10 καλύτερες σκηνές ταινιών διαλόγου όλων των εποχών
Όσο υπήρξαν υπέροχες ταινίες, οι μεγάλοι σεναριογράφοι άνθισαν επίσης. Χωρίς το σταθερό θεμέλιο ενός σεναρίου αγαθών, ακόμη και οι μεγαλύτεροι σκηνοθέτες μπορούν να παραμείνουν στο τελικό εμπόδιο και αυτός είναι ο λόγος για τον οποίο η γραφή, μαζί με την επεξεργασία, είναι ίσως τα δύο πιο ουσιαστικά (και μαλακά) στοιχεία παραγωγής. Παρακάτω βρίσκονται μερικά από τα καλύτερα κομμάτια της συγγραφής σεναρίων μιας σκηνής που έχουν επιτευχθεί ποτέ. Κάποιοι σε κάνουν να γελάς, άλλοι σε κάνουν να κλαις και μερικοί με κάνουν να σέρνομαι σε μια μπάλα και να ευχηθώ στον κόσμο για λίγο - αλλά κάθε ένα από αυτά είναι το σημάδι ενός φανταστικού καλλιτέχνη που εργάζεται στην κορυφή του παιχνιδιού τους. Απολαύστε, τη λίστα με τις κορυφαίες σκηνές διαλόγου ταινιών που υπήρξαν ποτέ.
10. Glengarry Glen Ross - «Πάντα να κλείνεις»
Λίγοι σεναριογράφοι μπορούν να χειριστούν εξειδικευμένα τη χρήση λέξεων κατάρα όπως ο Ντέιβιντ Μαμέτ και στην αστεροσκοπική προσαρμογή του δικού του έργου έφτασε στην απόλυτη κορυφή του. Το πιο αξιοσημείωτο μεταξύ της ατελείωτης σειράς των αξέχαστες καταστροφές είναι η σκηνή μεταξύ του Αλ Πατσίνο, του Κέβιν Σπέισι και του Τζακ Λεμόν στην οποία ο πρώτος πυροβολεί μια εκπληκτική σειρά. Ο Mamet διατηρεί την αίσθηση του ρυθμού και της αγριότητας καθώς ο ήσυχος χαρακτήρας του Pacino εκρήγνυται, εξαντλώντας τις συμβατικές του προσβολές και μετά μεταβαίνοντας σε ένα ξεκαρδιστικό εναλλακτικό οπλοστάσιο των περίεργων επιθέσεων.
Καθώς ο Pacino βγαίνει έξω από τη σκηνή, ο Lemmon κάνει ένα σχόλιο που περνάει στον Spacey, το οποίο πυροδοτεί μια ακόμη αψιμαχία που τελειώνει αποφασιστικά για τον τραγικό χαρακτήρα του πρώην - αφήνοντάς τον εντελώς καταδικασμένο. Είναι ένας λαμπρός τρόπος για να αποκλείσετε την ασταμάτητα φύση της ταινίας, συναρμολογώντας όλη την ορμή που έχει δημιουργηθεί μέχρι εκείνου του σημείου και αφήνοντας όλη την ένταση της έντασης σε ένα άψογα ελεγχόμενο κύμα γλωσσικής δύναμης. Έξυπνη γραφή.
9. Δρ Strangelove - «Τηλεφωνική κλήση»
Μεγάλο μέρος του γραψίματος του Strangelove είναι κωμικός χρυσός και παρά τις τεχνικές του ρίζες στο μονόλογο, καμία αλληλεπίδραση εντός του γεμάτου από το Stanley Kubrick 90 λεπτών έως τα μεσάνυχτα δεν είναι τόσο ξεκαρδιστική όσο το τηλεφώνημα του Αμερικανού Προέδρου με τον Ρώσο ηγέτη «Δημήτρη». Η σκηνή είναι σύντομη και όμως χτυπά τόσο σκληρά σε κάθε γραμμή που δεν είχα κανένα πρόβλημα να το συμπεριλάβω ως κωμωδία εδώ. Η εξυπνάδα του 'Duck Soup' και οι ένδοξες 'Blazing Saddles' είναι οι πρώτοι, αλλά τίποτα δεν ξεπερνά το συμπαγές και πάντα αποτελεσματικό νίκη.
