζος χαράζει χώρο για σχολιασμό της ανθρώπινης αλήθειας, της ηθικής και μιας πλούσιας κινηματογραφικής εμπειρίας που χαρακτηρίζει τις φημισμένες επιδείξεις της εξαγριωμένης ξιφομαχίας του Kurosawa. Υπάρχουν λίγα να προσθέσουμε στον διάλογο γύρω από το Rashomon εκτός από το ότι συνεχίζει να αισθάνεται δεκαετίες πριν από την εποχή του. Κάποιος μπορεί να φανταστεί μόνο την αίσθηση ότι θα το δει αυτό το 1950.

6. Χαρακίρι (1962)

Χαρακίρι είναι τόσο ισχυρή όσο οι ταινίες. Ανοίγοντας με το να επηρεάζει μια βολή όπως θα μπορούσε να φανταστεί κανείς, ο σκηνοθέτης Masakai Kobayashi δημιουργεί ένα φαινόμενο που παραμένει μία από τις πιο παγκοσμίως επαινόμενες ταινίες όλων των εποχών: Κατατάσσεται μεταξύ των ταινιών με τις πιο τέλεια βαθμολογίες σε μια μεγάλη πλειονότητα ιστότοπων χρηστών παρά αυτά που είχα πρώτα υποτίθεται ότι μειώνεται η έκκληση. Είναι μια επίμονα υπομονετική, εμπνευσμένη ευσπλαχνικά εξερεύνηση στον ιαπωνικό κώδικα τιμής - μια ακόμα τραυματισμένη πληγή μετά τον πόλεμο του 1962 που ο Kobayashi πλησιάζει όχι μόνο ως συμπατριώτης, αλλά ως άνθρωπος. Κάθε σταγόνα αίματος χύθηκε μέσα Χαρακίρι μιλάει στον αγωνιώδη μίσος του θανάτου και της βίας του καλλιτέχνη: Σχεδόν σαν να τον πονάει να βάλει τέτοια βαρβαρότητα στην οθόνη. Στον σημερινό κόσμο, μια τέτοια σταθερή ανθρώπινη κατεύθυνση είναι θεϊκή για να δούμε- και λειτουργεί ως θεμέλιος λίθος για την ολοκλήρωση της ταινίας. Χωρίς την αφοσίωση όλων των εμπλεκομένων, Χαρακίρι θα είχε ξεχαστεί ως ένα άλλο εντυπωσιακό δράμα, σφιχτά κατασκευασμένο αλλά αλλιώς ταπεινό. Χαρακίρι κάθεται εδώ σήμερα γιατί ο Masakai Kobayashi νοιάζεται περισσότερο από ό, τι θα μπορούσατε να φανταστείτε και νομίζω ότι, με τη δική του απότομη, ευδαιμονία κομψότητα, το τοποθετεί ανάμεσα στις μεγαλύτερες ταινίες της δεκαετίας του 1960.

5. Επτά Σαμουράι (1954)

Η πιο φημισμένη ταινία που έχει βγει ποτέ από την Ιαπωνία, ο Seven Samurai έκαψε ένα ανεξίτηλο σημάδι στο μέσο και εξακολουθεί να έχει ρίζες στον κινηματογράφο δράσης του σήμερα. Η βροχή από την βροχή του Kurosawa, η αποκορύφωση πολλαπλών φωτογραφικών μηχανών, δεν εξαλείφει το προφητικό βάθος της πολιορκίας του κάστρου του Ραν, αλλά συνεχίζει να ενημερώνει τον τρόπο με τον οποίο συνδυάζουμε τις ακολουθίες δράσης, ακόμη και αν οι σύγχρονοι συντάκτες ενδέχεται να μην παρατηρήσουν την επιρροή του. Πολύ πάνω από τη διαρκή πολιτιστική του δύναμη βρίσκεται ο συναρπαστικός χαρακτηρισμός του Seven Samurai: Η δημιουργία ενός ολόκληρου κόσμου με πλούσιες φιγούρες, υποβοηθούμενη από την επέκταση της σχολαστικής μεθόδου του Kurosawa, ακόμη και στο πιο μικροσκοπικό μέρος, ώστε το όραμά του για τη Feudal Japan να είναι όσο το δυνατόν πιο συναρπαστικό. Αυτό το εγγενώς κατασκευασμένο χωνευτήρι αριστοτεχνικής δράσης και φωτεινής αφήγησης οδηγεί σε ένα σπέρμα κομμάτι του κινηματογράφου που επηρεάζει, ηλεκτρίζει και τελικά μας αφήνει με μια γενναία και ισχυρή ταινία που τελειώνει όπως έχω δει ποτέ. Μια άξια βασική στο πάνθεον του διεθνούς κινηματογράφου.

4. Χλωμό Λουλούδι (1964)

Αν δεν ήταν μόνο δύο λέξεις που ήταν διασκορπισμένες σε μια λίστα με τις μεγάλες ιαπωνικές ταινίες, το όνομα Masahiro Shinoda δεν θα είχε φτάσει σε δέκα πόδια από αυτήν τη λίστα. Λαμβάνοντας υπόψη τις συνεισφορές του στον μεγάλο ιαπωνικό κινηματογράφο που είναι κρίμα ντροπής - και το να σκεφτεί κανείς ότι ένα τέτοιο αριστούργημα που σχεδόν διέφυγε από την έρευνα είναι να πούμε κάτι για το πόσες ταινίες εκεί έξω ζητούν να ανακαλυφθούν ξανά. Έπαινος για την κυκλοφορία και κυκλοφόρησε ήσυχα από τη συλλογή κριτηρίων, Χλωμό λουλούδι είναι μια από τις μεγαλύτερες ταινίες εγκλήματος όλων των εποχών. Απλά βλέποντας έναν τζογαδόρο και τη νέα του αγάπη να πέφτουν σε μια σπείρα υποβάθμισης και απογοήτευσης, παραμένει ένα από τα πιο τολμηρά σκοτεινά, οραματιστικά κομμάτια εργασίας για να ξεφύγει από τα χείλη του Ιαπωνικού Νέου Κύματος: Ένα που είναι δολοφονικό από καρέ ένα στο κλείσιμο και που προσφέρει εξίσου υπερβατικό ένα κινηματογραφικό αποτέλεσμα όπως κάθε λιγότερο ακραία δουλειά του Ozu ή του Kurosawa. Ο Shinoda δεν πρόκειται ποτέ να θεωρηθεί ένας από τους σπουδαιότερους, τουλάχιστον από το ευρύ κοινό- αλλά ελπίζω τουλάχιστον ότι οι άνθρωποι οδηγούνται να ανακαλύψουν τον κινηματογράφο του από αυτό το χωνευτήριο της εγκληματικής τελειότητας: Ένα έργο τόσο ωμό και ακατάλληλο όσο τα υπερδιέγερση της υπερβολικής αντί-καλλιέργειας και ταυτόχρονα τόσο βαθιά ευαίσθητα και ελεγχόμενα όπως κάθε ταινία που έχω δει ποτέ. Η σχολαστική, θαυματουργή και αναμφισβήτητα υποτιθέμενη. Διορθώστε το.

3. Γυναίκα στους αμμόλοφους (1964)

Εάν ο Kiju Yoshida και ο δικός του Eros + Σφαγή είναι ο πρωταθλητής της ψυχοσεξουαλικής υψηλής τέχνης - τότε του Hiroshi Teshigahara's Γυναίκα στους αμμόλοφους είναι μυθικό συγκριτικά. Μεταφερόμενο από το διάσημο αρχικό μυθιστόρημα του συνεργάτη του Kōbō Abe, η σχεδόν κακόβουλη μέθοδος του Teshigahara είναι τόσο η πιο αδίστακτη όσο και βασανιστικά συμπονετική εδώ. Τα αμυδρό φώτα της καταπιεσμένης ανθρωπότητας λάμπουν μέσα από τις μεταβαλλόμενες αμμουδιές που περιβάλλουν τους δυο κακοποιημένους πρωταγωνιστές μας - άνθρωποι που αναγκάζονται στην πιο πρωταρχική κατάσταση της ύπαρξης για χάρη της πτωμένης επιβίωσης. Πράγματι στο Γυναίκα στους αμμόλοφους , ανθεκτικότητα είναι υποβολή. Τίποτα δεν είναι ιερό. Όχι -που είναι ασφαλές από τα σκληρά μάτια των σχεδόν παντοπωλείων χωρικών που καταδικάζουν τους ήρωές μας στο κοροϊδικό τους λάκκο. Είναι μια τέλεια ιδέα, που εκτελείται άψογα κινηματογραφικά από τον Hiroshi Teshigahara και παράγει αυτό που θα έλεγα ότι είναι το πιο αποτελεσματικό σκορ του θρυλικού συνθέτη Toru Takemitsu. Συγκεντρώνοντας τρεις απίστευτα σίγουρους καλλιτέχνες στο ίδιο πνεύμα με τους De Niro, Scorsese και Schrader Οδηγός ταξί - Γυναίκα στους αμμόλοφους είναι το δικό του, ίσο τμήμα ανθρώπου και αναπόφευκτα τρομακτικό θηρίο. Ένα τρομακτικό, βασικό έργο τέχνης.