8. True Romance - «Σικελίες»
Από όλες τις φανταστικές σκηνές σκηνικού που έγραψε ποτέ ο Quentin Tarantino, λίγες είναι γεμάτες με τόσες υπέροχες ακμές του σεναρίου όπως η αντιπαράθεση μεταξύ του Christopher Walken και του Dennis Hopper στο μέσο του «True Romance» του Tony Scott. Από το αθάνατο άνοιγμα του Walken στον ασθενή και ο συναρπαστικός μονόλογος Hopper παραδίδει μόλις αποδεχτεί τη μοίρα του, υπάρχουν μερικές καλύτερες μάχες λέξεων στη σελίδα ή στην οθόνη.
Μέρος των επαίνων πρέπει να παραδοθεί στον ίδιο τον Σκοτ, σκηνοθετώντας τη σκηνή με αποτελεσματική κάλυψη και στα δύο μέρη και αφήνοντας σε μια κλασική πίεση κλασικής μουσικής να στηρίξει την τελική αταξία του Χόππερ τη σωστή στιγμή. Ενώ η βασική ακολουθία από το 'Inglorious Basterds' ή οποιαδήποτε από τις υπέροχες γραπτές στιγμές στο 'Jackie Brown' ήταν σε έντονη διαμάχη για αυτό το σημείο, δεν υπάρχει αμφιβολία ότι η εξαιρετική ανδρεία Tarantino εμφανίστηκε κατά την παράδοση αυτού του αριστοκρατικού έργου χαρτοπολτού.
7. Ο Δάσκαλος - «Επεξεργασία»
Ο Πολ Τόμας Άντερσον είναι ένας βασιλιάς των υποτιμημένων και συχνά δυστυχώς παραμελημένων κομματιών σεναρίου. Η αξιοσημείωτη λεπτότητα του «θα υπάρξει αίμα» και η μπάλα που καταστρέφει το τελευταίο τρίτο του «Magnolia» είναι λίγα δευτερόλεπτα, αλλά παρά την απόσπαση του συνολικού κομματιού, δεν μπορώ παρά να απορροφηθώ από την άγρια οικειότητα του «The Master's» Επεξεργασία σκηνή.
Βάζοντας τον Philip Seymour Hoffman εναντίον του Joaquin Phoenix σε ένα μικροσκοπικό τραπέζι - το ζευγάρι ασχολείται με ένα λαβυρινθικό παιχνίδι λέξεων που περιστρέφεται μέσα και έξω από διάφορα νήματα ανάκρισης και ξεφλουδίζει αργά όλο και περισσότερο για τη νοοτροπία και το παρελθόν του στενά τραυματισμένου χαρακτήρα του Phoenix. Είναι απολύτως συναρπαστικό και ένα από τα πιο έξυπνα ζωγραφισμένα κομμάτια γραφής στην πρόσφατη μνήμη.