2. Αργά την άνοιξη (1949)

Αργά την άνοιξη είναι μια αποκάλυψη της σύγχρονης μονοτονίας: Ένας εξορκισμός των δαιμόνων αυτό το μέρος και ο χρόνος απαιτούν όχι μόνο να παραμένουν κλειδωμένοι και κλειδοί - αλλά κρυμμένοι σαν να μην υπάρχουν. Ενώ η πόνος επιθυμία να εκφράσουμε αυτούς τους τρόμους δεν είναι ποτέ πλήρως ξεκλειδωμένη, μπορούμε να εντοπίσουμε στη γωνία κάθε ματιού, μεταξύ των λέξεων κάθε γραμμής και συχνά βουητά σιωπηλά στο κέντρο κάθε δωματίου. Και έτσι για έναν κόσμο τόσο επιφανειακά κορεσμένο από οδοντωτά χαμόγελα και τρυφερές μελωδίες - Ozu's Αργά την άνοιξη φιλοξενεί επίσης μια ατμόσφαιρα απόλυτης απελπισίας: φόβος ότι δεν θα γίνουμε αποδεκτοί - ότι κάθε έκφραση θα μπορούσε να οδηγήσει στην ήττα και γι 'αυτό καλούμε καλύτερα το μάθημα αμετάκλητο αντί να παίρνουμε μια ευκαιρία και να στέκεται στη μέση των κομματιών. Ο επιστρεφόμενος άξονας των συγκρούσεων γενεών βρίσκεται ως ο πυρήνας Αργά την άνοιξη χειρίστηκε προσεκτικά το δράμα, αλλά νομίζω εδώ, περισσότερο από οποιοδήποτε άλλο έργο του (ή ίσως οποιαδήποτε ταινία που παράγεται από τις γύρω δεκαετίες): Ο Ozu κατάφερε να βρει ένα τέλειο τέλος. Το να φτάσετε στη σαφή σύνοψη των θεμάτων σας και στα συναισθήματα των χαρακτήρων σας δεν είναι εύκολο κατόρθωμα, ακόμη περισσότερο να βρείτε μια στιγμή τόσο μοναδικά θρυμματισμένη όσο γεννήθηκε εδώ, και ως εκ τούτου προτείνω σε όλους στην ταλάντευση της δραματικής γραφής, της κατεύθυνσης, της παραγωγής ή απλά κινηματογραφικά ενδιαφέροντα μπαστούνια Αργά την άνοιξη στην κορυφή της λίστας παρακολούθησης. Πίστεψέ με: Θα σε καταπλήξει.

1. Υψηλή & Χαμηλή (1963)

Το High & Low είναι μια εγγενώς αδύνατη κινηματογραφική επιχείρηση. Τεντώνεται μετά από ένα αόριστο στοιχείο με τόσο συγκρουόμενο πυρήνα που δεν φαίνεται να υπάρχει τίποτα να βρει. Στην επιφάνεια δεν διαθέτει τη λεπτή αλλά παρ 'όλα αυτά συντριπτική δύναμη του Seven Samurai, καθώς και την αργή καύση της κόλασης που μαίνεται στη θλιβερή σιωπή στα τέλη της Άνοιξης. Στην πραγματικότητα, το High & Low συνδυάζει και τα δύο: Προχωρώντας τόσο διστακτικά ανάμεσα σε καθημερινούς ανθρώπους, επειδή φοβούνται ότι θα έρθουν σε περισσότερες ασθένειες, κακομεταχείριση και εθισμό- σε περισσότερη απληστία και ζήλια και ανελέητη φιλία γύρω από αυτό που ξεχειλίζει ατέλειωτα πίσω από κάθε γωνιά του δρόμου. Είναι μια ταινία τρομοκρατημένη από αυτό που βλέπει στην ανθρώπινη κατάσταση, κάτι που τόσο οδυνηρά ο Kurosawa θέτει στην οθόνη- και το κυμαινόμενο ρεύμα δημιουργικής αυτοκαταστολής του διασφαλίζει την αξιοπρεπή σημασία του. Το High & Low έχει το θάρρος να φτάσει στην απόλυτη απελπιστική, απατηλή σκληρότητα που κρύβεται σε όλες τις καρδιές μας - στο πόσο άσχημο και συντριπτικό ολόκληρο τον κόσμο βρίσκεται στον κορεσμό της άψυχης αυτοεξυπηρέτησης. Ίσως, για να γυρίσουμε επιτέλους και να το αναγνωρίσουμε, γινόμαστε καλύτεροι άνθρωποι στη διαδικασία. Είναι σε θέση να καταλάβετε ότι είναι καλό να φοβάστε, αρκεί να αποδεχτείτε την παρουσία του ανεξήγητου. Το μη πληρωτέο. Αυτό στο τέλος, η μόνη παρηγοριά που μπορείς να βρεις ποτέ είναι η συγχώρεση. Εάν πρόκειται να παρακολουθήσετε οποιαδήποτε ταινία σε αυτήν τη λίστα: Δημιουργήστε αυτήν την ταινία.