6. 12 Angry Men - 'Αγνοήθηκαν'
Ένας συνδυασμός της απίστευτα εξειδικευμένης συγγραφής σεναρίων, της λεπτής αλλά αποτελεσματικής κατεύθυνσης του Sidley Lumet και του εξαιρετικού έργου κάθε ηθοποιού που εμπλέκεται - το σημείο μέσα στο '12 Angry Men 'στο οποίο οι Ένορκοι αρχίζουν να αφήνουν το τραπέζι τους για να ξεχωρίσουν και να νικήσουν κακόβουλο μέλος του πάρτι τους είναι μια από τις πιο ισχυρές στιγμές της ταινίας. Επιπλέον όμως: Είναι ένα υπέροχο κομμάτι γραφής που παίρνει τη δύναμη Μακριά από τις λέξεις που έχουν μέχρι στιγμής κυριαρχήσει την εξελισσόμενη αφήγηση της ταινίας. Αντίθετα, η σιωπή επιτρέπει την ανάπτυξη της πλοκής και, στην περίπτωση αυτή, συρρικνώνεται ένας από τους χαρακτήρες. Ο διάλογος μπορεί συχνά να έχει εμμονή με την εξεύρεση έξυπνων τρόπων χρήσης λέξεων για να βάλει έναν χαρακτήρα (το a-la Lumet's, φανταστικό «Murder on the Orient Express») - και τη μοναδική ανατροπή του σεναριογράφου αυτού του συχνά υπερβολικά περίπλοκου χαρακτηριστικού από εναλλακτικά είναι απίστευτο να αφαιρέσετε τα πάντα. Η κορυφή του Αντι-Διαλόγου.
5. The Third Man - «Δαπάνες χρημάτων»
Η καθυστερημένη είσοδος του Orson Welles στο 'The Third Man' του σκηνοθέτη Carol Reed μας ευλογεί με έναν από τους πιο χαρισματικούς κακούς του κινηματογράφου και όχι -που αυτό το απαίσιο αλλά γοητευτικό σκελετικό δάχτυλο του Χάρι Λίμ μας μας πείσει πιο πειστικά από ό, τι στην κορυφή ενός τροχού Ferris.
Εκεί, μιλά για πόσους ανθρώπους είναι διατεθειμένος να «ξοδέψει», υποτιμώντας αβίαστα την ανθρώπινη ζωή μέσω συγκρίσεων με μικροσκοπικές μικρές προδιαγραφές στο βάθος και δημιουργώντας ένα μικρό μονόλογο αγκυροβολημένο από ένα πραγματικά προκλητικό ηθικό ερώτημα. Ο Ριντ επιτρέπει στους ηθοποιούς του να κάνουν όλη τη δουλειά, παίζοντας με το σενάριο με μια οργανική ροή που κάνει τη θανατηφόρα πτώση από τη βόλτα όλο και πιο πιεστική καθώς η ένταση αρχίζει να αυξάνεται. Είναι ένα κομμάτι κινηματογράφου που χειρίζεται εξειδικευμένα και κερδίζει πόντους για το πόσο εύγλωττα ο μακράς απουσίας χαρακτήρας του Lime εκφράζεται ως άνθρωπος σε τόσο σύντομο χρονικό διάστημα.
4. Ψυχο - «Ιδιωτικές παγίδες»
Από πάνω από 50 ταινίες, ο Alfred Hitchcock δεν έγραψε ποτέ ούτε ένα σενάριο. Φαίνεται ότι ο άντρας ήταν περισσότερο πλοίαρχος της κατεύθυνσης και της επιμέλειας από οτιδήποτε άλλο μέσω του απίστευτου ελέγχου του στους ηθοποιούς σε αυτήν την κεντρική σκηνή από το «Psycho» δείχνει ότι η δημιουργία ενός σεναρίου δεν είναι απαραίτητη η κατανόηση και η αποτελεσματική μετάφρασή τους.
Εδώ, η αλληλεπίδραση μεταξύ του Leion's Marion Crane και του Norman Bates του Perkins παίρνει αριστοτεχνικά το θέμα της ταινίας και το εκφράζει ξεκάθαρα σε μια αθάνατη ανταλλαγή που ποτέ δεν βγαίνει ως αμβλύ συμβολική για το πόσο υπέροχα έπαιξε και έγραψε προσεκτικά. Η συνεχής ανταλλαγή πληροφοριών, τόσο συναισθηματική όσο και εκθετική, το τοποθετεί ως ένα ζωτικό κομμάτι του παζλ του Ψυχο και πώς η κάθε γραμμή είναι βαθιά ριζωμένη με τους τρόπους έκφρασης και των δύο χαρακτήρων, μεταμορφώνουν τι θα μπορούσε να ήταν μια παιδικά προφανής συσκευή σε μια από τις καλύτερες σκηνές διαλόγου που γνωρίζω .
3. Πρόσωπο - 'Εξομολογήσεις'
Ένας δεύτερος μονόλογος, αν όμως χωρίζουμε τις τρίχες, τότε ο καλύτερος μονόλογος που γράφτηκε ποτέ θα μπορούσε εύκολα να είναι ΟΛΟΣ του «Persona» του Ingmar Bergman και απλά να το πούμε: Υπάρχουν λίγα κομμάτια γραφής που εντυπωσιάζουν τόσο πολύ το κοινό ως αυτό το λαμπερό ζενίθ στο αριστούργημα του άνδρα του 1966. Η Bibi Andersson (που δίνει την καλύτερη της δουλειά ως ηθοποιός) περιστρέφεται όλο και περισσότερο σε μια μνήμη από το παρελθόν της - η ακολουθία καταναλώνει με μια πανίσχυρη γλωσσική αισθησιασμό που σέρνεται πολύ βαθύτερα από ένα απλό μοντάζ που παρουσιάζει την περίφημη συνάντησή της. Η ίδια η αλληλεπίδραση γεννιέται από την κατεύθυνση του ασθενούς του Μπέργκμαν και συν-πρωταγωνιστεί η σιωπηλή αλλά εκφραστική ακρόαση της ιστορίας της συντρόφου της, καθιστώντας την ατμόσφαιρα ακόμα πιο παχιά για μια εμπειρία που σας μεταφέρει χωρίς να σας μεταφέρει οπουδήποτε καθόλου.
2. M - «Σε δοκιμή»
Το πραγματικά ξεχωριστό «M» του Fritz Lang ξεκινά με μια από τις πιο εντυπωσιακές στιγμές στην κινηματογραφική ιστορία. Όσοι βλέπουν παλαιότερες ταινίες ως εγγενώς χρονολογημένες πρέπει να κοιτάξουν μόνο αυτήν την ταινία του 1931 για έναν παιδικό-δολοφόνο και πιθανό παιδόφιλο και πόσο τολμηρά αντιμετώπισε το πολιτικό της κείμενο σε μια εποχή κατά την οποία η Γερμανία βίωσε αναμφισβήτητα την πιο φρικτή επανάσταση των 20ουαιώνας. Σε αυτήν την τελική σκηνή, η ταινία του Λανγκ βάζει τον δολοφόνο εναντίον ενός δικαστηρίου καγκουρό που αποτελείται από τα θύματα των πράξεών του - θρηνούν γονείς και τρομοκρατημένους πολίτες, όλοι προσπαθούν να καταστρέψουν αυτήν την απειλή. Σε οποιαδήποτε άλλη ταινία είναι απολύτως σαφές ότι οι άνθρωποι έχουν δίκιο και αυτός ο δαίμονας θα πρέπει να καταδικαστεί σε θάνατο, αλλά ο Lang είναι πολύ λιγότερο ασπρόμαυρος από αυτό.
Ρίξτε μια ματιά στη Γερμανία το 1931: Εθνικό σοσιαλιστικό κόμμα σε εξέλιξη, με την πρόθεση να πάρει την εξουσία. Η επιθυμία του κοινού για μια ακραία λύση στα προβλήματα που συντρίβει η συντριβή της Wall-Street στο έθνος τους. Αργότερα ανοσοποίηση του ψυχικά ασταθούς. Στο τέλος του «M», ο Fritz Lang παίρνει την ευκολότερη απόφαση στον κόσμο και την καθιστά μία από τις βαθύτερες τραγικές προκλήσεις που έχουν τεθεί ποτέ στην οθόνη. Σκοτώνουμε τον ένοχο άντρα που ζητά βοήθεια που θα μπορούσε να τον αποκαταστήσει και να σώσει κάθε άχρηστη απώλεια ανθρώπινης ζωής, ανεξάρτητα από την «εκδίκηση» με την οποία η δικαιοσύνη του δρόμου μπορεί να εκπληρώσει αυτούς τους ανθρώπους; Συμμεριζόμαστε μαζί τους, δεδομένου ότι αυτοί οι άνθρωποι θα γίνουν αυτοί που υποστηρίζουν την άνοδο του ναζιστικού κόμματος και αρχίζουν να ασκούν την πολιτική του αγνοώντας τις κραυγές για βοήθεια και αντ 'αυτού παίρνουν την εύκολη επιλογή να πνίξουν εκείνη την κραυγή με χαλάζι θανατηφόρες βελόνες; Το «Μ» κηρύττει «Όταν ένας άντρας είναι άρρωστος, τον στέλνεις σε γιατρό, όχι σε εκτελεστή» και μόνο στο «Μ» την ακριβή στιγμή που έγινε θα λειτουργούσε αυτή η σκηνή. Εμπνευσμένος, ανυπόφορος θαρραλέος και για πάντα προϊστάμενος κινηματογράφος.
1. Υψηλή & Χαμηλή - «Ανάλυση»
Υπάρχει κάτι τρομακτικό για την ανυπαρξία, δεν είναι εκεί; Ταινίες όπως το «Synecdoche, Νέα Υόρκη» μας προκαλούν άμεσα με την ιδέα ότι έρχεται ο θάνατος, αλλά όπου το γράψιμο του Akira Kurosawa διαφέρει από το εξαντλητικό χείμαρρο των ιδεών που συνήθως μας βομβαρδίζει ο Kaufman στην ταινία του είναι ότι είναι λεπτό. Υπονοεί, μάλλον και δηλώνει. Παραμονεύει και παραμένει, παρά να επιτίθεται απευθείας. Όπως έγραψαν κάποτε ο John και ο Chris Nolan, «Είναι το αργό μαχαίρι που κόβει το βαθύτερο». Δεν μπορώ να τονίσω αρκετά ότι αν δεν έχετε δει την καλύτερη ταινία του Kurosawa, το «High & Low» του 1963, τότε πρέπει να το κάνετε πριν διαβάσετε αυτό.
Εδώ είναι μια ταινία που αφιερώνει δύο ώρες υπομονετικά καταστρέφοντας τη ζωή πολλών ανθρώπων. Τρομάζει ανεπανόρθωτα ένα μικρό παιδί. Σβήνει την ψυχή από μια πρώην ακμάζουσα οικογένεια. Επιτρέπει στους επιχειρηματίες της περούκας να κερδίζουν, ενώ ο ήρωας περιβάλλεται στα ξεθωριασμένα θραύσματα της πρώην περιουσίας του. Όλα αυτά δεν έχουν ποτέ άμεση ευθύνη. Ο τερατώδης κακοποιός πίσω από τις ατελείωτες τραγωδίες του High & Low στερείται προσώπου - εμείς στο κοινό επιτρέπεται να κατηγορούμε τους ανθρώπους που επιλέγουμε με την ελπίδα ότι ο κ. Gondo θα ζήσει ξανά μια ευτυχισμένη ζωή.
Και μετά, μετά από όλα αυτά, η Akira Kurosawa μας κάθεται στην τελική σκηνή του απόλυτου αριστουργήματός του και μας αντιμετωπίζει με τον ανείπωτο τρόμο, την αναπόφευκτη σκιά που μας αγκαλιάζει ακριβώς πέρα από τον τάφο: Τίποτα. Δεν θα αναφέρω άμεσα τίποτα σχετικά με το ανεξίτηλο κομμάτι του κινηματογράφου που κλείνει την ταινία, και πάλι να σας ζητήσω να το αναζητήσετε το συντομότερο δυνατό. Οι λέξεις αποτυγχάνουν να περιγράψουν την αίσθηση που μεταφέρεται σε κάθε πλαίσιο των τελευταίων στιγμών της ταινίας.